El nuevo video de The Good, The Bad & The Queen

El supergrupo británico comandado por Damon Albarn compartió el clip de “The Truce of Twilight”, canción que forma parte de su segundo álbum de estudio.

|Por Tomás Vidal|


Damon Albarn es una de esas personas que no pueden quedarse sin hacer nada. Un ser creativo, con proyectos alternativos y una carrera musical sin baches. Ahora llegó el turno de trabajar con  Paul Simonon (ex The Clash), Simon Tong (ex The Verve) y Tony Allen. Estos artistas se juntaron en 2006 y armaron The Good, The Bad & The Queen, un supergrupo que ya editó dos discos: The Good, the Bad & the Queen (2007) y Merrie Land (2018).

“Disfrútalo mientras dure, porque pronto será diferente”, canta Albarn en el comienzo de “The Truce of Twilight”. El track, que está incluido en el último trabajo de estudio del grupo, ya cuenta con un videoclip que fue estrenado hace unos pocos días. En realidad, es el segundo video ya que en noviembre del año pasado pudimos disfrutar a un Albarn con prótesis faciales, siendo un títere manipulador de títeres.

La letra de esta canción podría interpretarse como un comentario sobre la clase política británica, un estilo de marionetas de los grandes poderes que se benefician con una Unión Europea separada y que manipulan a través de movimiento como el Brexit para conseguir su objetivo.

Con el Parlamento Británico negociando su acuerdo de salida, una canción de este estilo no pasa desapercibida. El timing es muy oportuno para el estreno de este nuevo video, dirigido por el bajista Paul Simonon y grabado simultáneamente con 3 iPhones. Las marionetas ya no están más: en su lugar están los cuatro músicos, inmersos en un aire minimalista.

Anderson .Paak no descansa

Aunque sólo pasaron unos pocos meses desde el estreno de Oxnard, el californiano sorprendió con detalles de su nuevo proyecto Ventura. Como si no fuera poco, también compartió un nuevo single, “King James”.

|Por Tomás Vidal|


“Tres años entre Malibu y Oxnard… Saben que no podría volver a hacerles eso”, les dijo a sus fanáticos. Y la verdad es que no podría, no. Teniendo en cuenta su talento, su contrato con Aftermath Entertainment y con la presencia de Dr. Dre en la producción. Con todos esos factores a su favor, sentarse sin sacar nada nuevo no sería una buena jugada. Para nuestra suerte, .Paak estará de regreso muy pronto.

El 12 de abril será el día en el que tengamos en nuestras manos a Ventura, el cuarto álbum de estudio y el segundo bajo el sello de Dr. Dre, quien nuevamente estará en la producción. No sólo dio detalles sobre la fecha de estreno, sino que también compartió su tracklist y las colaboraciones. Entre los artistas incluidos están Andre 3000, Nate Dogg, Smokey Robinson, Lalah Hathaway, Brandy, Jazmine Sullivan y Sonyae Elise.

“Quería mantenerlo tan incubado como pudiera, porque quería mantener las vibraciones de cómo nos sentíamos en ese momento”, dijo sobre Ventura“No quería sobreproducirlo, no quería empezar a cuestionarlo, no quería volverme loco. Me volví loco con Oxnard. Por eso es que puse a Ventura a un costado, como un ‘rómpase en caso de emergencia'”. Con esta última frase, .Paak reconoce que tanto Oxnard como Ventura fueron dos proyectos que se fueron creando de manera conjunta.

Considerando que el principal problema que los críticos tuvieron con Oxnard era la falta de identidad, es reconfortante escuchar que .Paak tuvo el control creativo total sobre este nuevo proyecto, lo cual prometió ser un asunto más conmovedor o significativo. “Dre me dejó tener mucho margen de maniobra con Ventura. Él estaba como, parece que lo tienes. Acá despliego mis alas en la producción, en la escritura y con en estas colaboraciones”.

