Ramones y Argentina: Sinfonía de un sentimiento

La banda neoyorquina forzó un lazo inquebrantable con el público argentino. Un pacto que sigue vigente y resiste el paso del tiempo. A 23 años de su última presentación en nuestro país, el mito sigue creciendo.

|Por Makú Rodríguez|


Es redundante resaltar la efervescencia del público argentino. Son muchos los casos de particular apego por parte de grupos extranjeros con Argentina. La pasión del público, entremezclada con la “futbolización” de las cosas, deriva en una relación de puro afecto entre la gente y las bandas. Los Ramones son una de las bandas que encabeza esta lista de historias de amor entre los músicos y su público.

El cuarteto neoyorquino visitó nuestro país en siete oportunidades (una de ellas visitando Mar del Plata, presentándose en el viejo y recordado “Go” de Avenida Constitución). Un número envidiable para cualquier banda. La primera vez que aterrizaron en territorio argentino fue en el año 1987, más precisamente en el Estadio Obras. Ese fue el comienzo de la historia. Encontraron en el público argentino una locura especial y distinta a la que presentaba el público en lugares como Estados Unidos o Europa.

Corría el mes de marzo cuando Los Ramones anunciaron que su show despedida a nivel internacional iba a ser en nuestro país, más precisamente en el estadio de River Plate. Las expectativas eran muchas y el contexto social y económico le pondría un condimento extra al asunto. Coca Cola lanzó una promoción que consistía en intercambiar 10 tapitas de gaseosa por dos entradas. Tres días antes del recital, la empresa estipulo fecha y lugar para la entrega de las entradas. La gente acudió pero los tickets no estaban.La fiesta ramonera comenzó con saqueos y destrucción de locales en la zona del micro centro porteño. Una horda de 4 mil jóvenes furiosos, sintiéndose estafados. Finalmente, la empresa emitió un comunicado en el que explicaban que las entradas estaban, pero en otro lugar. Afortunadamente, la masa se movilizó hacia el barrio de Barracas, lugar donde los respectivos tickets fueron entregados.

A mediados de los 90’s, el punk había llegado a los barrios bajos de Buenos Aires. Ya no era una cuestión casi elitista de los barrios de zona norte. Bandas como Attaque 77 ya habían llegado a la masividad, mientras que grupos como Flema, Superuva, Dos Minutos y Cadena Perpetua, comenzaban su recorrido dentro de la movida punk.

Fueron siete las visitas de Los Ramones a nuestro país: Desde 1987 hasta 1996 dieron 27 shows: una vez en Obras en 1987, tres veces en Obras en 1991, cinco veces en Obras en 1992, cinco veces en Obras en 1993, tres veces en Obras, una vez en el estadio de Vélez, una vez en Rosario, una vez en Mar del Plata, y una vez en Bahía Blanca en 1994, seis veces en Obras en 1995, y una vez en River en 1996.

Por las filas ramoneras pasaron muchos músicos. En su última visita, el ex bajista Dee Dee Ramone se encontraba viviendo en el país, mas precisamente en el barrio de Banfield con su novia argentina. La curiosidad fue que, un día antes del concierto, se acercó al hotel con la intención de saludar a sus ex compañeros de banda, pero el personal de seguridad no lo reconoció, así que le negaron el ingreso. Luego de un momento de tensión (captado por las cámaras televisivas) le permitieron pasar al hotel, sin antes discutir con el baterista Marky Ramone por no haberlo ayudado a ingresar.

Su último show en Argentina estuvo marcado por varias cosas. En primer lugar, el 16 de marzo de 1996 fue una jornada maratónica de punk rock. Antes de Ramones, pasaron por el escenario Superuva, Dos Minutos, Attaque 77, Die Toten Hosen e Iggy Pop. En sus anteriores visitas al país, sus recitales se caracterizaron justamente por darle lugar a las bandas punk de la escena argentina. Los Violadores, Cadena Perpetua, Flema, Mala Suerte, Mal Momento y Bien Desocupados, son algunas de las bandas argentinas que compartieron escenario con los neoyorquinos. En el año 1994, en su presentación en el estadio de Velez Sarsfield compartieron escenario con Motorhead, banda con la cual mantenían una estrecha amistad.

Como era de esperarse, el set list de Ramones consistió en 34 canciones y contó con la participación de Eddie Vedder, cantante de Pearl Jam. La aparición del cantante grunge fue encubierta. Subió durante la canción “Pinhead” con una máscara para entregarle el cartel de “Gabba Gabba Hey!” a Joey Ramone. Una aparición fantasmagórica que le otorgó color a una jornada épica.

El estadio de River Plate estaba colmado por 45 mil almas. Las sensaciones fueron diversas. Por un lado, la nostalgia de saber que sería la última presentación en Argentina, pero por otro lado, el fervor y la pasión que despertaban Los Ramones. En ningún otro lugar del mundo formaron un vínculo tan fuerte y especial como en Argentina. Es por eso que hasta el día de hoy Marky Ramone y Cj Ramone siguen viniendo a tocar a nuestro país.

