Germán Rubino lanzó su debut discográfico “Relatos”

El cantautor marplatense Germán Rubino lanzó su disco debut “Relatos”, una colección de canciones que se remontan a la adolescencia y la cercana adultez de su creador.

|Por Marcos Gabarain|


“Relatos” dura más de 22 minutos y cuenta con 6 canciones del propio Rubino. El mismo fue grabado en LaB Home Studio y Estudios ACB. Dos de las canciones que integran el disco pueden disfrutarse en nuestras sesiones En La Perla.

Sobre el proceso de grabación del disco, Germán admite que “Personalmente es un momento de liberación. Creo que pude plasmar fielmente lo que soy y parte de mí vida está en cada canción, todo tiene que ver con todo, es un pequeño álbum conceptual en cierto punto, es una alegría inmensa la que me invade en este momento.”

“El disco está un poco obligado a ser presentado en público, y creo que las canciones se lo merecen. Estoy pensando en armar una banda y hacer una gran fiesta arriba del escenario, pero todavía es muy pronto”, admite el marplatense entre risas.

-¿Quedaron canciones afuera del disco?-

-Por suerte no, la lista de canciones es perfecta y en su justa medida. Hay canciones que escribí a los 15 años y otras hace menos de un año, lo bueno es que tienen cierta relación entre todas.-

Lucio Berté y Rodrigo Belsito fueron los músicos invitados que también ayudaron en la mezcla y masterización de “Relatos”. Rodrigo Ferreyra se encargó del llamativo arte de tapa.

“Me tengo que sacar el sombrero y aplaudirlos. Se hizo un trabajo en conjunto y hecho entre amigos, no puedo estar más agradecido con el resultado final, lo soñé durante años a este disco y es tal cual me lo imaginaba”

“Relatos” está disponible en todas las plataformas de streaming, y a partir de hoy forma parte de la playlist de lanzamientos marplatenses del 2019 por Duias Music.

Tamaryn: “Los discos viven fuera de tiempo porque son eternos”

La neozelandesa Tamaryn arriba a la ciudad el próximo viernes 15 de marzo a las 21 en Teatriz (Diagonal Pueyrredón 3338), en medio de su primera gira por Sudamérica y con disco nuevo bajo el brazo. En diálogo con Duias Music, la artista habló sobre el futuro de la música, el presente de la mujer en la industria y la anti nostalgia.

|Por Marcos Gabarain|


Tamaryn, vocalista y compositora nacida en Nueva Zelanda y actualmente radicada en los Estados Unidos, ha lanzado tres álbumes de estudio, un EP y varios singles. Su estilo multifacético combina varios géneros como el dream pop, shoegaze, post-punk, rock gótico, synth-pop y electrónica. Su nuevo disco, “Dreaming The Dark”, saldrá el 22 de marzo en todas las plataformas.

-Esta es tu primera vez en Sudamérica ¿Que sentís al tocar para una nueva audiencia?-

-Es un sueño cumplido de hace muchos años que nunca creí que sucedería. Es algo muy excitante para mi y para mi banda. En vivo estoy concentrada en el momento, e intento entrar a cada canción con una emoción honesta para asegurarme de que la estoy sintiendo. Nunca hablo arriba del escenario, nunca lo pensé como una relación “audiencia-performer”. Es más una experiencia personal para exhibir.-

-¿Creés que los músicos deben evolucionar para sobrevivir?-

-No. A veces, explorar hasta cierto límite puede ser más icónico. Lo mismo sucede con la estética, creo yo. Un vestido o una camisa puede dejar una marca en la cultura, y eso es poderoso. Siempre fui una estudiante de personajes como Bowie o Madonna, quienes se inspiran en distintos arquetipos y los mezclan con sus propias esencias. Eso es más tangible que comprometerse a un estilo o género. Es más difícil impactar de esa manera pero es más divertido.-

Siendo éste un momento de suma importancia para la mujer a nivel mundial, Tamaryn ve a sus pares en la industria músical muy fuertes y convencidas. A la hora de elegir un artista para colaborar, la neozelandesa eligió a Martin Gore (Depeche Mode) y a Massive Attack (“una colaboración con ellos sería algo espectacular”).

A Tamaryn le gustan “las canciones que están bien escritas”, y considera que su sonido puede asemejarse a aquellos de los 80 y 90, aunque no ve a la música como “un ser lineal”. Los discos viven fuera de tiempo porque son eternos. Reconozco que suelo tener menos influencias modernas de la cultura pop, pero no considero que eso sea promover nostalgia”, afirma la artista.

-¿Cómo ves el futuro de la música?-

-Creo que se está convirtiendo menos en una carrera y más en algo individualista. Cualquier otro trabajo factura más que estar en una banda. Tenés que hacerlo porque estás indudablemente ligado a un espacio interno más profundo. Hay algo hermoso en eso.-

-¿De qué se trata este show que vas a presentar en Teatriz?-

-El show nuevo tiene muchas canciones nuevas y algunas de mis favoritas de la era de “Cranekiss”. Espero crear una experiencia en la que la gente se pueda perder, pero sigue siendo cruda y desafiante. Estoy enfocada más en la composición que en mostrarme como “banda”. Será algo fuerte.-

Colombia, Chile, Peru y Brasil son los otros destinos de Tamaryn en esta primera gira por el continente sudamericano. Brown seguirá anticipando las canciones de su inminente nuevo disco, que ya tiene singles lanzados, como “Fits Of Rage” y “Angels Of Sweat”.

La Fecha

Tamaryn se subirá al escenario de Teatriz el viernes 15 a las 21, donde también estarán presentes Tomates En Verano y Dj Romina Lee. Las entradas están disponibles por Plaetanet y en la boletería del teatro (Diagonal Pueyrredón 3338).

Wine Sounds Incoming: BSides

No falta nah! Wine Sounds se viene con de todo, como diría algún movilero de tv. Excelentes bodegas, artistas argentinos, charlas con enólogos y hasta torneo de equitación. Dale ¿De verdad? Sí, todo lo tenés el domingo 3 en Haras de Santa María del Mar en Marpli. “Creamos una estructura dentro de este mundo caótico”, dice Felipe Carrizo integrante de Bsides, la banda que le dará electrónica al evento. Fotos por Joaco Divito.

|Por Ivana Freije|


Si buscás Bsides en el diccionario no sé específicamente qué te dirá, pero el resultado no será lo que yo quiero transmitir. Ojo, tal vez me sorprenda, pero debo confesar que no lo busqué y tampoco tengo muchas ganas de hacerlo. Lo que sí quiero que sepas es que, en nuestro universo de sonidos, Bsides es una banda que improvisa música electrónica formada por Tomás Randrup en bajo, Facundo Irigoiti en guitarra, Joaquín Irigoyen en la batería electrónica y Felipe Carizzo en sintetizadores.

Junto al El Kuelgue, Salvapantallas y Conociendo Rusia, forman parte del lineup de la primera edición de Wine Sounds. Como ya dije, claro está que no se les puede preguntar cómo se preparan para el show dado a que se caracterizan por improvisar.“Estamos entusiasmados por participar y compartir con los artistas que estarán” cuenta Felipe y con una risa vergonzosa, tal vez producto de alguna amenaza interna en la banda, asegura: “Vamos a catar bastantes cepas”.

¡IMPORTANTE!
Bsides recomienda:Le sugerimos a todos que se queden, Wine Sounds es un festival que se disfruta de principio a fin. Luego de El Kuelgue vamos a estar musicalizando para que todos bailen.

B-Sides de Bsides

Se juntaron 4 amigos para hacer música de forma recreativa, a modo de ocio y Felipe remata: “El nombre del proyecto justamente es eso, nuestro lado B”. “Empezamos a tocar, y supimos que si generábamos sistemas no hacía falta tener temas y grabarlos. Los cuales nos permitían (y permiten) practicar la improvisación, que es algo que nos nutre dado a que somos muy afines al jazz o el funk. Eso volcado a la electrónica nos permitió crear Bsides”.