Como si todo esto no fuera una gran noticia, .Paak nos regaló su primer adelanto “King James”. En esta canción de protesta, con su estilo único, el músico californiano aborda temas como la crisis fronteriza, la policía y su relación con los afroamericanos y, en un momento dado, se pone a cantar desde la perspectiva de Colin Kaepernick, detallando la salida forzada del atleta-activista de la NFL por arrodillarse durante el himno nacional en protesta por los asesinatos de afroamericanos en manos de la policía.

Sin dudas, este tema tiene cosas de Malibu. Aquel disco que lo llevó a estar en boca de todos y que nos cautivó desde el primer segundo. Ese es el verdadero .Paak, el soul, el funk y su increíble voz. 

Acá te dejamos el tracklist completo de Ventura. 12 de abril, a estar atentos.

Ramones y Argentina: Sinfonía de un sentimiento

La banda neoyorquina forzó un lazo inquebrantable con el público argentino. Un pacto que sigue vigente y resiste el paso del tiempo. A 23 años de su última presentación en nuestro país, el mito sigue creciendo.

|Por Makú Rodríguez|


Es redundante resaltar la efervescencia del público argentino. Son muchos los casos de particular apego por parte de grupos extranjeros con Argentina. La pasión del público, entremezclada con la “futbolización” de las cosas, deriva en una relación de puro afecto entre la gente y las bandas. Los Ramones son una de las bandas que encabeza esta lista de historias de amor entre los músicos y su público.

El cuarteto neoyorquino visitó nuestro país en siete oportunidades (una de ellas visitando Mar del Plata, presentándose en el viejo y recordado “Go” de Avenida Constitución). Un número envidiable para cualquier banda. La primera vez que aterrizaron en territorio argentino fue en el año 1987, más precisamente en el Estadio Obras. Ese fue el comienzo de la historia. Encontraron en el público argentino una locura especial y distinta a la que presentaba el público en lugares como Estados Unidos o Europa.

Corría el mes de marzo cuando Los Ramones anunciaron que su show despedida a nivel internacional iba a ser en nuestro país, más precisamente en el estadio de River Plate. Las expectativas eran muchas y el contexto social y económico le pondría un condimento extra al asunto. Coca Cola lanzó una promoción que consistía en intercambiar 10 tapitas de gaseosa por dos entradas. Tres días antes del recital, la empresa estipulo fecha y lugar para la entrega de las entradas. La gente acudió pero los tickets no estaban.La fiesta ramonera comenzó con saqueos y destrucción de locales en la zona del micro centro porteño. Una horda de 4 mil jóvenes furiosos, sintiéndose estafados. Finalmente, la empresa emitió un comunicado en el que explicaban que las entradas estaban, pero en otro lugar. Afortunadamente, la masa se movilizó hacia el barrio de Barracas, lugar donde los respectivos tickets fueron entregados.

A mediados de los 90’s, el punk había llegado a los barrios bajos de Buenos Aires. Ya no era una cuestión casi elitista de los barrios de zona norte. Bandas como Attaque 77 ya habían llegado a la masividad, mientras que grupos como Flema, Superuva, Dos Minutos y Cadena Perpetua, comenzaban su recorrido dentro de la movida punk.

Fueron siete las visitas de Los Ramones a nuestro país: Desde 1987 hasta 1996 dieron 27 shows: una vez en Obras en 1987, tres veces en Obras en 1991, cinco veces en Obras en 1992, cinco veces en Obras en 1993, tres veces en Obras, una vez en el estadio de Vélez, una vez en Rosario, una vez en Mar del Plata, y una vez en Bahía Blanca en 1994, seis veces en Obras en 1995, y una vez en River en 1996.

Por las filas ramoneras pasaron muchos músicos. En su última visita, el ex bajista Dee Dee Ramone se encontraba viviendo en el país, mas precisamente en el barrio de Banfield con su novia argentina. La curiosidad fue que, un día antes del concierto, se acercó al hotel con la intención de saludar a sus ex compañeros de banda, pero el personal de seguridad no lo reconoció, así que le negaron el ingreso. Luego de un momento de tensión (captado por las cámaras televisivas) le permitieron pasar al hotel, sin antes discutir con el baterista Marky Ramone por no haberlo ayudado a ingresar.