Cj, Joey y Marky junto a Mosca y Papa, integrantes de Dos Minutos. Vélez, 1994

El recital fue transmitido en vivo y en directo por Telefé y Rock and Pop. La jornada del 16 de marzo fue muy calurosa y agitada. Luego de su última visita, anunciaron una serie de recitales en Estados Unidos. Finalmente, el 6 de agosto de 1996 se despidieron en el Billboard Live de The Palace en Los Ángeles, ante no más de 2 mil personas. La banda neoyorquina cuenta en su haber con 2.263 presentaciones en vivo, de las cuales 27 fueron en Argentina.

Pasan los años y el sentimiento no se olvida. Se ve reflejado en varios aspectos. En el culto que guarda el punk argentino hacia ellos, en las generaciones que siguen escuchando sus discos y en la memoria de aquellos afortunados que pudieron estar presentes en alguna de esas 27 veladas.

 

Bandalos Chinos estrenó video

La banda oriunda de Beccar compartió el clip oficial de “Tu órbita”, canción incluida en su más reciente trabajo discográfico Bach.

|Por Tomás Vidal|


Bandalos Chinos es una de los grupos del momento en la escena argentina, sin dudas. Con sus presentaciones en el Konex y en Rock en Baradero, sumado a su próxima gira en México, los Chinos pisan cada vez más fuerte.

Pero los recitales no son todo (aunque son algo muy importante). También hay lugar para lo creativo, lo visual. Es por ello que el grupo compartió el clip oficial de “Tu órbita”, track que forma parte de su más reciente disco Bach. Con la idea y dirección de Tomás Terzano, Bandalos nos hace subir al ring junto a “El Látigo” Schettino, un ex boxeador que es tentado para hacer su regreso en una pelea de exhibición en el barrio que lo vio crecer.

“La pelea es una simple excusa para que nuestro héroe vuelva a sentir algo, volver a ese lugar feliz.  Orbitando siempre en el pasado y en una época mejor, ‘El Latigo’ se apoya en el recuerdo de su mujer para que guíe su mano en la pelea final, no solo para ganar la batalla sino para atravesar la vida que le queda”, reza la sinopsis de este trabajo que está protagonizado por Adrian Fondari y Juan Guilera, en el cual también actúan Juan Manuel GuileraGabriela Irene Pastor ,Tito Del AguilaDaniel Vicente Silveira Vivaldo , Manuel Boerr Cumelén Sanz.


Recordemos que Bandalos Chinos estrenó su último disco Bach en agosto de 2018. Desde entonces han girado por buena parte de nuestro país, incluyendo nuestra ciudad en un par de oportunidades. Sus integrantes son Goyo Degano (voz y teclados), Tomás Verduga (guitarra y coros), Iñaki Colombo (guitarra), Nicolas “El Lobo” Rodriguez (bajo), Matías Verduga (batería) y Salvador Colombo (sintetizadores), e indudablemente son parte de una una de las bandas con mayor proyección en la escena musical independiente de nuestro país.

Lollapalooza Argentina 2019: Duias Recomienda

Ya está todo listo. Con los horarios en mano, finalmente podemos organizar lo que será esta nueva edición. Cada uno tendrá su camino, qué ver y qué no ver. Desde Duias te dejamos una pequeña guía para que tengas en cuenta a la hora de elegir.

|Por Tomás Vidal|


La espera terminó. Bueno, de alguna manera terminó porque aún queda esperar al fin de semana del 29, 30 y 31 de marzo para que el Hipódromo de San Isidro reciba nuevamente al Lollapalooza. De lo que sí ya tenemos una certeza es de los escenarios y los horarios de todos los artistas que se estarán presentando. A modo de ayuda, intentaremos repasar lo que, en la previa, son los shows que no te podés perder.

Siempre aparecerán sorpresas o esos sets que luego son comentados por todos los presentes. Pero vamos a intentar brindarles la mejor alternativa para que aquellos afortunados que ya tienen su entrada y que no logran decidirse, puedan aprovechar al máximo esta nueva edición. Cualquier queja y/u observación es más que bienvenida.