-¿Es improvisación pura o tienen bases sobre las que trabajan y se dejan llevar en cada show?-

-En el jazz, por ejemplo, hay algunos estándares que se fijan una vez que están establecidas las armonías y en base a ellos, se improvisa.Nosotros consolidamos la improvisación en base a una armonía que va variando según el momento: Si tocamos a la tarde, a la noche o en trasnoche, no es lo mismo. La intensidad, los acordes, son distintos y eso se hace de forma libre. Y una vez que estás metido en este mundo, todo es un camino a explorar en el que vas investigando en el momento. Va surgiendo data que termina siendo fundamental a la hora de crear climas-

Como un ave fénix que del fuego resurgió… Ok, no encaja la frase, pero me daba el pie para hablar de la vuelta, del “resurgimiento” de la música electrónica.“Nos gusta el género, más que nada el house, techno y sobre ese colchón encontramos algunos loops de forma analógica”.

Pero Ivita, tienen sinte y bata electrónica. Sí, ya lo sé, tampoco hay que ser tan literal. Al no tener un tempo claro, varían y con eso se impulsa para crear: “No somos dj’s pero en ciertos momentos lo parecemos”.

Felipe Carrizo es la voz protagonista de esta charla. Recuérdenlo, creo que es buena gente“Hay bandas como El P.C.C, Peces Raros que son una bomba, Fus Delei, Varese, las dj’s Vurkina que utilizan este estilo como base y motivo; y nos entusiasman porque sentimos que formamos parte de un polo electrónico contemporáneo indie, por decirlo de alguna manera”.

-Desde mi desconocimiento imagino que como músico plasmás alguna vivencia en la letra y laburás la melodía para poder transmitir lo que sentiste, y que quede todo medianamente “redondito” ¿Cómo te expresas en la música electrónica sin voces? –

-Es como decís. Acá es más caótico. No es algo cerrado, sino que vamos abriendo puertas permanentemente.
Generás contenidos desde los instrumentos. Por ejemplo, te peleaste con tu pareja: Ahí vas a utilizar un sonido más crudo, lo vas a pudrir un poco. Yo por ejemplo hago collages de voces que tal vez encuentro en youtube o son grabaciones nuestras, las voy rompiendo y las disparo en vivo.-

-Nosotros somos amigos hace mucho tiempo y al conocernos tanto, casi de memoria, congeniamos muy bien al momento de trabajar. Armamos 2 bandos: bajo y batería; y por el otro guitarra y sintes. Con eso se arma cierto “versus” y de esa forma nos vamos expresando-

“Nazca” es la carta de presentación de Bsides

Improvisan y si bien cada set/show es diferente, quizás contradictoriamente, tienen material grabado y está en Spotify.

“Hicimos un primer trabajo en toma directa de una presentación. Cuando surge Nazca, regrabamos vivos, lo pasamos en limpio. El tema va mutando tal cual sucedió, pero con un sonido mucho más fiel.
El último material que sacamos fue en una fiesta que hicimos y creo que es lo más natural que hemos logrado” analiza y agrega que es muy difícil demostrar una improvisación que se genera en un instante específico, congelarla y que se pueda escuchar en cualquier otro momento sin perder nada.

La radiación electromagnética que percibe el ojo humano. Los saltos de los electrones en las órbitas de los átomos. Qué lindo poder apreciar y qué importante el rol que tienen esas ondas en un show: Luces.

“En nuestro caso, al no tener un frontman, un cantante que al menos mire para arriba…Se nos hace difícil congeniar con el público porque estamos concentrados mirando para abajo”, cuenta Felipe entre risas y confiesa que a Bsides, tener tanta visibilidad no le es tan importante: “Muchas veces creemos que nuestro lugar ideal no es en un escenario, si no, abajo en medio de la pista con la gente. Por esa razón sentimos la necesidad de crear un lenguaje visual que pueda hacerse cargo de ese faltante”.

Bueno, basta. Apaguen y dejemos una cenital.

Este domingo Bsides en Wine Sounds. Andá va a estar muy bueno. También agendá y organizá porque el 23 de marzo se presentan junto a Peces Raros y Vurkina en Niceto, Buenos Aires.

Me voy. Tiremos un poquito de humo, luz frontal azul, y listo.

Wine Sounds Incoming: Conociendo Rusia

Hay mucha expectativa y somos varios los que tachamos los días en el calendario, o marcamos palitos en la pared. Este domingo se realizará la primera edición de Wine Sounds. Un evento donde se conjuga la música con el vino de las bodegas más importantes del país. Mateo “Ruso” Sujatovich, frontman de Conociendo Rusia, nos adelantó detalles de su presentación para saciar la ansiedad.

|Por Ivana Freije|


WAIT. Antes que nada, agendá.

Qué: Wine Sounds
Cuándo: Domingo 3 de Marzo desde las 17hs
Dónde Haras de Santa María del Mar
Quiénes: El Kuelgue – Salvapantallas – Conociendo Rusia – Bsides
Entradas: Eventbrite

¡Hola Ruso! ¿Querés ser mi amigo?

Debo confesar que no tenía planeado que esta charla sea plasmada de esta forma, pero la conversación se sintió. Casi media hora de intercambio de pensamientos donde, sinceramente, Mateo me enseñó y se sumó a mi lista de gente admirada. Porque por teléfono, pidiéndole que hable algo fuerte para que la grabación quede limpia y audible, su tono de voz, su fluidez, predisposición y respeto, me reflejó una persona muy agradable, inteligente y creativa.

-El domingo tocan ¿Es la primera vez en la ciudad? –

-Sí. Me da mucho gusto porque tengo amigos allá y al ir seguido me siento como en casa. Wine Sounds está buenísimo, además me gusta mucho el vino. Tocar, estar con amigos, tomar algo ¿Qué más se puede pedir? Conozco a los artistas que van a participar, de hecho, ya nos hemos cruzado con El Kueglue y Salvapantallas, con quienes hemos compartido algunos festivales. Es divertido poder trabajar con amigos

-¿Algún adelanto?-

-El disco que sacamos tiene 7 canciones y para este show sumamos 3 temas nuevos, por lo que será un desafío para nosotros. Es arrancar el año alargando un poco las presentaciones, estrenando material y a la expectativa de la reacción del público que es algo que nos motiva y nos da muchas ganas de que todo suceda ahora-

-En marzo de 2018 Conociendo Rusia lanzó su primer material discográfico homónimo ¿Cómo vivís la buena repercusión que tuvo? –

-No la esperaba. Reconozco que cuando lo hice, realmente dejé todo. Trabajé muchísimo para que el disco sea el mejor que yo podía hacer en ese momento. Ya cuando estaba próximo a salir dije: “Esto puede llegar a andar”. Debo confesar que nunca me tuve confianza con la música, pero ahora sí la tengo y se debe a que veo que hay aceptación, a la gente le gusta, las canciones se cantan. Me transformó mucho en lo personal y como músico

-¿Cómo puede ser que no te tengas confianza si ya venís trabajando hace varios años dentro de la música?-

-Pero poner la cara, estar al frente de un proyecto, escribir las canciones, transformar historias personales en las letras… No es lo mismo. En Conociendo Rusia hay algo nuevo para mí: Largar un proyecto de cero que se sostiene con mis ganas; que yo soy el motor. Si bien se forma un equipo porque están los músicos, manager, compañeros y no estás solo; cuando empezás es tu idea, tu propia creación y comenzás a ver quién te sigue, quién te acompaña y tenés que empujar un auto que no anda. Pero luego mirás para atrás, ves el recorrido, notás que el auto anda bien en una velocidad linda y ahí te da confianza-

-Estuve escuchando mucho el disco, y coincido con la gran mayoría de los críticos que lo catalogaron como uno de los mejores del 2018. Todas las canciones están buenas, reflejan la esencia del proyecto y a pesar de las horas de reproducción en loop, no logré seleccionar cuál será el track que musicalice esta nota ¿A vos te fue fácil elegir el corte de difusión? –

-No. De hecho, es “Loco en el Desierto” y fue la canción que más tardé en hacer. No tenía siquiera la letra terminada y faltaban dos días para entrar a grabarla. Cuando terminé de escribir me di cuenta que ese era el tema más entrador de la banda, y si bien no es el que más me gusta, creo que es el que resume lo que es Conociendo Rusia-

-Vivimos, lamentablemente, en una sociedad que aún necesita etiquetar todo. ¿Cómo definís este proyecto solista? –

-Es una banda de canciones con algunas más pop, otras más rockeras. Lo que me dicen es que les hace acordar a ese rock nacional de los 2000, de los ’90, que es probablemente la música que yo escuché cuando crecí. Y Conociendo Rusia quiere traer ese estilo que se fue perdiendo un poco. Es un proyecto de Rock  & Pop nacional-

-Me gusta que mantenés y reflotás la idea de que el rock nacional no murió-

-Tiene que ver con algo generacional. Tal vez para un chico de 15 años que no creció escuchándolo porque sus padres no le mostraron lo que había, desapareció. Yo me crié escuchando Sui Generis, Charly, PorSuiGieco, Spinetta; y para mí está. Todo está vivo dentro mío. Probablemente el negocio de la música no esté relacionado a eso, pero si algún artista crea lo suyo, pensando en qué es lo que va a vender más, está en un grave error.- 

“Los géneros no desaparecen: Se sigue escuchando jazz, continúan haciendo música clásica, se hace reggaetón que hace 10 años era lo que hoy es el trap, la salsa sigue estando. La música no se apaga. Luego, si los sellos discográficos le ponen más o menos plata, los medios difunden algunas cosas y otras no, es otro tema.”

-Tampoco está mal aggiornarse a los nuevos sonidos o a lo que se escucha ahora-

-No, no está mal, además te inspiran. Por ejemplo, para hablar de algo moderno, el trap es muy rico en muchas cosas, y tal vez en un tema o un disco utilizás algunos de sus recursos. Lo que no hay que hacer es ser infiel a tu estilo y caer en lo más fácil-

-Forman parte del Lollapalooza 2019. Teniendo en cuenta que hace un año que se dio a conocer Conociendo Rusia ¿Cómo hicieron para llegar a uno de los eventos más esperados? –

-No fuimos a buscar a nadie. Llegaron a nosotros. Fue una propuesta de los productores del evento quienes querían que participemos. Nuestro disco había salido hacía 3 meses, habíamos tocado 2 veces y nos llamaron. Y creo que sucedió por lo que hablábamos anteriormente, de que el proyecto sorpresivamente tuvo una linda repercusión-

-¿Conocés Rusia?-

-Más o menos. Conozco una Rusia personal no la Rusia geográfica que aparece en los mapas. Estoy tentado, me gustaría poder ir-

-¿Por qué no? Podrías ir a tocar-

-¡Más vale! Con Natalia Oreiro-

-Gracias Mateo. Te espero el domingo-

-Dale, nos vemos ahí. Gracias, un besote-

Cazacuervos: “Pudimos desarrollar una identidad”

La banda argentina de rock alternativo estrenó Irreversible, su nuevo trabajo discográfico. En la siguiente charla nos cuentan sobre la reencarnación del grupo, el proceso de grabación de las nuevas canciones y los planes a futuro.


Estamos muy cómodos siendo tres, las cosas fluyen muy bien. Más allá de eso, sea una banda de dos o de ocho personas, si no están alineadas para el mismo lado, nunca va a resultar—, respondieron a la primera pregunta de cómo se sienten en su nuevo formato de power trío. Y es que Cazacuervos es una banda que se formó en 2012 con cinco músicos de la escena alternativa bonaerense. De esa alineación, que grabó un EP, sólo quedó el bajista Franco Barroso.

Para la reestructuración de la banda, Franco convocó al guitarrista Alejandro Canosa (quien se mantiene desde el primer disco Abismo) y al baterista Hernán Rico. Además, tomó el micrófono y desde entonces es la voz líder de Cazacuervos. Con la formación completa, comenzaron a cranear lo que sería su nuevo trabajo de estudio. Para ello, citaron al productor Guillermo Porro, quien trabajó con Marilina Bertoldi, La Ley, Parteplaneta, entre otros, además de su propia carrera musical.

—¿Cómo fue laburar con Guillermo Porro? ¿Qué rol cumplió en la grabación?

—Guille es un ser increíble, no sólo en lo humano, sino también en su talento innato al momento de trabajar el audio. Recibió nuestros temas preproducidos, se encargó de poner todo en orden, nos produjo, nos grabó y mezcló el disco. Es un productor que sabe escuchar e interpreta a la perfección para dónde quiere ir la banda, en vez de mezclar y producir sin tomar en cuenta ese aspecto, como hace la mayoría.

—¿Qué es lo que más les gusta de Irreversible?

—Lo que más nos gusta es que pudimos desarrollar una identidad y un audio que antes no teníamos. Es música hecha y pensada para otro tipo de formación e instrumentación, lo que resultó positivo para no repetirnos. Siempre tratamos de hacer que los temas no sean todos iguales y creo que en este disco se logró bastante bien.

—¿Qué música sonó o escucharon más en este proceso de grabación? ¿Lo utilizaron como influencia o simplemente hicieron lo suyo a gusto y placer?

Hicimos lo nuestro, pero siempre antes de encarar un proyecto se buscan referencias, influencias e inspiraciones, aunque después termines haciendo otra cosa completamente distinta. Estuvo dando vueltas algún disco de Biffy Clyro, el último disco de Depeche Mode, el clásico Nine Inch Nails y alguna que otra cosa más.

—¿Cuáles son los planes para promocionar el disco? ¿Hay fechas? ¿Se viene alguna gira?

El 6 de abril tocamos en Roxy live y estamos armando una gira por Santa Fe, Paraná y Córdoba. Pronto anunciaremos todo.

Cazacuervos estrenará en los próximos días un videoclip para el tema homónimo del disco. Con un sonido demoledor y una imagen definida, tienen claros los pasos a seguir y quedó demostrado que las adversidades las usan a su favor. Son buenas las condiciones para afrontar esta nueva etapa.

Gastón De La Cruz lanzó “Continuum”

El guitarrista Gastón De La Cruz lanzó el disco “Continuum” con una formación envidiable que ejecuta un jazz ecléctico con sello local. Influencias, amigos invitados y la continuidad inocua del género.

|Por Marcos Gabarain|


El Disco

“Continuum” se grabó en Artefacto el pasado 8 de octubre por Agustín Seresini, quien se encargó también de la mezcla. A De La Cruz lo acompañan Matías Rivara en trompeta, Federico Viceconte en saxo tenor, Pedro Carignan en contrabajo y Luciano Monte en batería.

Luego de una “Intro” entre seductora y caótica, con algún que otro estallido de baterías, trompetas y guitarras, “Continuum” se abre paso con la primera parte de “KBZ (La Turca)”, una especie de vals jazzeado y conducido por la trompeta sorda de Matias Rivara.

La “parte 1” desemboca en la “Parte 2 (Elemento Parcial)”, donde la intención es lenta y sincera, hasta que la base rítmica de Luciano Monte y Pedro Carignan te llevan hacia una especie de de embrujo floydiano. Las lineas de trompeta y saxo tenor, ejecutadas por Rivara y Viceconte, son estocadas de emoción y serenidad en el momento justo.

En “KBZ III” los créditos van para Monte y su batería sincopada, descentrada, arrebatada. Riesgos acelerados que recuerdan al Radiohead más jazzero de “In Rainbows”. De La Cruz muestra sus dotes de arreglador medido y sigiloso, con arpegios recurrentes que brindan estabilidad y una secuencia de colchones de cuerdas eléctricas.

Ya promediando el ocaso del disco es cuando De La Cruz saca a pasear su guitarra. “KBZ IV” comienza con su intención a flor de piel, una bigüela de tono cuidado y unos platos distantes para endulzar lo que luego se convierte en una danza que hechiza con los caños.  Luego de unos abruptos cortes, llega el momento de que Carignan haga valer la fortaleza de sus dedos con un solo de contrabajo rebuscado y solemne. Mientras tanto, Rivara sopla desde una cúpula distante con una trompeta llena de eco. Hacia los minutos finales, el también miembro de Niki Lauda agarra la posta con una distorsión para la ocasión y pela un rato.

La quinta y última parte de “KBZ” comienza amenazante y serpentea alrededor de la leve instrumentación de batería, con otra gran presencia de Carignan en contrabajo. La complejidad de las canciones emergen hasta las rebuscadas melodías de ésta, donde una especie de “pregunta y respuesta” de los vientos hacen una dinámica salpimentada con buen gusto. A este juego de líneas se suma De La Cruz al mando de un solo ascendente y descendente que genera una ruptura hacia algo más cargado.

“Rio Nanchy” es el arrivederci. En 4 minutos, las escobillas de Luciano Monte cargan la atmósfera y le dan ese aspecto lluvioso a la obra, que pulula con olor a mar. La selección de canciones está friamente calculada como para que la intensidad y los momentos álgidos puedan disfrutarse.

La Entrevista

-¿Cuál fue tu primer contacto con el Jazz?-

-En principio, cuando fue por elección, me acerque a la parte más fusionera con Scofield. Un amigo me pasó el link de “Up All Night” y algunas cosas sueltas de “Uberjam” y me dijo: “mirá escuchá esto”. Al principio no entendí nada, por que yo tenía otra estructura de lenguaje musical en la cabeza, pero me encantó. De ahí me puse en contacto con Seba Del Hoyo, que fue mi primer profe del género. Empecé a estudiar composición también. Siempre me gustó hacer mi música, al principio fue muy frustrante por que yo tocaba hacía como 10 años  la viola y fue como empezar de cero, jaja.- 

-¿Cómo te sentís al entrar a un estudio?-

-Me encanta. De muy chico supe que quería vivir con la música, y poder hacerlo y dejar un registro de eso me parece fantástico. Para mi la música es una celebración. Por otro lado, está siempre la exigencia de hacerlo de manera profesional, formarse, ir con una idea clara sobre cómo querés que suene el disco y tocar bien, obvio-

-¿Qué experimentas al grabar tu propia música?-

-De vuelta, es una celebración. Imaginate que uno trabaja sobre una idea, le da vueltas y formas al asunto, llama a los músicos, con todo lo que eso implica, se juntan a tocar tu música y hacen que todo suene bien. En el mejor de los casos, se involucran colectivamente en el proyecto y todo eso después queda plasmado en una obra. Por más que quizá a la distancia lo escuchás y decís “bueno no me gustó tal cosa como la toqué o como quedó”,  hay una energía en la situación de entrar al estudio que creo que vale por si mismo. Para mi es una suerte de ritual.

El proceso de composición de las canciones fue, según el propio guitarrista, “un proceso largo, por que no lo hice pensando voy hacer un disco que se llame “x”… y toda la cosa de antemano”. Algunas obras se originaron gracias a una materia de armonía que Gastón estaba cursando en el momento. Radiohead juega un punto crucial en el “mood” de los temas, y De La Cruz admite que “Si bien los discos del grupo son todos diferentes, creo que tienen un audio que vos decís “son estos tipos”. Y un poco eso es lo que quería que tuviera la música de esta serie, que escuches todos los temas por separado pero sintiendo que se parecen un poco entre si y son parte de una unidad, o una Continuidad, justamente (en relación al título del álbm)”.

-¿Creés que tu música tiene una proyección que excede al jazz?-

-Pienso que si, pero no como una instancia superadora, ni en pedo. Simplemente por que creo que como a muchos músicos de mi generación, no sólo que nos criamos escuchando otra música y el bagaje es distinto, y eso es algo que aflora y hace al lenguaje de las composiciones. Yo creo que el jazz es una música en constante movimiento y es dónde más libre me siento.-

-¿Qué aportaron los músicos invitados a la dinámica de las canciones?-

-Los llamé para tocar por que los conozco, sé como tocan y además comparto otros proyectos con muchos de ellos, entonces sabía que iba a ser fácil de hacer sonar. Son músicos que están en constante actividad. Fue todo un desafío, por que siempre grabé discos en grupo, y aunque compusiera y llevara todo muy resuelto, siempre había una instancia de consenso entre todos. Acá no. En un momento, les pregunté a los músicos qué opinaban si usaba un trémolo en un tema y me dijeron: “Es tu audio, tu música”.-

“Continuum”, el nombre del disco, surgió al final del proceso. De La Cruz optó por el concepto para reafirmar la idea de serie, de una unidad. Algo que empieza, transcurre y finaliza pero nunca deja de ser parte de un mismo devenir“. En un principio, la idea era utilizar la palabra en castellano, “Continuo”, pero decidió no hacerlo ya que “se me adelantó Avishai Cohen”.

El disco tendrá una presentación en vivo, aunque las canciones que conforman el mismo ya han sido ejecutadas en vivo en varias ciudades del país (Rosario, Bahía Blanca), pero Gastón también admite que “ a contramano de lo que se puede pensar lógicamente, para mi el cierre fue grabar la música. La presentación será una formalidad, pero ya lo hemos tocado y lo seguiré tocando.”

“Yo creo que es lo bueno de este género. La música se reinventa en cada toque. En este momento estoy escribiendo (y estudiando ¿cómo?) arreglos de música mía para un ensamble un poco más grande, un noneto. Eso me tiene más entusiasmado, siempre pensar en lo que viene.”

Simmur: Nunca la misma agua

Simmur lanzó “Entre Ríos” y se preparan para presentarlo hoy en el Club Tri. De cara a esta noche, charlamos con Gucci y Juan para que nos adelanten algunos detalles.

|Por Makú Rodríguez|


Caluroso viernes marplatense. El asfalto pareciera incendiarse y la zona céntrica de la ciudad es una mezcla de sonidos caóticos. Llegué puntual a la cita, tan sólo unos segundos antes de que arribaran al departamento Gucci y Juan. Me saludaron con el cálido abrazo de siempre y me invitaron a pasar al edificio.

Bajamos del ascensor y nos dirigimos hacia el departamento. La casa de Gucci pareciera no tener piso, brilla tanto que siento que estoy parado sobre un gran espejo. Los libros forman parte de la escenografía hogareña, junto con algunos discos y juguetitos musicales. No habían pasado ni 5 minutos y la primera cerveza había sido destapada. Los noté entusiasmados, de movida me dijeron que la venta de anticipadas venía perfecto y que estaban muy ansiosos por presentar el disco en el Club Tri. La fecha será hoy sábado 23/02 a partir de las 20:00 en 20 de Septiembre 2650 (Club Tri) junto a los chicos de El Zar y habrá entradas en puerta.

Entre Ríos salió del horno ayer viernes. Los Simmur habían anticipado este disco lanzando 5 adelantos. El homenaje a la canción pop en su máximo esplendor y el fiel reflejo de meses de trabajo bastante intensos.

Nos acomodamos cada uno en su sitio. Yo con mi libretita como guía y ellos dispuestos para arrancar a charlar entre algunas botellas de cerveza.

-¿Por qué Entre Ríos?-

Gucci: -Entre Ríos es un nombre muy especial para nosotros. Puede significar muchas cosas y una sola al mismo tiempo. Tiene que ver, en principio, con un lugar donde comenzaron muchas cosas importantes para nosotros a nivel musical, artístico, a nivel amistad, que es precisamente un departamento donde convivimos con Juan hace algunos años en la calle Entre Ríos. Fue el epicentro de las juntadas de los amigos, músicos, mucha gente paso por ahí. Allí comenzaron a surgir muchas cosas copadas-

Juan: -Yo tenía 20 años y él 23, estábamos en el momento de más efervescencia-

-¿En esa época tocaban en Sister?-

Gucci: -Sister era anterior y Juan formaba tocaba ahí, yo tocaba en otra banda. Cuando las bandas dejaron de tocar, nos juntamos. Eramos todos amigos que formábamos parte de una misma movida. Después todo derivó en Simmur, no el actual, porque hubo mucha agua que corrió abajo del puente. Todo se gestó en ese departamento. Entre Ríos significa convergencia de cauces de agua y de ideas. De amistades y todo al cabo de un tiempo de madurez. Se ve reflejado en el disco nuevo-

Juan: -Justo se dio algo que es bastante gracioso. Terminamos de componer el disco en el mismo departamento donde comenzó todo. Porque yo justo me tuve que mudar a ese departamento y terminamos de grabarlo ahí, nos pareció muy simpática la idea de ponerle Entre Ríos al disco. Por la nostalgia y porque pasaron muchas cosas ahí. Pasaron muchas cosas ahora de grandes también, habiendo terminado de grabar el disco ahí-

Gucci: -Paradójicamente empezó en un lugar y termina en el mismo-

Juan: -Todos estos años de búsqueda, de canciones y composición, todo se resume en este disco. Es el disco más lindo que hicimos, al que más tiempo le dedicamos a nivel composición y a nivel producción y todo eso me parece que está contenido en este disco-

-Simmur es una banda que se reinventa mucho, más allá de los cambios de formación, sino musicalmente-

Gucci: -Este disco es bastante heterogéneo y el otro día hablando con un amigo, al que le anticipamos el disco, me dijo “Me encanta el nombre, además de que ya sé lo que significa, se me viene a la cabeza Entre Ríos como una mezcla de agua, nunca la misma agua”. Todos los temas son distintos, pero llevan al mismo lado que es hacerle un homenaje a la canción, al estribillo, a la melodía, a la canción pop-

Juan: -Tiene muchos ganchos el disco-

-Complaciente es muy pegadizo…-

Juan: -El estribillo era un riff que había hecho Gucci. Decidimos hacerlo como estribillo cantado-

Gucci: -Hay muchas melodías en este disco que se pensaron desde las teclas. Eso generó un cambio en la manera de componer. Antes los temas salían a la vieja escuela-

Juan: -Cuando vos estas con la guitarra la cabeza se pone finita. No llegas a hacer las descargas que tenes con un teclado. Te da esa herramienta para componer que está muy buena-

-Esta manera que tienen de reinventarse ¿La evolución se da porque la música avanza y cambia o por que cambian ustedes? ¿O ambas?-

Gucci: -Tiene que ver un poco con las dos cosas. La música últimamente viene sufriendo en el buen sentido, transformaciones constantes y nosotros que venimos de otra época, no somos millenials, venimos escuchando e interpretando toda la música. Nos gusta lo viejo, lo nuevo, nos gusta todo y tratamos de asimilar las cosas lindas de todo. Se van dando de manera natural en nuestras composiciones. Este disco tiene cosas de trap, de electrónica,  cosas bien ochentosas, del synth pop-

-Siento es el más ochentoso…-

Gucci: -Siento es re ochentoso. Muy Sergio denis jaja. Tenemos un folk, un rap cantado por Bruno el batero-

-¿A mediados del año pasado hicieron un viaje? ¿Con que fin?-

Juan: -Fuimos a curtir Nueva York y justo se dio que estábamos interesados en equiparnos con algunas cosas. El viaje fue una bisagra. Ahí terminamos la idea que derivó en el disco. Estuvimos dos semanas en un departamento. La ciudad nos llevó para este lado. Muchos días nos quedamos en el departamento jammeando con los chiches nuevos-

Gucci: -Fue un flash cultural y musical. Fuimos a curtirla y pasamos varias noches componiendo en el departamento. Conocimos músicos de allá y eso nos brindó mucho-

-¿Se puede hablar de una pre producción del disco en Nueva York?-

Gucci: -Ahí se sembró una semillita que afloró cuando volvimos a Mar del Plata-

-¿Qué creen que conservan del Simmur de los inicios?-

Gucci: -Conservamos la energía, básicamente-

Juan: -Yo encuentro algunas cosas melódicas, bastante cercanas a lo que hacíamos antes. A veces escucho cosas similares a nivel melodía. Ahora reemplazamos los solos de guitarra por sonidos y secuencias. La composición siempre la llevamos para algún lugar-

Gucci: -Nosotros priorizamos la melodía de la canción Pop. Venimos de una escuela Beatle que siempre está presente. Lo tuvimos siempre bien arraigado. Yo veo que permanece eso de reflejar en vivo lo que hacemos en el estudio. Misma energía, que no haya un desfasaje. Nuestra intención es que el vivo este mejor-

-Quién se encargo de la tapa del disco?-

Juan: -Aruki de Bananas, un amigo de muchos años, un artista de la puta madre. Hizo no solamente el arte de la tapa, sino que hizo todos los simples, salvo Siento. A mí personalmente me parece increíble. La revista también, tiene mucho contenido, me vuela la cabeza. Es un genio. No me imagino hoy laburando con otra persona. Es muy importante lo estético-

-¿Piensan hacerlo en formato físico?-

Juan: -En algún momento sí. En vinilo-

Gucci: -Es la idea, pero por lo pronto estamos con la energía en sacar el disco en varias plataformas y empezar a tocar y a girar-

-¿El sábado es el inicio de una nueva etapa?-

Gucci: -Yo creo que sí. Es una etapa que ya se inició, pero el sábado puede ser un punta pie fuerte-


“Siento”

Juan: “En este disco laburamos mucho las voces. El hecho de haber grabado en casa le da otra intimidad, capaz cuando grabas en un estudio te corren los tiempos. Este fue el primero que lanzamos oficialmente. Tiene ese sinte que lo hace muy lindo.  Quedó hermoso. Otra cosa que no usamos mucho fue la guitarra. Para este disco no metí ninguna, sólo sintetizadores”

Gucci: “En el solo tenes un sinte y una guitarra. Es un tema bien ochentoso”

“Veneno”

Gucci: “Este es hip hopero. Canta bruno las partes rápidas y el estribillo lo canto yo. La letra del estribo es mía. La parte rapeada la escribió bruno un día que lo llame por teléfono y le dije que le pusiera letra a un tema, agarró un cuaderno y en cinco minutos escribió una letra. Después hay un gran laburo en producción por parte de Fede Barreto. Tomi también participo en la producción, es el cerebro de la banda, un genio. Las baterías de este tema las hizo Fede con toda la vibra fresca que trae”


-¿Como eligieron los temas que iban a sacar?-

Gucci: -Teníamos una lista de diez u once temas con mucho potencial para ser incluidos en el disco, de hecho tenemos un par que ya están grabados. No quedaron excluidos del disco por una cuestión de que no daba sacarlos, sino por que decidimos que el disco tenía que estar compuesto por estos ocho temas. En breve ya tenemos material para sacar-

Juan: -No da sacar un disco de más de ocho temas porque la gente no lo escucha-

-¿No se les ocurrió volver  a grabar los temas viejos con este nuevo formato musical?-

Juan: -Pasa que no está más el anterior cantante, el timbre de voz de Gucci es distinto. Lo que si hicimos fue llevar los temas viejos al vivo-

-¿Cómo se llevan con las plataformas digitales como Spotify?-

Gucci: -Sabemos que hoy por hoy la música se mueve por otros carriles. Estábamos muy obsesionados para ver como hacíamos para meter un tema en una lista sin tener los contactos que capaz tienen otras bandas. Fue una cuestión de postular las canciones sin ninguna llegada y así fue como fueron evaluadas por curadores oficiales y decidieron que estaban buenas como para ser incluidas en las listas. Eso nos puso muy contentos porque de alguna manera es un reconocimiento artístico a la banda-

Simmur se reinventa y eso está claro. Este disco lo trabajaron durante algunos meses y contó con la producción de Federico Barreto. Aún así, todos aportaron lo suyo. Ellos mismos reconocen que la poesía que tenían antes era un poco más directa. Respecto a la lírica, todos aportaron para la composición. Igualmente, noté que nombraron a todos los integrantes de la banda desarrollándose en algún rol, por ejemplo Tomi, guitarrista y encargado de las pistas, también participó en la producción de algunos temas. Bruno, el baterista, escribió el rap del tema “Veneno”, pero me faltaba un integrante, así que no tuve más remedio que preguntar por él:

-¿Y el Bola que hace?-

Juan: No hace una mierda jaja. No mentira, pobre Bola-

Gucci: -Si te tengo que enumerar no me alcanzan los dedos de la mano. Además de ser un guitarrista de la ostia aporto un montón de ideas de liricas cuando estábamos trabados. No solamente con la lírica sino con la melodía. Hay fraseos de melodías en complaciente que los redondeo él. Además es el director creativo del departamento  de marketing del departamento interno de Simmur. En la banda somos un equipo que funcionamos muy bien laburando en conjunto. Cada uno tiene su misión y su tarea primordial. Somos grandes amigos y todas esas cosas se vieron reflejadas en este disco-


“Jalisco”

Juan: “El estribillo es medio Virus. En general los temas no siguen una misma línea. Hay cosas medio stoner, medio bailables, ochentosas. El sólo de Jalisco es bien metalero. Aun así, las guitarras en este disco no tienen un rol protagónico”


-¿Cuántas veces escucharon el disco?-

Gucci: -Un millón quinientas mil veinte siete veces, y digo el numero 7 porque es un número que Ezequiel Parodi me va a entender. Fueron muchas veces, con las maquetas previas y el disco terminado. Ya estamos trabajando en cosas nuevas-

Juan: -Lanzamos esto y capaz que en cuatro meses ya está lo otro. Nos guardamos cositas para después-

-¿Y que esperan para el show del sábado?-

Gucci: -Es una sorpresa. Vamos a tocar los temas del disco nuevo. Casi todos. Hay algunos temas que no llegamos a llevarlos al ensayo. También vamos a tocar algunos temas anteriores versionados al nuevo Simmur. Por suerte venimos bien con el tema de las anticipadas. Todos los que se quieran sumar serán bienvenidos. Va a haber entradas en puerta también. La fecha la compartimos con El Zar, que son de Buenos Aires. Tienen unas canciones hermosas, vienen a presentar el disco y es su primera vez en Mar del Plata. La fecha va a estar buenísima-

-¿Y ahora como sigue esto?-

Gucci: -Tenemos los dos temas que quedaron fuera del disco. Van a salir en breve y la idea es salir a tocar, no sólo en Mar del Plata, sino que también en distintos puntos del país. Empezar a mostrar nuestra música más allá de nuestra ciudad. Hay un par de puntas. Ya estamos contactados con gente y esperemos que el disco guste y que podamos salir a hacer lo que más nos gusta. Estamos tratando de hacer lazos, con gente que esta en la misma que nosotros. Hay que abrir puertas, no sólo las de afuera, sino que también las de Mar del Plata. Nuestra ciudad es una plaza re importante y todos quieren venir a tocar acá. Se hace difícil a veces organizar algo aca, pero sigue siendo una ciudad hermosa y un punto muy codiciado para los músicos. Hay que aprovechar eso y salir, a dónde sea. La idea es llegar a Capital, Córdoba, Mendoza, Rosario. A cualquier lado-

-¿Cómo ven a mardel actualmente?-

Gucci: -Tenemos un lugar de excelencia, de avanzada, culturalmente hablando, el Club Tri vino a revolucionar-

Juan: -Hace un par de años la veía un poco mas arriba a la escena en general. El Club Tri es algo fuera de serie para la ciudad. Aparecieron espacios muy lindos, como casa Jacuzzi, movidas más alternativas. Tambien las movidas un poco más “clandestinas” sin decirlo de manera peyorativa-

Gucci: -Hay mucha movida del trap, mucha movida joven. Lo que viene a ser el indie también hay, aunque no hay muchos lugares para poder mostrar. Esta el Club Tri, pero ahí no podes tocar todos los fines de semana. Despues no tenes muchos lugares alternativos, hay pocas opciones para llevar a cabo un lindo reci. Se hace difícil igual, pero movida hay-

 

 

 

 

 

 

Guli editó su tercer disco “Yate”

Guli abrió el 2019 con el lanzamiento de su tercer disco “Yate”. La placa combina en menos de media hora un funk peposo con arrebatos soul y grandes invitados. Entrevista a fondo con Agustín Bucich, el mandamás de su propia secuencia que exige menos redes sociales y más groove. Foto por Guido Péric.

|Por Marcos Gabarain|


El Disco

Unknown Mortal Orchestra, Arcade Fire, psicodélia, Parliament Funkadelic, cintas y ese histrionismo del último Childish Gambino. Eso es algo de lo que se percibe como corriente musical para “Yate”, disco auto producido que contó con la mano de Carlos Laurenz en la masterización.

Obertura“: inicio del disco con sonidos en reversa, hiper acelerados, arreglos de cuerda y pulso de soul. “Cintas Con Vos” es un Funk anti digital que fue lanzado con videoclip. Bajo efervescente con slap sabroso y autotune eficiente (alta rima). “No creo más en las vueltas, amor”. Maria Pien suma su voz para el estribillo. El final, abierto.

Arriba” es aceleración y órganos sincopados para un Guli enamorado que seduce y admite: “Yo solo pienso en vos”. “Ansia” incluye a Juan Ingaramo en otro de los singles lanzados en la antesala de la presentación del larga duración. La canción más inquieta del disco entrelaza los bellos tonos de Guli y el cordobés en un estribillo que es una explosión disco. La historia de una noche de “churrito” y bailongos que uno siempre necesita.

Bebé Volvé” tiene, desde lo rítmico y el ingenioso título, un guiño al clásico de Playe, junto a un sensual saxo (“Fue intencional”, admitió). Como en la mayoría de las canciones del disco, la atmosfera transpira groove desde la instrumentación. En esta canción, la batería marca una pulsación sincera que induce al cruce de miradas.

La música de Guli tiene condimentos y mejunjes muy especiales. Tal es el caso de “Ave Fénix“, en el cual uno puede sentir una lisergia lo-fi amalgamada con un groove ochentoso de teclados beatle. Algo de magia se desprende en esta y otras obras más.

MMBF” es el “Legalize It” del indie argentino, una especie de Raggamuffin que implora por la no clandestinidad de la marihuana (“Es espiritual/Es universal”). Ca7riel aporta su flow y carisma. Para el final, este viaje cósmico de R&B flashero llega al eclipse con “No Hay Nadie” junto al Goyo Degano (Bandalos Chinos).

Se entiende que Guli quiere emanar diversión y sabor. Además de eso, en “Yate” podemos ratificar su paleta de colores rítmicos y su amplio abanico de recursos. Sus gustos personales están bien plasmados y eso sin ninguna duda lo ubica como un artista completo.

La Entrevista

-A la hora de empezar a armar el sucesor de Waiata ¿Qué aspectos del disco anterior permanecen en “Yate” y cuales no?-

-Yate lo siento como el cierre de una trilogía que se forma junto a Hanganga y Waiata, para después pasar a otro concepto. Lo que une estos tres discos es algo del modo de arreglar las canciones, pensando en métodos de producción del pop de los 60,70 y 80: Batería, bajo, guitarras, teclados, y voces. Los une el ruido de cinta, y el groove también. Tiene una evolución en el audio, está más prolijo, y tiene un mastering hecho por Carlos Laurenz que lo lleva a otro nivel.-

-También me quiero referir al método de grabación ¿El ritual sigue siendo el mismo a la hora de maquetar y producir la música?-

-En este último disco el método de producción fue distinto, empezando todas las canciones desde un teclado Yamaha barato que tengo en casa, y siempre pensando en hits de fines de los 70 como inspiración. A partir de ahí, fui armando los arreglos y líneas de bata. En los dos anteriores todo empezó desde las baterías, mics y a grabar ritmos, sin saber que iba a meter arriba. Yate es más cancionero.-

Desde el lado emocional, los cambios son miles y el Guli del disco anterior es otro: “los años son muchos en uno, todo lo emocional que pasa en estos tiempos no podría ponerlo acá”. Además, Agustín admite que en esta nueva placa está en un lugar de “jugar un poco al ridículo. La busqueda del ‘éxito’ nos hace mal muchas veces, y en estas canciones me estoy riendo de ese sueño extraño.”

-¿Por qué elegiste a “Cintas Con Vos” y “Ansia” como el primeros adelantos del lanzamiento?-

-No tenía una sola preferencia como primeros singles, fueron debates del equipo de trabajo y decidimos que sean esos, que son hiteros a su manera. El ft. de Juan en “Ansia” me encanta como quedó, siempre sentí que esa melodía le iba bien a su flow. “Cintas Con Vos” fue el primer tema del disco que compuse. Flasheaba con Michael McDonald y me parece que está bueno que ese momento de inspiración inicial sea la primera muestra del material.-

A la hora de transmitir sus sentimientos en una obra, Guli confiesa que “Para mí es algo catártico, no lo pienso demasiado. El trabajo es más el de ordenar y organizar esas ideas salientes de la catarsis.” El artista también admite unas influencias muy marcadas de una época anterior, como lo son Steely Dan, Michael McDonald, Prince, Christopher Cross, Supertramp y Electric Light Orchestra, entre otros.

Soy músico desde hace muchos años, siempre desde la autogestión. Lo que se repite al menos en la mayoría de las historias de artistas es una relación compleja con el concepto de “éxito”. La palabra “Yate”, además de estar específicamente asociada a la serie ‘Yatch Rock’, simboliza ese éxito que es por momentos ridículo.”

“Me río de mí mismo tratando de tener éxito”. Valiosa opinión y sinceridad.

-¿Sos de cuidar y priorizar también la estética y el diseño dentro del producto que ofreces?-

-Totalmente, la estética es algo que me llama mucho la atención y es muy sutil el manejo que requiere, tanto en audio, imagen, letras, etc. En “Hanganga” y “Waiata” yo mismo diseñé las tapas y todo el contenido. En “Yate” trabajé con Guido Périç, que hizo el diseño de la tapa y todas las fotos. Con Guido somos amigos desde la adolescencia y es un capo, eso me permitió trabajar muy cómodo y tranquilo, siempre confié en su criterio.-

-En “Cintas Con Vos” priorizas lo analógico por sobre lo digital ¿Es algo que llevas también al día a día en tu vida, ese desapego de la tecnología y las redes sociales, por ejemplo?-

Hoy en día rechazar lo digital sería algo necio. De por sí grabo en la computadora. Soy una persona nostálgica, y lo analógico para mí representa eso. Por eso disfruto jugar con las cintas, o un juego de NES. Es un poco masoquista en un punto. No tengo especial apego a las redes sociales, no me fluye compartir todo lo que hago por esos canales, pero como casi todos hoy, tengo una maldita adicción al aparato ¿alguien lo niega? Además, al menos en Argentina, si no estás en Instagram, medio que no existís, es extraño. Quiero que la gente a la que le interesa se entere de los lanzamientos y fechas, y eso me mantiene en redes.-

María Pien en guitarra y voces, Ala Moro en percusión y voces, Rodo Ruiz Díaz en teclas, Melanie Williams en batería y Lucila Pivetta en bajo. Esta es la banda con la que Guli toca en vivo y va a seguir haciéndolo en el 2019. “Admiro mucho a todxs”, declara Bucich.

“Diviso en el horizonte un dueto con Jeff Lynne tipo Pimpinela”, acota con humor.

-Para conocerte un poco más ¿Cuál es, si existe, el artista que te cambió la vida y te motivó a hacer música?-

Absorbí muchísima música de chico, por mis viejos, y mi tío especialmente. Creo que mis primeros amores fueron The Beatles (siguen siendo el amor de mi vida), Genesis, Peter Gabriel, Yes. Discos de esas bandas fueron mi primer entrada, después más de púber fui por el punk, y luego el metal, que me enseñó muchísimo.-

Una de las colaboraciones a destacar dentro del disco es la de “Ansia” junto a Juan Ingaramo. Guli dice que “Con Juan tenemos la mejor”, que todo se dio de manera fluida y que el cordobés “la clavó al ángulo”.

-¿A quién le adjudicas tu pasión por el groove?-

Siempre amé las baterías, fue mi primer instrumento. Mi abuelo me llevaba a ver bocha de bandas de Jazz de chico, y armó vaquita familiar para comprarme mi primera batería para mi cumpleaños. Creo que ya viene desde ahí la cosa. Aunque la palabra groove, y el amor más por lo negro de forma consciente es bastante reciente. Toda la música afro de los 70 me llevó inevitablemente a la evolución del groove que se dio en la música de iglesia negra. D’Angelo y Prince diría que son las claves.-

Guli no se considera un obsesivo: “En mis discos dejo ir muchas cosas con pequeños errores a los que me acostumbro y aprendo a querer. No me suele emocionar tanto la música toda perfectita, está bien que la gente se equivoque. Si ves los proyectos abiertos de “Hanganga”, son un desastre, están desprolijos en su edición y disposición. No soy obsesivo, pero aprendí a ser organizado a la hora de grabar y producir para estos últimos trabajos. Me gustan las tomas enteras, cuanto menos pinchada mejor.”

-¿Qué es la música para vos?¿Encontrás emociones similares en alguna otra disciplina artística o hobbie?-

-La música para mí es crear, hace bien crear. A mí me emociona ver nacer nueva música que se rescata del aire, las melodías están flotando y uno las rescata y las baja. Me encantaría sólo poder hacer música y que eso alcance para llevar la vida en ese mundo, pero no quiero perder el foco en que es un momento de juego y catarsis para mí. Disfruto mucho de cultivar y cuidar plantas también, encuentro emociones similares en eso.-

Para conocer más a fondo a este artista, te invitamos a que disfrutes de nuestra playlist de Spotify:

Los “Fetiches” de Río Pardo

Río Pardo lanzó el pasado viernes su segundo LP “Fetiches”. El pop y el ritmo ascienden de manera vertiginosa a través del disco, y el dúo compuesto por Nacho Bellusci y Lio Quiroga habló al respecto.

|Por Marcos Gabarain|


El Disco

“AlgoRitmo” es un seudo trap melancólico con una melosa voz de Quiroga. Obnubilados sintetizadores elevan el aire en la secuencia pre baile, donde la vorágine de sonidos te lleva a otro lado, para que la sorpresa disco sea más eficiente. Para el genial videoclip, colaboraron estos amigos de la banda: Aruki, Diego Montoya, Belén Marón, Carla Saldutti, Synergy Benton, Emi Mendez, Juan Goñi, Juan Manuel Hernando, Juan Pablo Battista, Manuel Donamaria, Martina Marcos, Muriel Arroyo, Victoria Giovachini y Ezequiel Parodi.

“F.L.A” comienza con la voz de Nacho Bellusci al frente en un pop muy cuidado que depende mucho de su marcado ritmo. La sensación que dan los “sintes” en esta pieza es que estamos en un remake de Blade Runner, pero acá por la zona. El estribillo adquiere proporciones intergalácticas con armonías finas y una reverberación que los coloca en el espacio exterior (“Ya sabés tu flash te dice que es igual/La verdad del mar se puede desarmar”). Sin lugar a dudas, es uno de los fuertes de “Fetiches”.

“Simular Singular” es un proto funk lineal que no pierde pisada y se vuelve una aventura animada cargada de guitarras y coros implícitos. La belleza reside en la unión de ésta con “Viento Amigo”, una ópera de meditación anti ficción (“Un espejo que cree poder copiar/ ese brillo en tus ojos que parece universal”) que bien podría formar parte de los últimos dos trabajos de Arcade Fire.

Como requiem final, “Fetiches” se despide con el instrumental de 6 minutos “Gruva”, una incursión al House introspectivo que suelen proponer los franceses de Daft Punk. Aquí caben las comparaciones y las similitudes porque el lenguaje musical es uno, y además Rio Pardo también es un dúo (¿Casualidad o Causalidad?).

Laburar sin fronteras ni limitaciones, en cualquier rubro o hobbie, es algo incomparable. He aqui el tándem Quiroga/Bellusci, Bellusci/Quiroga, en estado de gracia con sus pretensiones y sus no pretensiones, dejando soltar su amalgama de lisergia y pop, de flash y baile. El retorno de Río Pardo es gratificante y su ausencia en los escenarios está cerca del final.

“Fetiches” es un disco auto producido que contó con la participación de Federico Barreto en mezcla y producción. La nueva gráfica de la banda y el arte de tapa fueron realizados por Juan Pablo Battista. El larga duración fue lanzado bajo el sello Desde El Mar Discos.

La Entrevista

-“Fetiches”¿Por qué?-

LQ:-Y, cuando algo te gusta mucho y te tira algo que no se puede explicar, eso es un fetiche. La música es un fetiche.-

NB:-Nos cerró por ese lado, y segundo por que es una palabra que usamos bastante. Si te pones a analizar, Rio Pardo desde siempre fue un conglomerado de distintos prismas. Siempre sentí que hay muchas cosas que me gustan metidas acá.-

-¿Cómo fue la química de trabajo ahora que son un dúo?¿Cambió la manera de componer las canciones ahora que son un dúo?-

NB:-Antes trabajábamos más desde la zapada. Ahora es totalmente diferente. Tuvimos que aprender a usar los programas, por ejemplo-

LQ: -Para este disco trabajamos desde cero la canción. Elaborábamos un marco y le íbamos añadiendo colores. Anteriormente nos concentrábamos en el instrumento de cada uno. Este disco se habló muchísimo. Antes de armar un concepto, se trataba de sintonizar para estar en la misma. A partir de eso, la canción te pide cosas.-

-¿En qué instrumento se concentra “Fetiches”?-

LQ:-Quisimos que el bajo sea muy protagonista y que haya menos guitarras. El sinte además nos daba la posibilidad de sumar matices.-

NB:-El disco anterior tiene más guitarras, pero también tiene sus momentos de capas y colchones. Eso sigue estando. Río Pardo no cambió tanto, tal vez un poco el sonido. Hay menos guitarras pero siguen presentes.-

En épocas de inmediatez e instantaneidad, los Pardo plantearon al disco como para ser escuchado entero, aunque según las palabras de Nacho, “se puede escuchar de ambas maneras”. Lio también se expresó al respecto, argumentando que consideraron que “con el orden de canciones, la intensidad iba a ir subiendo hasta terminar con “Gruva”, que es un House”.

-¿Cómo fue incursionar en ese género?-

LQ:-Estuvo buenisimo. Fue buscar el groove y una buena línea de bajo. Es más, me parece que los mejores bajos del disco se dan en ese tema. Fue el tema que hicimos con Fede Barretto de una. Veníamos con la dinámica nuestra y se sumo él a tirar la suya. fue bastante interesante.-

-Me imagino que con esta adrenalina del lanzamiento nuevo estarán ya pensando en presentarlo en vivo ¿No es cierto?¿Extrañan los escenarios?-

LQ:-Si, los vamos a presentar. El disco va a salir rodando por ahí. La idea es hacer dos o tres fechas este año, bien pensadas. La banda ya está armada, pero antes de tocar en vivo tenemos planeado grabar una sesión para captar el vivo-

-¿La unión entre “Simular Singular” y “Viento Amigo” fue intencional?

LQ:-Era un sólo tema. Lo dividimos por una cuestión de “Capitulo 1 y Capítulo 2”. Nos planteamos: “Qué loco sería que entre un tema y otro se mantenga sólamente la batería”. Era como un concepto de los viejos medley de las bandas de antes. Es algo que no se escucha más.-

Una vez finalizado el trabajo de editar el disco, Quiroga describe a “Fetiches” como “un disco con mucha personalidad y sorprende al oyente. es sincero, no te quiere vender ninguna. Por ese lado, va a crecer como tenga que crecer”. Ese “que sea lo que tenga que ser” es una buena manera de ver las cosas. La banda está contenta con el producto, la preocupación ya pasó. Ahora es tiempo de disfrutar.

Entrá al universo de Río Pardo con nuestra playlist de Spotify:

“Lindo lindo, de la high”: Salvapantallas inauguró el Wine Sounds

Así comenzó la charla con Salvapantallas. Bella noche: Música, vino, tragos y una entretenida charla. Falta pero la manija está hace rato. El 3 de marzo llega Wine Sounds. Nuevo y original por sobretodo.

Por Ivana Freije


Salvapantallas es un dúo cordobés que funciona muy bien: Pop acústico, suave y fino. Mujer y hombre que coinciden, tienen talento, buena onda y comparten muchas sensaciones. Zoe Gotusso y Santiago Celli reflejan entusiasmo al momento de hablar sobre Wine Sounds.

“Es único. Vino, mar y música”

Ok ¿Qué es Wine Sounds? Bueno, desde la organización explican que es un festival nuevo, original e innovador que busca brindar una experiencia inédita en la zona, relacionada con el vino y la música. Copado ¿No? Te paso más data:  Chandon, Escorihuela Gascón, Nieto Senetiner, Salentein son algunas de las bodegas que estarán presente en el evento, brindando su apoyo.

¿Querés más? El objetivo es generar una propuesta que permite maridar el vino con diferentes estilos musicales, y una exquisita propuesta gastronómica. Una belleza ¿Quiénes tocan? El Kuelgue, Salvapantallas, Conociendo Rusia, BSidesVariado y actual ¿Cómo te quedó el ojo?

Zoe con una sonrisa plasmada dice: “Nos gusta el vino. Nunca estuvimos en un evento así: Un Festival de Mendoza que se haga en Mardel, donde hay oferta de vinos y bandas. También estamos emocionados porque realmente somos muy amigos de El Kuelgue y de Conociendo Rusia. Compartir eso con colegas y que se genere un equipo es algo que me copa”.

Coincide con Santiago en que, no solo les gusta la ciudad, sino que también está bueno que haya bandas nuevas y de distintos lados: “Es emocionante. Es formar un equipo en el que los integrantes se acompañan y apoyan la movida; tirar para el mismo lado, el mismo evento”.

-Si bien Córdoba es cuna de grandes artistas, en los últimos años explotó con muchas bandas ¿Descifran cuál fue el cambio que provocó este resurgimiento?-

Zoe: -Coincido y es una gran intriga. Creo que estamos en un momento bastante especial: Se ha armado un colectivo de proyectos re lindos, al que se le suma la gran cantidad de adolescentes que, en vez de ir a un boliche, compran una entrada y van a un show. Eso está buenísimo. Supongo que eso se debe a la globalización, a la posibilidad de grabar un disco en tu casa… Ya no es como antes, ahora es mucho más independiente. Eso, más el momento cultural que se está viviendo, genera esta oleada de músicos y de jóvenes que los van a ver-.

Santi: -Yo creo que se creó una camada de gente que comparte un rango de edad. El pop cordobés resurge (o surge) con Rayo Láser, o cuando Hipnótica empieza a trabajar un poco más en Buenos Aires. Son de Córdoba que se fueron a vivir a Capital; se juntaron entre si y terminaron influenciando a otras generaciones. –

-Nosotros somos más chicos, pero somos amigos de ellos y de otros artistas. Hay una identidad que nos une: Hay pertenencia y buena onda, ganas de que al otro le vaya bien. Eso generó una escena en Córdoba que por suerte tuvo visibilidad en Buenos Aires. Ya teniendo algo de repercusión allí es más fácil llegar al resto del país-.

Hagamos Contacto

62.9mil seguidores en Instagram. @Salvapantallasmusica, seguilos.
En sus cuentas personales: 109mil y 17.4mil.
“Estamos agradecidos de este escenario y las redes sociales fueron clave porque fueron el medio para llegar a la gente”, dice Zoe.

Supongo que todos coincidimos en que la famosa World Wide Web, es un mundo infinito de puertas, ventanas y todo tipo de aberturas. Juguemos un poco. Poquito, si no caemos en una deepweb difícil de salir.

-Salvapantallas ¿Imaginó a Salvapantallas sin las redes sociales?-

Santiago se tomó unos segundos y entrelazó sus dedos. Pensó “¿Sabés qué es curioso? Si bien tenemos mucha llegada a través de las redes y las usamos como herramientas de trabajo, alcanzamos la viralidad a través de Youtube que es y no es una red social”.

Por su parte, Zoe, entre risas dijo que si hubiera habido otro escenario, otra realidad, Salvapantallas hubiese funcionado porque el proyecto estaba y solo tenía que llegarle a la gente. Con una risa nerviosa, juguetona, pero a la vez vergonzosa remata: “No lo digo porque sea nuestra banda… O sí!”

Hace más de 10 años que están las redes sociales. Arctic Monkeys surgió por MySpace. La forma de consumo de la música ahora es esta, pero si hubiera sido otra, nosotros hubiésemos trabajado de la misma forma” cierra Santi.

Dulce Voz Empoderada

No podemos negar que, en el mundo de la música siempre predominó el hombre, pero en estos últimos dos años –como mucho- las mujeres comenzaron a cantar más fuerte.

“Hace 50 años el rock ha sido muy machista y eso hizo que sea muy difícil para muchas mujeres poder insertarse; no se les daba lugar y se las excluía. En el pop siento que no sucede. Particularmente no me he sentido excluida. Al contrario, siempre me trataron con respeto. Creo que está, que existe el machismo, pero está cambiando un montón.”

Me enorgullece muchísimo ser mujer, tener 21 años y que me respeten mis colegas teniendo en cuenta que nunca estudié algo al respecto. Todo lo hago por intuición. Estoy convencida de que simplemente trabajando y tomando buenas decisiones, les estoy dando el ejemplo a otras chicas que tienen el mismo sueño. Que me vean y digan: ‘Che, se puede’. Amo los proyectos femeninos, tienen mucha fuerza”.

Salvapantallas es un sonido lindo, suave como algodón de azúcar que se te pega. Dos pibes cargados de buena energía, simpáticos, humildes y con ganas. En Mar del Plata, disfrútalos en Wine Sounds el domingo 3 de marzo a las 16 en Haras Santa María del Mar, junto a El Kuelgue y Conociendo Rusia. Las entradas las conseguís en Eventbrite

Chin chin y salute!