Su último show en Argentina estuvo marcado por varias cosas. En primer lugar, el 16 de marzo de 1996 fue una jornada maratónica de punk rock. Antes de Ramones, pasaron por el escenario Superuva, Dos Minutos, Attaque 77, Die Toten Hosen e Iggy Pop. En sus anteriores visitas al país, sus recitales se caracterizaron justamente por darle lugar a las bandas punk de la escena argentina. Los Violadores, Cadena Perpetua, Flema, Mala Suerte, Mal Momento y Bien Desocupados, son algunas de las bandas argentinas que compartieron escenario con los neoyorquinos. En el año 1994, en su presentación en el estadio de Velez Sarsfield compartieron escenario con Motorhead, banda con la cual mantenían una estrecha amistad.

Como era de esperarse, el set list de Ramones consistió en 34 canciones y contó con la participación de Eddie Vedder, cantante de Pearl Jam. La aparición del cantante grunge fue encubierta. Subió durante la canción “Pinhead” con una máscara para entregarle el cartel de “Gabba Gabba Hey!” a Joey Ramone. Una aparición fantasmagórica que le otorgó color a una jornada épica.

El estadio de River Plate estaba colmado por 45 mil almas. Las sensaciones fueron diversas. Por un lado, la nostalgia de saber que sería la última presentación en Argentina, pero por otro lado, el fervor y la pasión que despertaban Los Ramones. En ningún otro lugar del mundo formaron un vínculo tan fuerte y especial como en Argentina. Es por eso que hasta el día de hoy Marky Ramone y Cj Ramone siguen viniendo a tocar a nuestro país.

Cj, Joey y Marky junto a Mosca y Papa, integrantes de Dos Minutos. Vélez, 1994

El recital fue transmitido en vivo y en directo por Telefé y Rock and Pop. La jornada del 16 de marzo fue muy calurosa y agitada. Luego de su última visita, anunciaron una serie de recitales en Estados Unidos. Finalmente, el 6 de agosto de 1996 se despidieron en el Billboard Live de The Palace en Los Ángeles, ante no más de 2 mil personas. La banda neoyorquina cuenta en su haber con 2.263 presentaciones en vivo, de las cuales 27 fueron en Argentina.

Pasan los años y el sentimiento no se olvida. Se ve reflejado en varios aspectos. En el culto que guarda el punk argentino hacia ellos, en las generaciones que siguen escuchando sus discos y en la memoria de aquellos afortunados que pudieron estar presentes en alguna de esas 27 veladas.

 

Toro y Moi compartió el video de “50-50”

Chaz Bear continúa con la promoción de Outer Peace, su más reciente trabajo de estudio.

|Por Tomás Vidal|


Toro y Moi es uno de esos artistas de los cuales siempre queremos tener cosas nuevas. Sin previo aviso, nos sorprendió con el video de “50-50” canción que cuenta con la colaboración del joven productor Instupendo y que cierra su octavo disco Outer Peace.

Este track es un final totalmente adecuado para un disco que estará entre los mejores del 2019. La canción coquetea entre el trap y el soul, con mucho Auto-Tune de por medio.

La pieza visual fue co-dirigida por Justin Morris y Colin Matsui y protagonizada por el propio Chaz Bear. Vestido de una manera particular, lo que sería un astronauta con un conjunto deportivo, y con su paracaídas en mano, Bear vaga por un desierto (u otro planeta) mientras carga su paracaídas. Allí se encontrará una una máscara especial con ciertos poderes que lo llevará a otra dimensión.

Toro y Moi lleva casi una década creando y produciendo contenido. Pero su figura fue creciendo fuertemente en este último tiempo: en 2018 acumuló un total de 47 millones de reproducciones en Spotify. El último dato es que cerca de 1 millón 700 mil personas lo escuchan mensualmente en esta plataforma.