DÍA 1 VIERNES 29

TELESCOPIOS (Main Stage 1 / 12:15 – 12:45)

1915 (Main Stage 2 / 12:45 – 13:15)

CONOCIENDO RUSIA (Main Stage 1 / 13:15 – 13:45)

WOS (Main Stage 2 / 13:45 – 14:30)

ESCALANDRUM (Main Stage 1 / 14:30 – 15:15) 

PARCELS (Main Stage 2 / 15:15 – 16:00)

KAMASI WASHINGTON (Main Stage 1 / 16:00 – 16:45)

PORTUGAL. THE MAN (Main Stage 2 / 16:45 – 17:45)

ROSALÍA (Alternative / 17:45 – 18:45)

JORGE DREXLER (Main Stage 2 / 18:45 – 19:45)

INTERPOL (Main Stage 1 / 19:45 – 20:45)

POST MALONE (Main Stage 2 / 20:45 – 22:15)

TWENTY ONE PILOTS (Main Stage 1 / 22:15 – 23:45)

STEVE AOKI (Main Stage 2 / 23:45 – 1:00)


DÍA 2 SÁBADO 30

YATAIANS (Main Stage 2 / 12:30 – 13:00)

CA7RIEL (Main Stage 2 / 13:30 – 14:00)

CATNAPP (Perry´s / 13:45 – 14:30)

JAIN (Alternative / 15:45 – 16:30)

TROYE SIVAN (Main Stage 2 / 16:30 – 17:30)

FOALS (Main Stage 1 / 17:30 – 18:30)

ST. VINCENT (Alternative / 19:30 – 20:30)

SAM SMITH (Main Stage 2 / 20:30 – 22:00)

ARCTIC MONKEYS (Main Stage 1 / 22:00 – 23:45)

TIËSTO (Main Stage 2 / 23:45 – 1:00)


DÍA 3 DOMINGO 31

GATIVIDEO (Main Stage 1 / 12:00 – 12:30)

SALVAPANTALLAS (Alternative / 14:00 – 14:45)

AMA LOU (Alternative / 15:45 – 16:45)

GRETA VAN FLEET (Main Stage 1 / 17:45 – 18:45)

CAETANO, MORENO, ZECA & TOM VELOSO (Main Stage 2 / 18:45 – 19:45)

JORJA SMITH (Alternative / 19:45 – 20:45)

LENNY KRAVITZ (Main Stage 2 / 20:45 – 22:15)

KENDRICK LAMAR (Main Stage 1 / 22:15 – 23:30)

ODESZA (Main Stage 2 / 23:30 – 00:45)


Tal vez no sea la mejor recomendación, y sin lugar a dudas no es el único camino posible. Simplemente intentamos clarificar un poco ante tanta demanda de artistas. Creemos que este es un recorrido bastante prometedor en lo que es la previa al festival, pero siempre aparecen esas pequeñas sorpresas.

Experiencia Ciudad de Brahman

Grabado durante un viaje a San Francisco, Ciudad de Brahman de Los Natas es una de las principales gemas del Stoner Rock. De cara a su aniversario número 20, repasamos este fabuloso viaje místico.

|Por Makú Rodríguez|


Corría el año 1999 cuando Los Natas le dieron vida a Ciudad de Brahman. Desde sus inicios fueron una banda incomprendida teniendo en cuenta los parámetros que se manejaban en la segunda mitad de los 90. El denominado “Nuevo Rock Argentino” se hacía cargo de tomarle el pulso a la escena underground de Buenos Aires, de la mano de bandas como Babasónicos, El Otro Yo, Fun People, Juana La Loca, Peligrosos Gorriones y Los Brujos. El trío stoner irrumpió en el circuito en 1997 con la salida de su primer disco llamado Delmar. Su propuesta era difícil de encasillar. Eran muy blandos para la escena heavy, pero muy pesados para el nuevo rock argentino. Incomprendidos como siempre, divagaron por el inframundo musical de Buenos Aires, junto a su distorsión pesada y la densidad de sus canciones.

La incomprensión los llevó al exilio. Desde sus primeros años de vida, Los Natas fueron una banda valorada en el exterior, mas que nada en países como Estados Unidos y Alemania. Tanto en Europa como en Norteamerica supieron darle asilo, teniendo en cuenta que el Stoner Rock era moneda corriente en los circuitos musicales anglosajones. Tuvieron la suerte de ser apadrinados por bandas como Nebula, Brant Bjork y Queens Of The Stone Age. En Argentina les costó un poco. Si bien siempre fueron una banda de culto, fue difícil encontrar su lugar.

Ciudad de Brahman es el segundo de sus siete discos. Grabado en Louder Studios de la ciudad de San Francisco, la segunda placa de Los Natas es un viaje astral, acompañado por distorsión y diversos climas musicales que hacen al disco más que llevadero. Particularmente me gusta mucho. Es un disco al que siempre se le encuentra algo nuevo. Si bien son un trío, la mayoría de los temas están grabados con dos guitarras. Esto genera que en cada escuchada del disco, se puedan encontrar melodías perdidas entre tanta distorsión y efectos de guitarra. Por momentos es un disco tranquilo, aunque no deja de tener su costado demoledor.