Respecto a Outer Peace, Bear comentó: “Este disco es una respuesta a cómo la cultura se ha convertido en algo tan desechable y a cómo afecta eso a la creatividad. Mientras lo escuchás, podés prestar atención o ignorar, de cualquier manera está bien, esto es música para una mente creativa”.

Recordemos que esta es la segunda pieza visual de su último disco. Anteriormente, Toro y Moi estrenó el video de “Ordinary Pleasure”, que fue dirigido por Mancy Gant.

Sia, Diplo y Labrinth anuncian su nuevo disco

Después de una larga espera, el supergrupo finalmente anticipó que su álbum debut, LSD, será lanzado en abril de este año.

|Por Tomás Vidal|


Formado en 2018, el grupo denominado LSD captó de inmediato la atención de millones de personas. Sus siglas no sólo se refieren a la dietilamida de ácido lisérgico sino que representa a cada uno de sus integrantes: el británico Labrinth, el estadounidense Diplo y la australiana Sia.

En un principio, los planes eran que para noviembre de 2018 ya tendríamos un disco completo de la agrupación. Pero debido a un retraso no programado, seguramente por las agendas de los músicos, sólo pudieron lanzar el EP Mountains, que incluyó los tracks ya conocidos como “Genius”“Audio”“Thunderclouds” y “Mountains”.

Cada una de las canciones fueron acompañadas por su respectivo video: “Genius” fue lo primero que pudimos escuchar del supergrupo en mayo del año pasado, cuyo clip fue dirigido por el artista Ben Jones, famoso por sus video paintings psicodélicos. A su vez, Gabriel Alcalá fue el encargado de las ilustraciones, quien también es el responsable de la propuesta visual del grupo.

Unos días más tarde compartieron “Audio“, esta vez el video fue dirigido por Ernest Desumbila, artista que ganó un gran reconocimiento gracias a la campaña viral “There Will Be Haters” de Adidas. La elección de las personas a cargo de las visuales no es un mero capricho, sino que la imagen y estética tiene casi el mismo peso que la propuesta musical.

En julio, con motivo del lanzamiento oficial del Galaxy Note 9, el grupo presentó su tercer track “Thunderclouds”.

Y por último, en noviembre estrenaron “Mountains”, el que por ahora es lo último que escuchamos de LSD. Las visuales estuvieron a cargo del ilustrador y diseñador Gabriel Alcalá, un trabajo excepcional que demuestra todo su talento con esta narrativa psicodélica.

El anuncio tan esperado llegó a través del twitter oficial de Sia. El 12 de abril será el día en el que LSD compartirá su álbum homónimo, bajo el sello Columbia Records. Este nuevo trabajo será el retorno al estudio de grabación para cada uno de sus integrantes después de un buen tiempo. Labrinth sacó su último disco Electronic Earth en 2012; Sia compartió Everyday Is Christmas en 2017; y Diplo lanzó Random White Dude Be Everywhere en 2014.

King Gizzard lanza nuevo video y anuncia el próximo disco

King Gizzard And The Lizard Wizard lanzó ayer el videoclip oficial de “Fishing For Fishies” con su habitual colaborador Jason Galea, y anunció el lanzamiento de su esperado regreso discográfico para el 26 de abril.


“Fishing For Fishies” será el álbum número catorce de la banda desde su debut en 2012. Un número asombroso, si. Luego de un 2017 de 5 discos consecutivos, el 2018 fue un año de música en vivo y fuera del estudio. Los australianos son una caja de pandora con sorpresas asombrosas, y su polirritmia es muy característica.

“Quisimos hacer un disco de blues, pero las canciones la pelearon. Las dejamos que nos guien esta vez y que tengan su propia pesonalidad y un camino único. El disco es una colección de canciones que pasaron por unos locos viajes de transformación, dijo Stu Mackenzie, el frontman multi instrumentista del conjunto.

“Cyboogie” fue el primer adelanto lanzado este año, que marcó el regreso definitivo de King Gizzard con otro de sus alocados videoclips. El larga duración contará con 9 canciones nuevas, y esperamos desde Duias Music que eso lleve a una gira mundial que finalmente los haga desembarcar en sudamérica. Crucemos los dedos.

Lista de canciones:

  1. Fishing For Fishies
  2. Boogieman Sam
  3. The Bird Song
  4. Plastic Boogie
  5. The Cruel Millennial
  6. Real’s Not Real
  7. This Thing
  8. Acarine
  9. Cyboogie

Arcade Fire lanzó la canción del remake de Dumbo

Arcade Fire lanzó ayer “Baby Mine”, canción que formará parte de la banda sonora original del remake del clásico de Disney “Dumbo”.


“Baby Mine” también está incluida en la película de 1941. Lo peculiar es que fue un trabajo en familia, según el testimonio del propio Win Butler: “Mi mamá toca el Arpa, mi hermano el Theremin, mi esposa canta y toca la batería y hasta nuestro hijo toca el triángulo, además de toda nuestra familia de Arcade Fire”.

“Siempre relacionaré la canción con esa gente que quiero mucho y que es imprescindible para mi”, afirmó el frontman de la banda norteamericana. La película contará con un elenco estelar: Michael Keaton, Colin Farrell y Danny DeVito integrarán el cast.

 

Foals lanzó el primero de sus dos discos del 2019

Foals lanzó hoy la primera parte de “Everything Not Saved Will Be Lost”, disco que marca el regreso de la banda inglesa luego del exitoso “What Went Down” de 2015. El segundo y último lanzamiento del año se espera para mediados del año.


“Exits”,“Sunday” y “On The Luna” fueron los singles elegidos para promocionar en la antesala de la edición del álbum, que contiene 10 canciones nuevas con una impronta sci fi inspirada en el artista holandés M.C Escher. Para cerca de la mitad del 2019, Foals lanzará la segunda parte de este disco, que ostenta un concepto que une las obras.

Dato no menor: A fin de mes, presentarán el fresco elepé para los afortunados que sacaron entrada para el Lollapalooza 2019 en el Hipódromo de San Isidro. Se espera un show tremendo. Mientras tanto, habrá que memorizar las canciones nuevas:

Nadie nace escuchando a Steven Wilson

De la desazón de un periodista ante el desconocimiento de sus pares frente al artista que más disfrutó en un recital. Una introducción al gurú del rock progresivo, con su disco Hand. Cannot. Erase. como mapa.


En una de las tantas reuniones-cenas del año pasado con todo el equipo de Duias, en las que hay más para beber que para comer, donde se habla por horas de banalidades en lugar del motivo que convocó a la asamblea, surgió de repente la única pregunta relacionada con la música: qué fue lo mejor que habíamos visto en vivo.

Uno a uno fueron dando sus respuestas. Algunos trajeron a colación grandes e históricos conciertos que sucedieron en el país, otros nombraron otros no tan emocionantes. Lo cierto es que no recuerdo ninguna de las contestaciones. Lo único que quedó en mi mente, luego de que pasara mi turno de hablar, fue preocupación.

Me tocaba. Ya había tenido tiempo para pensar. Estaba seguro de que ese era el mejor recital al que había asistido.

—Mi mejor recital fue Steven Wilson en el Vorterix.

La sonrisa dibujada en mi cara se borró al instante. Los comensales-oyentes se quedaron atónitos: pronunciaron un quién al unísono y siguieron, con tanta gula e indiferencia, comiendo y bebiendo. Balbuceé algún insulto borracho sin sentido y me quedé callado por el resto de la noche.

El pasado 27 de febrero se cumplieron cuatro años del lanzamiento de Hand. Cannot. Erase., disco que Wilson promocionaba en aquella gira del mencionado concierto. La excusa perfecta para hablar de una gran placa y dar una nueva oportunidad, a quienes no han oído aún, de conocerlo.

Steven Wilson es un músico inglés con una vasta carrera en el rock progresivo que incluye sus proyectos musicales (Porcupine Tree, Blackfield, Storm Corrosion), las bandas que produjo (Opeth, Anathema) y su labor de edición y remasterización de discos de grandes valores del género (Yes, King Crimson, Emerson Lake & Palmer).