El disco comienza de una manera cuasi desértica, rindiendo homenaje al reconocido astro físico Carl Sagan. Es una suerte de introducción con aires de improvisación que hace entrar en clima de manera instantánea. Luego de esos primeros cuatro minutos celestiales, la calma se rompe con Meteoro 2028, quizás uno de los temas más reconocidos de la banda. No hay separación entre Carl Sagan y Meteoro. El viaje continúa, pero con ciertos aires de turbiedad y oscuridad. Luego de estar navegando en el espacio con Carl Sagan, la siguiente canción genera un clima parecido al de estar corriendo por una montaña repleta de lobos hambrientos (o por lo menos eso es lo que a mí me genera).

El viaje no da respiro. Casi no existe la separación entre tema y tema. Tuffí Memé es el tercer tema del disco y es como una fusión de climas entre el primero y el segundo tema. Un punteo de guitarra suave y relajado, que corta inesperadamente con un bajo que te revuelve las tripas. Luego será el turno del tema que da nombre al disco La Ciudad de Brahman y Siluette. El track que le da identidad a la placa es demoledor. Batería rápida y líneas de bajo y guitarra concisas y distorsionadas. Siluette, por su parte, es la experimentación del disco.

El respiro llega a la mitad del viaje con Brisa del Desierto. Un susurro perdido y dos minutos de guitarra y bajo, que se mezclan entre sí, generando un paisaje desolado. Ellos mismos describieron a este disco como una pieza romántica. Es el amor hecho sonido y el tema Paradise lo demuestra. “Tus ojos son el sol, viento lunar en tu respiración” esboza el cantante y guitarrista Sergio Ch, acompañado por una dulce melodía de guitarra que luego se rompe en distorsión.

Alohawaii cuenta con la participación del productor del disco Dale Crover. Esta canción es como flotar a la deriva en el mar. La guitarra hawaiana del inicio, sumado al bajo penetrante, generan un clima especial que eriza la piel. Nuevamente la calma se rompe gracias a un bajo capaz de derrumbar una muralla. Así como Ciudad de Brahman es perfecto por sus climas, también tiene cuestiones autobiográficas. Por ejemplo la canción Adolescentes. Una declaración de principios, mezclada con la retórica “Que va a pasar? Qué va a ser ahora de mí?” 

999 es la pieza incomprendida. Una experimentación que te lleva al medio oriente. Llegando lentamente al final del disco, la seguidilla de El Resplandor, Rutation y Polvaredo no dan tregua. El primero de estos tres es un guiño a Stanley Kubrick. Rutation, por su parte, inicia con un bajo lineal que se quiebra con una cuerda de guitarra que se estira hasta perforarte la mente. Es una de las canciones con más letra del disco. Para finalizar esta seguidilla sin respiro, Polvaredo podría ser un tema de los primeros discos de Black Sabbath. Con una letra sobre lava, fuego y dragones, la canción inicia con un solo de batería en manos de Walter Broide. Un minuto de batería que con el correr de los segundos, se va asemejando a la caída de un edificio.

El recorrido finaliza con Nadha. El titulo de la canción está en sánscrito y significa sonido que proviene de lo más profundo del ser. La guitarra y el bajo conversan entre sí, generando un clima que le hace honor al título de la canción. Luego de los ambientes ciclotímicos, el disco finaliza en paz. El viaje culmina en una suerte de inducción que genera paz y armonía.

Sergio Ch, Walter Broide y Miguel Fernandez fueron los creadores de esta placa fundamental en la historia del Stoner. Con el correr de los años continuaron sacando discos y giraron por en varias ocasiones por Europa y Estados Unidos. Nunca perdieron la esencia, ni el perfil bajo, como toda buena banda de culto. En el año 2012 anunciaron su retiro mediante un comunicado de Facebook, generando un vacío enorme en sus seguidores. Más allá de esto, nunca dejaron de hacer música. Sergio Ch continuo con Ararat y Soldati. Gonzalo Villagra se abocó de lleno a la producción musical y Walter Broide continuó su vida musical de lleno en Poseidótica, banda con la que toca sin interrupciones desde el año 2005.

Por más que no sigan en actividad, muchos soñamos con su regreso y qué mejor que soñar con Ciudad de Brahman de fondo, para inducirnos en un viaje astral, anhelando una reunión.

 

 

Güacho anunció su separación

La banda platense de rock sacó un comunicado mediante sus redes sociales donde explican los motivos de su disolución.


“Güacho se fue al bosque”, comienza el texto que publicaron ayer en su facebook. Enseguida plantean la pregunta que definió el mensaje: “¿Cómo explicar hacia afuera que seguís tocando con las mismas personas pero que eso ya no es más la misma banda?”. Y la respuesta apunta a que la banda no fue pensada como tal en sus inicios, sino como una idea, una idea con un punto de cierre —que ya es realidad—.

No obstante, aclararon, entre agradecimientos, que “esto puede reaparecer en cualquier impulso del corazón. Que no nos lo prohibiremos si nos place y sentimos la necesidad de ir a buscarlo al bosque y traerlo de alguna forma”.

El trío deja tres discos grabados de altísimo nivel. Una trilogía que comenzó en el año 2012 con la edición de Vol. I: En la orilla del océano. Dos años más tarde publicaron Vol. II: Historias de viajerosya con una identidad bien definida, con un nombre que comenzaba a ganar peso en la escena. Y se despidieron con Vol. III: La persistencia de la memoria, del 2017, un álbum con mucha mística y madurez.

Esperamos con ansias su regreso. En caso de que no suceda, seguiremos oyéndolos, “porque por suerte se nos han escapado esos pedazos de desechos eternos que son las músicas registradas y sus gloriosas memorias emotivas”.

El comunicado completo, acá:

Güacho se fue al bosqueBueno, amigxs… Tanto silencio, que asusta ¿no?No es para tanto. Esta era nos está mal…

Publicado por Güacho en Viernes, 1 de marzo de 2019

Usted Señalemelo estrenó canción y video

Los mendocinos Juan Saieg, Lucca Beguerie y Gabriel Orozco continúan por su propio camino, marcando su línea entre la psicodelia soul y el groove.

|Por Tomás Vidal|


Qué lejos parece haber quedado mayo del 2017, ¿verdad? Por aquel entonces, Usted Señalemelo estrenó “II”, su segundo álbum de estudio y el proyecto que los puso en boca de todos. Con fechas por todo el continente, los mendocinos se subieron a lo más alto. Y parece que no le temen a las alturas.

A principios de este año, el grupo sorprendió con el video oficial de “Mañana”, canción incluida en su último disco. Desde entonces no tuvimos más novedades. Hasta hoy.

Como venían adelantando ya hace unas semanas, finalmente llegó el día del estreno de “Pastizal”, canción que marca su primer lanzamiento de material original luego de “II”, y que cuenta con la producción de los propios mendocinos y del legendario Tweety Gonzalez. El track tiene esa notable característica de evocar a grandes grupos del rock nacional, como pequeñas reminiscencias. Los Abuelos de la Nada, Soda Stereo Babasónicos son algunos de ellos. Pero hasta también podemos ampliar el espectro al plano internacional, con bandas como The Cure o The 1975. Así y todo, Usted Señalemelo cumple con su objetivo de sonar como ellos mismos, tener una línea propia.

El video está dirigido y guionado por Tomas Seivane y Leandro Frutos. Además de las actuaciones de Rebeca Schoeller, Isabelino Paredes, Clemente Cancela, Gabriel Orozco, Juan Saieg y Lucca Beguerie Petrich, otra gran protagonista es la selva. Las imágenes fueron capturadas en distintos lugares de la provincia de Misiones (Santa Ana, San Ignacio y Oberá). Los efectos visuales a cargo de Juan Manuel Nuñez, son otro toque distintivo que embelesen al espectador.

Usted Señalemelo se estará presentando este domingo 3 de marzo en el Rock Baradero junto a Babasónicos, Bándalos Chinos, Marilina Bertoldi, Indios, Ataque 77, Juan Ingaramo, Louta, Airbag, El Zar, Lo’ Pibitos, Peces Raros, Hiptnótica, Tr3sdecorazón y Chita. Luego de esta fecha, volarán hacia México para subirse al escenario del Foro Indie Rocks! el 29 de marzo y después irán el 7 de abril a Colombia al Festival Estereo Picnic 2019.

LETRA de “Pastizal”.

Desfragmentar, desfragmentar

—-

Tu alma cruzará las místicas cortinas

Al amanecer, escapemos de aquí, todo lo que hay acá está muerto.

Tras el pastizal, donde me encuentro, aquí

—-

Para brotar podrás ver mucho más que nuestras orillas

Al amanecer, escapemos de aquí, todo lo que hay acá está muerto.

En el pastizal, donde me encuentro, aquí

—-

Escapemos de aquí, todo lo que hay acá está muerto,

En el pastizal, donde me encuentro.

Sangre flúor derritiendo de mi (brota),

Perdidos así (desde el alma y va),

Sobre las piedras (brota),

Es flúor la selva (desde el alma y va),

Aquí (brota),

Es flúor la selva,

Aquí (brota)

(Desde el alma y va)

Cazacuervos: “Pudimos desarrollar una identidad”

La banda argentina de rock alternativo estrenó Irreversible, su nuevo trabajo discográfico. En la siguiente charla nos cuentan sobre la reencarnación del grupo, el proceso de grabación de las nuevas canciones y los planes a futuro.


Estamos muy cómodos siendo tres, las cosas fluyen muy bien. Más allá de eso, sea una banda de dos o de ocho personas, si no están alineadas para el mismo lado, nunca va a resultar—, respondieron a la primera pregunta de cómo se sienten en su nuevo formato de power trío. Y es que Cazacuervos es una banda que se formó en 2012 con cinco músicos de la escena alternativa bonaerense. De esa alineación, que grabó un EP, sólo quedó el bajista Franco Barroso.

Para la reestructuración de la banda, Franco convocó al guitarrista Alejandro Canosa (quien se mantiene desde el primer disco Abismo) y al baterista Hernán Rico. Además, tomó el micrófono y desde entonces es la voz líder de Cazacuervos. Con la formación completa, comenzaron a cranear lo que sería su nuevo trabajo de estudio. Para ello, citaron al productor Guillermo Porro, quien trabajó con Marilina Bertoldi, La Ley, Parteplaneta, entre otros, además de su propia carrera musical.

—¿Cómo fue laburar con Guillermo Porro? ¿Qué rol cumplió en la grabación?

—Guille es un ser increíble, no sólo en lo humano, sino también en su talento innato al momento de trabajar el audio. Recibió nuestros temas preproducidos, se encargó de poner todo en orden, nos produjo, nos grabó y mezcló el disco. Es un productor que sabe escuchar e interpreta a la perfección para dónde quiere ir la banda, en vez de mezclar y producir sin tomar en cuenta ese aspecto, como hace la mayoría.

—¿Qué es lo que más les gusta de Irreversible?

—Lo que más nos gusta es que pudimos desarrollar una identidad y un audio que antes no teníamos. Es música hecha y pensada para otro tipo de formación e instrumentación, lo que resultó positivo para no repetirnos. Siempre tratamos de hacer que los temas no sean todos iguales y creo que en este disco se logró bastante bien.

—¿Qué música sonó o escucharon más en este proceso de grabación? ¿Lo utilizaron como influencia o simplemente hicieron lo suyo a gusto y placer?

Hicimos lo nuestro, pero siempre antes de encarar un proyecto se buscan referencias, influencias e inspiraciones, aunque después termines haciendo otra cosa completamente distinta. Estuvo dando vueltas algún disco de Biffy Clyro, el último disco de Depeche Mode, el clásico Nine Inch Nails y alguna que otra cosa más.

—¿Cuáles son los planes para promocionar el disco? ¿Hay fechas? ¿Se viene alguna gira?

El 6 de abril tocamos en Roxy live y estamos armando una gira por Santa Fe, Paraná y Córdoba. Pronto anunciaremos todo.

Cazacuervos estrenará en los próximos días un videoclip para el tema homónimo del disco. Con un sonido demoledor y una imagen definida, tienen claros los pasos a seguir y quedó demostrado que las adversidades las usan a su favor. Son buenas las condiciones para afrontar esta nueva etapa.

Dante y Duki unen fuerzas

Después de meter mucha promoción a través de sus redes sociales, finalmente Dante Spinetta publicó “Verano Hater” junto a uno de los exponentes del trap argentino.

|Por Tomás Vidal|


“Hoy el sonido que reina es el del trap. Pero sigue siendo hip hop de alguna manera, ahora le cambiaron el nombre”, afirmó Dante en una entrevista con la Rolling Stone en diciembre de 2017. También por esa fecha, aceptó formar parte de Sony Music como “curador” de un subsello que se concentrará en artistas emergentes del Hip Hop local. Desde su rol de A&R (artistas y repertorio), logró firmar a Neo Pistea y a Fianru.

Ahora llegó el momento de involucrarse directamente con un artista de la escena local. Y eligió a uno de los mejores. “Verano Hater” es lo nuevo junto a Duki, quizás el trapero más importante de nuestro país. A pesar de que ambos fueron promocionando la canción a través de sesiones de fotos y de filmación, aún no tenemos un video oficial. Se espera que el lanzamiento del clip se haga en las próximas semanas.

Cabe destacar que Duki se estará presentando en el Buenos Aires Trap que tendrá lugar el próximo sábado 23 de febrero en el Hipódromo de Palermo y que contará con un line-up que incluye a Bad BunnyCazzu, Kidd Keo, Ysy A, Khea y más.

Guli editó su tercer disco “Yate”

Guli abrió el 2019 con el lanzamiento de su tercer disco “Yate”. La placa combina en menos de media hora un funk peposo con arrebatos soul y grandes invitados. Entrevista a fondo con Agustín Bucich, el mandamás de su propia secuencia que exige menos redes sociales y más groove. Foto por Guido Péric.

|Por Marcos Gabarain|


El Disco

Unknown Mortal Orchestra, Arcade Fire, psicodélia, Parliament Funkadelic, cintas y ese histrionismo del último Childish Gambino. Eso es algo de lo que se percibe como corriente musical para “Yate”, disco auto producido que contó con la mano de Carlos Laurenz en la masterización.

Obertura“: inicio del disco con sonidos en reversa, hiper acelerados, arreglos de cuerda y pulso de soul. “Cintas Con Vos” es un Funk anti digital que fue lanzado con videoclip. Bajo efervescente con slap sabroso y autotune eficiente (alta rima). “No creo más en las vueltas, amor”. Maria Pien suma su voz para el estribillo. El final, abierto.

Arriba” es aceleración y órganos sincopados para un Guli enamorado que seduce y admite: “Yo solo pienso en vos”. “Ansia” incluye a Juan Ingaramo en otro de los singles lanzados en la antesala de la presentación del larga duración. La canción más inquieta del disco entrelaza los bellos tonos de Guli y el cordobés en un estribillo que es una explosión disco. La historia de una noche de “churrito” y bailongos que uno siempre necesita.

Bebé Volvé” tiene, desde lo rítmico y el ingenioso título, un guiño al clásico de Playe, junto a un sensual saxo (“Fue intencional”, admitió). Como en la mayoría de las canciones del disco, la atmosfera transpira groove desde la instrumentación. En esta canción, la batería marca una pulsación sincera que induce al cruce de miradas.

La música de Guli tiene condimentos y mejunjes muy especiales. Tal es el caso de “Ave Fénix“, en el cual uno puede sentir una lisergia lo-fi amalgamada con un groove ochentoso de teclados beatle. Algo de magia se desprende en esta y otras obras más.

MMBF” es el “Legalize It” del indie argentino, una especie de Raggamuffin que implora por la no clandestinidad de la marihuana (“Es espiritual/Es universal”). Ca7riel aporta su flow y carisma. Para el final, este viaje cósmico de R&B flashero llega al eclipse con “No Hay Nadie” junto al Goyo Degano (Bandalos Chinos).

Se entiende que Guli quiere emanar diversión y sabor. Además de eso, en “Yate” podemos ratificar su paleta de colores rítmicos y su amplio abanico de recursos. Sus gustos personales están bien plasmados y eso sin ninguna duda lo ubica como un artista completo.

La Entrevista

-A la hora de empezar a armar el sucesor de Waiata ¿Qué aspectos del disco anterior permanecen en “Yate” y cuales no?-

-Yate lo siento como el cierre de una trilogía que se forma junto a Hanganga y Waiata, para después pasar a otro concepto. Lo que une estos tres discos es algo del modo de arreglar las canciones, pensando en métodos de producción del pop de los 60,70 y 80: Batería, bajo, guitarras, teclados, y voces. Los une el ruido de cinta, y el groove también. Tiene una evolución en el audio, está más prolijo, y tiene un mastering hecho por Carlos Laurenz que lo lleva a otro nivel.-

-También me quiero referir al método de grabación ¿El ritual sigue siendo el mismo a la hora de maquetar y producir la música?-

-En este último disco el método de producción fue distinto, empezando todas las canciones desde un teclado Yamaha barato que tengo en casa, y siempre pensando en hits de fines de los 70 como inspiración. A partir de ahí, fui armando los arreglos y líneas de bata. En los dos anteriores todo empezó desde las baterías, mics y a grabar ritmos, sin saber que iba a meter arriba. Yate es más cancionero.-

Desde el lado emocional, los cambios son miles y el Guli del disco anterior es otro: “los años son muchos en uno, todo lo emocional que pasa en estos tiempos no podría ponerlo acá”. Además, Agustín admite que en esta nueva placa está en un lugar de “jugar un poco al ridículo. La busqueda del ‘éxito’ nos hace mal muchas veces, y en estas canciones me estoy riendo de ese sueño extraño.”

-¿Por qué elegiste a “Cintas Con Vos” y “Ansia” como el primeros adelantos del lanzamiento?-

-No tenía una sola preferencia como primeros singles, fueron debates del equipo de trabajo y decidimos que sean esos, que son hiteros a su manera. El ft. de Juan en “Ansia” me encanta como quedó, siempre sentí que esa melodía le iba bien a su flow. “Cintas Con Vos” fue el primer tema del disco que compuse. Flasheaba con Michael McDonald y me parece que está bueno que ese momento de inspiración inicial sea la primera muestra del material.-

A la hora de transmitir sus sentimientos en una obra, Guli confiesa que “Para mí es algo catártico, no lo pienso demasiado. El trabajo es más el de ordenar y organizar esas ideas salientes de la catarsis.” El artista también admite unas influencias muy marcadas de una época anterior, como lo son Steely Dan, Michael McDonald, Prince, Christopher Cross, Supertramp y Electric Light Orchestra, entre otros.

Soy músico desde hace muchos años, siempre desde la autogestión. Lo que se repite al menos en la mayoría de las historias de artistas es una relación compleja con el concepto de “éxito”. La palabra “Yate”, además de estar específicamente asociada a la serie ‘Yatch Rock’, simboliza ese éxito que es por momentos ridículo.”

“Me río de mí mismo tratando de tener éxito”. Valiosa opinión y sinceridad.

-¿Sos de cuidar y priorizar también la estética y el diseño dentro del producto que ofreces?-

-Totalmente, la estética es algo que me llama mucho la atención y es muy sutil el manejo que requiere, tanto en audio, imagen, letras, etc. En “Hanganga” y “Waiata” yo mismo diseñé las tapas y todo el contenido. En “Yate” trabajé con Guido Périç, que hizo el diseño de la tapa y todas las fotos. Con Guido somos amigos desde la adolescencia y es un capo, eso me permitió trabajar muy cómodo y tranquilo, siempre confié en su criterio.-

-En “Cintas Con Vos” priorizas lo analógico por sobre lo digital ¿Es algo que llevas también al día a día en tu vida, ese desapego de la tecnología y las redes sociales, por ejemplo?-

Hoy en día rechazar lo digital sería algo necio. De por sí grabo en la computadora. Soy una persona nostálgica, y lo analógico para mí representa eso. Por eso disfruto jugar con las cintas, o un juego de NES. Es un poco masoquista en un punto. No tengo especial apego a las redes sociales, no me fluye compartir todo lo que hago por esos canales, pero como casi todos hoy, tengo una maldita adicción al aparato ¿alguien lo niega? Además, al menos en Argentina, si no estás en Instagram, medio que no existís, es extraño. Quiero que la gente a la que le interesa se entere de los lanzamientos y fechas, y eso me mantiene en redes.-

María Pien en guitarra y voces, Ala Moro en percusión y voces, Rodo Ruiz Díaz en teclas, Melanie Williams en batería y Lucila Pivetta en bajo. Esta es la banda con la que Guli toca en vivo y va a seguir haciéndolo en el 2019. “Admiro mucho a todxs”, declara Bucich.

“Diviso en el horizonte un dueto con Jeff Lynne tipo Pimpinela”, acota con humor.

-Para conocerte un poco más ¿Cuál es, si existe, el artista que te cambió la vida y te motivó a hacer música?-

Absorbí muchísima música de chico, por mis viejos, y mi tío especialmente. Creo que mis primeros amores fueron The Beatles (siguen siendo el amor de mi vida), Genesis, Peter Gabriel, Yes. Discos de esas bandas fueron mi primer entrada, después más de púber fui por el punk, y luego el metal, que me enseñó muchísimo.-

Una de las colaboraciones a destacar dentro del disco es la de “Ansia” junto a Juan Ingaramo. Guli dice que “Con Juan tenemos la mejor”, que todo se dio de manera fluida y que el cordobés “la clavó al ángulo”.

-¿A quién le adjudicas tu pasión por el groove?-

Siempre amé las baterías, fue mi primer instrumento. Mi abuelo me llevaba a ver bocha de bandas de Jazz de chico, y armó vaquita familiar para comprarme mi primera batería para mi cumpleaños. Creo que ya viene desde ahí la cosa. Aunque la palabra groove, y el amor más por lo negro de forma consciente es bastante reciente. Toda la música afro de los 70 me llevó inevitablemente a la evolución del groove que se dio en la música de iglesia negra. D’Angelo y Prince diría que son las claves.-

Guli no se considera un obsesivo: “En mis discos dejo ir muchas cosas con pequeños errores a los que me acostumbro y aprendo a querer. No me suele emocionar tanto la música toda perfectita, está bien que la gente se equivoque. Si ves los proyectos abiertos de “Hanganga”, son un desastre, están desprolijos en su edición y disposición. No soy obsesivo, pero aprendí a ser organizado a la hora de grabar y producir para estos últimos trabajos. Me gustan las tomas enteras, cuanto menos pinchada mejor.”

-¿Qué es la música para vos?¿Encontrás emociones similares en alguna otra disciplina artística o hobbie?-

-La música para mí es crear, hace bien crear. A mí me emociona ver nacer nueva música que se rescata del aire, las melodías están flotando y uno las rescata y las baja. Me encantaría sólo poder hacer música y que eso alcance para llevar la vida en ese mundo, pero no quiero perder el foco en que es un momento de juego y catarsis para mí. Disfruto mucho de cultivar y cuidar plantas también, encuentro emociones similares en eso.-

Para conocer más a fondo a este artista, te invitamos a que disfrutes de nuestra playlist de Spotify:

La Mono estrenó videoclip de “Demoledor”

El trío lanzó un primer adelanto de lo que será su nuevo disco de estudio. Las expectativas son altas luego del buen Experimento que realizaron hace dos años en su debut.


Con grandes influencias del grunge de Alice in Chains, la banda liderada por Gaspar Benegas (músico del Indio Solari y Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado) suena super afilada y ajustada. Es de esos tríos en los que ninguno de los elementos puede faltar, donde todos cumplen un rol fundamental.

La Mono se presentará el 16 de febrero en Niceto, donde presentarán varias nuevas canciones de éste segundo disco, que por ahora no tiene fecha de lanzamiento.