Hand. Cannot. Erase. es su cuarto disco como solista. La obra amalgama, con resultados sobresalientes, varias de las tantas facetas que Wilson ha experimentado a lo largo de su carrera: grandes instrumentaciones y mejores ejecuciones, compases complejos que aportan a la canción y nunca la entorpecen, momentos pesados y densos, emociones varias y al borde de las lágrimas, melancolía e innovación pop.

Se trata, sobre todo, de un álbum lacrimógeno. La idea prima a la hora de componer las nuevas canciones de lo que sería el sucesor del también majestuoso The Raven That Refused to Sing (And Other Stories) fue la historia de Joyce Carol Vincent: la mujer murió en su departamento por causas naturales, pero fue hallada tres años más tarde, cuando el propietario fue a reclamar por la deuda acumulada de su inquilina. Durante ese tiempo nadie sintió su ausencia.

No es estrictamente un trabajo conceptual, pero las once canciones están atravesadas por sentimientos conectados: la angustia, el cuestionamiento de los lazos afectivos, la soledad, la pérdida de seres queridos, el descontento personal. Y todo abordado directamente en las letras de Wilson, quien no se anda con rodeos ni se pierde en metáforas. La correspondencia lírica-musical, imbatible, es una de las claves del éxito del disco.

Para esta oportunidad, se convocaron a los mismos músicos que grabaron el anterior elepé, aunque incorporaron a la banda a una pieza clave, fundamental para el desarrollo de la dramaturgia: Ninet Tayeb. La voz de la cantante israelí redondeó el personaje femenino necesario. Con un timbre tan particular, encarnó perfectamente el solitario final de Joyce Carol Vincent: quedó demostrado en la inmensa “Routine”. Pero no es la única mujer que participó.

“Perfect life” fue el primer adelanto que vio la luz. El sonido, los elementos utilizados y el estilo dejaron estupefactos a los oyentes que esperaban el mismo rumbo sonoro que conocían del músico. Puesto en contexto, hoy se entiende como una pieza indispensable para el funcionamiento de la historia. Acá es donde interviene la actriz británica Katherine Begley narrando un ciclo de amistad, amor, hermandad, alejamiento y olvido.

“Jamás confiaría en alguien que no le guste este disco”, me dijo un melómano compañero en este cuarto aniversario. Y es que se trata de un trabajo redondo, en el que difícilmente alguien no encuentre algo que lo conmueva, alguna canción que le guste, algún solo que le vuele la cabeza, algo.

Desde lo estrictamente instrumental, debemos ser justos y mencionar el dream team que acompañó a Wilson: Guthrie Govan, en guitarra, Marco Minnemann, en batería, Adam Holzman, en teclas, y Nick Beggs, en bajo y chapman stick. Parte de su talento queda desparramado en la monumental “Ancestral” de casi catorce minutos, en el binomio “Home Invasion/Regret #9” y en la vertiginosa “3 years older”.

Es un buen lugar de la extensa discografía del británico para empezar. A partir del aspecto que más te guste, podrás elegir una dirección acorde. No temas, hay varios caminos por escoger, todos riquísimos, repletos de información y buen gusto.

Los Black Keys lanzan música nueva luego de 5 años

Los Black Keys regresaron con el single nuevo “Lo/Hi”, el primer lanzamiento luego del larga duración “Turn Blue”, de 2014.


Sucedieron un par de cosas entre el último disco de los Keys, el producido por Danger Mouse “Turn Blue”, y este nuevo single que marca su regreso. Pat Carney sufrió una lesión que lo marginó de su querida batería por un tiempo, mientras que el guitarrista Dan Auerbach lanzó su proyecto The Arcs y un disco solista hecho en Nashville (“Waiting On A Song”).

Esperemos que un nuevo LP llegue prontito. La manija de tener música fresca de los Black Keys es tremenda. Como también somos nostálgicos en Duias Music, dejamos el link de “Turn Blue” para rememorar esa época: