Primer concierto circular: Creciente+Lucho Guedes

El pasado sábado 19, Creciente abrió el año junto al cantautor Lucho Guedes y adelantó canciones nuevas en un IMMC colmado. Foto por Matias Tazza.

|Por Jeremías Laffitte|


Enero promedia y las propuestas musicales florecen en nuestra hermosa ciudad. Hacía ya bastante que nos debíamos ir a un Concierto circular, de los que tanto habíamos escuchado. Este ciclo, creado por Creciente, propone una experiencia interactiva que da envidia a los más creativos de Netflix.

La previa promete y demuestra un ambiente totalmente relajado, en el que el clima y la vibra general no podrían ser mejores. Un piano a disposición del público, gastronomía a precios amigables, un fogón en el patio y una familia de conejos que se pasean por entre los pies de los asistentes cuál gatos.

A las 22 horas, Leopoldo Juanes nos invita a acercarnos a la sala, donde introduce de manera muy afectuosa al primer artista de la noche, Lucho Guedes.  Él, a su vez, comienza a hablarnos de forma muy culta sobre su “apuesta anacrónica”, ya que dice que está haciendo “lo mismo que Homero, pero 22 siglos más tarde”.

De manera poco convencional, nos propone a hacer un pacto entre ambas partes del show, en el que desde el lado de los los oyentes entendamos a los personajes protagonistas de sus canciones como tales, y no los encarnemos en el autor que se encuentra presente en la sala.


Así, Lucho comienza un punteo suave en acordes cargados de séptimas mayores y novenas, y nos dejamos llevar por historias que van desde lo cómico y cotidiano a lo romántico, “pero en el sentido más siglo 19 de la palabra”.

Sus canciones son recientes y desnudas. Realistas, directas. Duras.

“Todas en algún punto son canciones de amor, no hay manera de hacer otra cosa” , se les escapa al compositor, que termina su espectáculo con “Las medias y la Cordura”, quizás su obra más conocida.

Habiendo estirado un poco las piernas, el público está listo para Creciente. Cuesta un poco construir una imagen acertada de lo que es este proyecto para quien no lo haya escuchado, pero una cosa sí resulta imperiosa:

Hay que reconocer que nadie suena más a Mar del Plata que Creciente.

El grupo (Batería, Contrabajo, Clarinete, guitarra criolla y voz) abre el fuego con “Mulos” y nos obliga a reconocernos, moviendo nuestro cuerpo lentamente. Las letras hacen referencia a los variados accidentes geográficos, a los personajes típicos y al particular clima de nuestra hermosa ciudad. Todos estos factores se suman a ritmos latinoamericanos y grandes ejecuciones instrumentales.

Un párrafo aparte merecen las hermosas instalaciones del IMMC (Chacabuco 3639). El ensayo abierto transcurre en un pequeño anfiteatro cerrado, en el que unas 80 personas se acomodan en el rincón que más cómodo les siente. Así, todos están cerca y son parte de este gran espectáculo, con la banda tocando en el medio de este círculo. Cuando llega el turno de “El Barquillero”, la gente ya es una parte activa del espectáculo.


Esa melodía de cancha nos invita a acercarnos a ese mítico personaje y su curioso método en el que todos los clientes “prueban su suerte”. Pero, como resalta Passeri, podía ser un 1 o 10, pero nunca 0. “Mareo en Re Menor” se postula como el mayor desafío musical de la noche para quienes interpretamos algún instrumento. Un compás peculiar nos recuerda a las olas y su caprichoso comportamiento, y viene a la mente una gran charla Ted dada por Leo Juanes, su compositor. Facundo Passeri se roba la atención de muchos con fills repletos de técnica y buen gusto.

Son las 00.00 y el ambiente festivo crece cada vez más. Los abanicos ya se desplegaron, los músicos ya destacaron sus habilidades para la zinguería y la colocación del nuevo extractor y sabemos que nos acercamos al final. Ingrid Bretschneider entona las estrofas de “Arrabal Atlántico” con un envidiable sentimiento y pinta un paisaje en el que los trabajadores del puerto abundan. Sin quererlo, el público une sus voces al canto de “llega la noche en la ciudad” y la alegría desborda.

A modo de mimo hacia el público, los cinco músicos regalan “Días de febrero” a modo de Bonus Track, para cerrar el show de la mejor manera.

Como marplatenses, debemos reconocer a este gran proyecto que no sólo materializa nuestra identidad en un nuevo género, sino que con sus Conciertos Circulares nos invitan a ser parte de un mundo en el que, por un rato, Mar del Plata es innovación, cultura, trabajo en equipo y buenas energías.

El próximo Concierto Circular

Este sábado 26 de enero se llevará a cabo un nuevo Concierto Circular en el IMMC junto a la compañía de circo Mano a Mano. Será nuevamente algo imperdible y sumamente recomendable.

Circo freak: “Nada tiene forma pero sí tiene sentido”

Circo Freak se presentó el pasado jueves en formato “acústico” en BPM y brindó una propuesta diferente con reversiones e inversiones de su propia discografía. Javo y el Croto hablaron sobre su próximo show en la Torre Tanque, el cambio de intenciones para la fecha y lo que se viene en el 2019.

|Por Jeremías Laffitte|


En nuestra ciudad, todas las tardes de enero tienen ese aire a sábado que trasciende lo que indica el calendario. La inentendible industria cervecera llena cada local que abre, dejando atrás el momento económico, y turistas y locales desfilan por la calle por largas horas. El centro comercial de Güemes no es la excepción y, en él, una propuesta única alberga a otra.

En BPM (bar, peluquería y música), Circo Freak prepara un acústico. El dúo que tanto ruido hace en la escena marplatense no nos tiene acostumbrados a espacios reducidos, canciones suaves o a nada que se asemeje a un recital en formato acústico. Sí, es cierto, tienen una guitarra acústica y, también es cierto, son solo dos músicos; pero todo aquel que se haya tomado un segundo para escucharlos sabrá que, de tranquilos, no tienen nada.

Ahora bien, Javo y Santiago (“El Croto”) sí nos tienen acostumbrados a shows impactantes y muy buen gusto en sus interpretaciones. Por eso, son las 22.40 y el bar (La peluquería? La tienda de vinilos?) está repleto. Los discos en las paredes, una exquisita musicalización en la que reina Led Zeppelin, Deep Purple y AC/DC, cervezas que van y vienen. En fin, el marco ideal para un show de este estilo.

Según nos cuenta Tute Feldman (cabeza principal de Algenia Producciones, organizadora del evento), el ciclo continuará con Platónicos, el próximo 31 de Enero. Febrero también se las trae con otras dos ediciones, pero por el momento los proyectos no son de público conocimiento.

Todo empieza con un ambiente pesado cargado de distorsión, phaser y una base rítmica que ronda el beat por segundo. Así, nos metemos en el “Planeta Terror”. El “Croto” tiene un envidiable set que le permite desempeñarse de la mejor manera y breves minutos después del primer acorde ya entendemos que no va a ser un recital típico de Circo Freak. Los gritos de Javo nos recuerdan a Chris Cornell, quien aparece místicamente en la tele con el videoclip de “Like A Stone” y causa sonrisas cómplices en el público.

“Ni vos, ni Dios, ni el Sol” nos traslada, a quienes formamos parte de Duias, a la gran versión de este tema que hizo el dúo cuando pasó por nuestro “En la Perla”. Muchos se sorprenden cuando Pato Sedano se sube a tocar el bajo en “Algo Está Mal”, pero, luego de las primeras estrofas, todo cobra sentido. Javo abandona las últimas cuerdas para desplegar solos de 2 o 3 minutos, en los que demuestra por qué da clases de guitarra. El uso de Slide, delays, Wah Wah y una técnica prodigiosa hacen que nos olvidemos que estamos escuchando una Takamine acústica y quedemos boquiabiertos.

Los más puristas o cancioneros buscamos forma en la estructura de los temas, pero Circo Freak nos dice que no. Ellos hacen lo que quieren con sus composiciones. Las modifican, recortan, alargan, paran y siguen. Y, como un guiño humorístico a lo que rezan en “El imperio del Sonido”, en este acústico nada tiene forma, pero todos lo entendemos a la perfección. Para terminar el espectáculo, una re armonización de “Reality Show” con acordes mayores y su himno: “Todo desde el Principio”.

¿Y el Payaso Malaleche? ¿No fue? En cuanto a ese tema debemos ser sinceros y sumarnos a la tradición del público seguidor de Circo de insultar a este personaje. Estuvo presente, sí. Pero su desempeño fue muy opaco. Quizás el lugar no era el ideal, pero debemos decirlo: El payaso nos recordó al mediocampo del seleccionado argentino en el último mundial, ya que estuvo desaparecido.

A las 00.15 suenan las últimas notas y sobran los aplausos. Pudimos acercarnos a charlar con el dúo, que nos contaba esto:

-¿Como ven este formato para el proyecto? ¿Surgió como un desafío propio o porque creían que se iban a abrir nuevas puertas?-

-Estaba la posibilidad de tocar acá en BPM. Yo (Javo) había tocado un show parecido a este hace dos años, pero solo, porque el Croto andaba en un viaje y ahora surgió la posibilidad de hacerlo de nuevo. Creemos que esta propuesta está muy buena, organizada por la gente de Algenia, y nos dio la oportunidad de cambiar un poco lo que veníamos haciendo, volando más para la parte instrumental. Tratamos de desarmar las canciones y no respetar tanto lo que está en el disco, sino liberarnos y tocar lo que pintara en el momento. Si bien en un acústico uno trata de hacer algo más suave y planeado, nosotros decidimos poder jugar un poco más con las intensidades, con los solos. Mirarnos un poco y dejarlo fluir.-

-El miércoles se presentan en la Torre Tanque, a las 20.00 hs. ¿Como se viene ese show?-

-El miércoles va a ser un show eléctrico mucho más potente que este, con invitados varios. Es la primera vez que tocamos en la Torre y está bueno porque antes de arrancar el verano nos propusimos hacer shows gratuitos y aptos para todo público. Era un poco la idea, como para que todo el que quisiera vernos pudiera hacerlo. No importa si tenes plata o no, si sos mayor o no, podes venir a ver el show.-

-¿Y el 2019? ¿Que nos va a traer?-

Estamos trabajando mucho con temas nuevos y, si llegamos, capaz el miércoles presentamos algo nuevo. Pero no prometo nada… La idea es ir sacando material nuevo a lo largo del año, pero todavía no sabemos de qué manera. Si en formato de disco, de singles… no lo sabemos. Pero material nuevo va a haber.-

Nuk Ronson lanzó su LP Homónimo

Nuk Ronson lanzó ayer su larga duración homónimo bajo el sello Pistilo Records. El mismo cuenta con 15 canciones de su autoría.


Todas las canciones fueron grabadas, mezcladas y producidas por Mati Ru en su habitacion. Algunas de las voces fueron trabajadas en Pistilo Records. La post producción y masterización estuvo a cargo de Isaac Astier.

El sello independiente de la ciudad ya había anticipado el lanzamiento navideño. Además, anticipó el lanzamiento de un nuevo disco de canciones inéditas de Piel de Polen. Si todavía no escuchaste el disco completo, acá lo tenés:

Kuripana Casapalma y Félix y Los Sin Fritz: Noche 1 de fiesta

Kuripana Casapalma y Félix y Los Sin Fritz brindaron anoche la primera de sus dos fechas consecutivas en el Centro Cultural A la Vuelta de la Esquina. Con la sala colmada y una presentación informal con músicos invitados, las bandas amigas dieron una fiesta descontracturada y necesaria.

|Por Jeremías Laffitte|


“Donde ccave uno ccaven dos”, y donde ccaven 2 ccaven más de 75 personas disfrutando de dos de las bandas más consolidadas de la ciudad. Como ya hemos dicho en Duias music en charlas previas con los músicos, ambos proyectos no solo se encuentran ligados por estilos musicales, instrumentación e influencias, sino que la amistad expuesta arriba del escenario y la profesionalidad con la que se encara a la propuesta hacen de estas, dos bandas casi hermanas.

La noche de viernes es calurosa y el timbre del ccave suena cada vez con menor lapso de distancia. Quien dice 21, dice 22 y, cerveza y charlas de por medio, el puntapié inicial llega. Todo empieza con el “Big Bang”, y quizás haciendo un guiño a la historia de la humanidad o por mera coincidencia, los Sin Fritz eligen este tema para debutar. Entre ambientes detallados, solos cargados de buen gusto y mucha energía, la banda invita a Milton, de Rondamon, para cerrar así su primer set. Como? Ya?

Todos nos preguntamos lo mismo hasta que nos lo explican: La propuesta es innovadora. Ninguna banda toca antes, ninguna después. ¿La solución? Como cuando había que compartir el Sega con nuestro hermano, un poco para cada uno. 4 o 5 temas, para dejar a la gente siempre con ganas de un poco más. Amalgamar ambos proyectos, unirlos mecha a mecha mediante la invitación de músicos ajenos en el último track de cada set y dejarle paso a la otra banda.

Kuripana Casapalma sube distendida, relajada y con mucha potencia. No faltan los chistes entre amigos, los gritos del público ni las cargadas entre proyectos. Nacho se saca las ganas de pegarle a las congas del negro Constantino; Félix, de cantar algunas estrofas de “Caminando” y Joaquín y Pablo se comparten el piano a cuatro manos.

La calidad musical sobra y el público lo entiende. Cumbias y tangos, candombe y canciones, todo pasa y sin darnos cuenta tenemos 14 músicos arriba de un escenario, festejando la música. Quedarán ganas de más, pero creo que de eso se trata. El sábado (HOY?) la noche se repite y no hay motivo para perderse este gran show.

“La Fórmula De La Belleza”, por Nacho DiMartino

Nacho DiMartino lanzó hoy “La Fórmula de la Belleza”, su segundo EP del 2018, en el cual reversiona 3 de sus obras en formato Soul. El guitarrista marplatense habló de todo en una entrevista imperdible. Fotos por Pogo.

|Por Marcos Gabarain|


El Disco

Las canciones que integran “La Fórmula de la Belleza” pertenecen al primer disco solista de DiMartino. Esta reversión es, según el propio artista, una deconstrucción neo soul de canciones originalmente pensadas para un formato de arreglo basado en fuentes acústicas”. El resultado es un trabajo de groove bien cuidado que inevitablemente te lleva a mecer tu cuerpo hacia todas las direcciones posibles.

La sesión de grabación fue hecha en DIAT (Dispositivo Integral de Abordaje Territorial) Casa Caracol, donde se trabaja la prevención y asistencia en los consumos problemáticos de sustancias psicoactivas. Un espacio para jóvenes en Mar del Plata, que fomenta políticas de inclusión a través de la cultura, el deporte, la música, la educación y el arte. En el lugar, cuentan con un estudio de grabación y mezcla a cargo del docente Federico Lenz. Quienes cursan su taller relacionado con el audio y sonido llevaron a cabo el proceso de grabación de forma excepcional.  

La mezcla y mastering fue hecha por Leo Poletto en Estudio Atenas. El arte de tapa, inspirado en un caracol y en forma de homenaje al lugar donde se grabó el disco, fue realizado por Juan Pedro Salomón.

La Entrevista

-¿Cuál es la fórmula de la belleza? ¿Existe? ¿La estás buscando?¿La encontraste?-

Vivo a la belleza como una forma de equilibrio. Supongo que la encuentro en esos instantes en que estoy equilibrado. El nombre del EP hace referencia a la proporción áurea, número al que se le atribuyen cualidades estéticas y el cual se encuentra en algunas figuras geométricas de la naturaleza. Por ejemplo, en el caparazón de un caracol.-

DiMartino tuvo que recrear sus propias canciones y llevarlas hacia un nuevo lugar. Sobre esto, declara que vive la música “como un estado de ánimo” y que “la reinterpretación de mi propio repertorio es algo constante”.”Siempre que toco cuento lo que me pasa, con la canción como móvil, como excusa si querés. Este EP es un testigo, una foto de algo que está en constante movimiento. Estas canciones fueron la herramienta que encontré a mano para contar lo que queríamos contar.”

-¿Has sentido muchas veces esa sensación de “Hoja en blanco” que expresas en “Horas”?¿existe una receta contra esa frustración de no lograr algo diferente?-

-Siempre está la hoja en blanco, el adivinar la expectativa del publico. Lo importante para mi es cumplir, tener el oficio de hacer algo. Lo excepcional pasará si alguno de nosotros vive ese momento de forma única emocionalmente. Retomo la idea de la anterior pregunta: la música es un estado de animo. Dependerá de mis emociones y de mis experiencias si ese día esa canción será épica o la voy a olvidar; si en ese show voy a dejarle algo al que este abajo para siempre, por un rato o en media hora no se acuerde mi nombre.-

Nacho DiMartino en la edición pasada de “En La Casita”

-Volviste a confiarle la mezcla a Leo Poletto ¿Qué es lo que aporta para el producto final?-

-Trato de que cada disco sea distinto. Leo es una referencia de mi adolecencia con Corderos, y hoy en su rol de ingeniero deconstruye ese mirada como músico a la mano de quien se especializa en el audio.-

La formación del trío se completa con Nacho Del Río en batería y Gonzalo Arecha en bajo. Confiesa DiMartino que son una maquina de tocar y de adaptarse a distintos escenarios y géneros (“Un grupo de personas que resuelven situaciones musicales“). “Santiago “El Tano” Peri (Guitarrista de Los Valses) dice que somos Los Simuladores, cuenta con una mueca.

-Hace unos meses te proclamaste como un “hacedor de canciones”. Visto y considerando que este es tu segundo lanzamiento en lo que va del año ¿Sigue habiendo material inédito que pueda convertirse en material de estudio para el 2019?-

-Claro que si, ya estamos grabando el próximo disco, lo tenemos a un 60% mas o menos. Tenemos la baterías y bajos listos, y ahora trabajamos los teclados y las guitarras. Para este nuevo disco, decidí no hacer canciones y directamente tocar. Están a cargo Matias Arano (Luzparís) y Seba Quintanilla (Científicos del Palo). Va a ser un disco de diez canciones, y por primera vez me estoy tomando mucho tiempo para grabarlo. Los criterios de producción y mezcla van a estar muy en su oreja.-

DiMartino es un melómano de impronta blusera (“está en mi estructura ósea”), y nombra a los grandes del género como T Bone Walker y Elmore James como referencias: “Esta esa falsa idea de que el blues es una nota en una escala, y que los clásicos de ese repertorio estuvieron ahí siempre, pero no. Alguna vez Robert Johnson hizo el mismo proceso para hacer Sweet Home Chicago que el que hizo Lennon para hacer “Imagine” o Dylan para hacer “Blowin’ In The Wind”. Desde ahí salgo al mundo”.

También, cuenta una anécdota sobre Pedro Aznar que lo tocó:  “En el 99 lo conocí, fue jurado en los bonaerenses. A los nenes que estábamos ahí escuchando su devolución sobre nuestras presentaciones, nos sugirió a quienes hacíamos canciones que guardáramos todo, que grabaramos todo. Lo aplico, y realmente funciona.”

-¿Como fue estudiar guitarra con Pino Marrone?-

-Mi papá me despertaba los domingos a la mañana con el desayuno y ponía un vinilio. Muy regularmente era “Los Delirios Del Mariscal” de Crucis. Nunca se me hubiera ocurrido llamarlo, por vergüenza, por creer que no estaba a la altura. Mañas clásicas de quienes estudiamos con docentes berreta de chicos. Pero en ese momento estudiaba con “El Mono” Fontana y el me sugirió que lo contacte. Al principio me dio mucha vergüenza, pero fue un antes y un después. Realmente entendí como tocar después de esas clases. Habrá mil formas, las que él sugirió con su ejemplo fueron las que a mi me sirvieron.-

-¿Que artistas te inspiran en este momento?-

Einstein y Foucault me inspiran hoy. En menor medida Fhilip Kotler, Garcia Loca y Slavoj Zizek. El único artista de los que nombre (en lo formal por lo menos) es Garcia Lorca, pero sinceramente mi inspiración hoy no pasa por el arte. Me encanta el último disco de PJ Morton (Gumbo), el primer disco de Tanque y Gary Clark me parecen hoy lo mejor que tiene el mainstream, pero esa sensación de inspiración como la primera vez que escuché Led Zeppelin hoy no me pasa con músicos, sino con un físico, un teórico social o un experto en mercadeo.

-¿Seguís estudiando guitarra?-

-Es una pregunta compleja, porque estudiar un instrumento puede querer decir muchas cosas. Yo reconozco tres formas de relacionarse con el instrumento: La vanidad, la incorporación de nuevos conocimentos y el trabajo diario en la puesta a punto del instrumento.-

Hay un método en su día a día: “Trato de hacer trabajos técnicos todos los días, sumados a ejercicios para los músculos de la mano, cuerdas vocales y mucha agua. Una vez por semana me siento a ver material nuevo de estudio, y trato de ir incorporándolo.” También, el marplatense advierte que en el arte “Nadie gana ni pierde”: ” Quien se pare en ese pedestal, desconoce completamente el lenguaje del arte”.

A la hora de reconocer a sus ídolos musicales, el guitarrista eligió con el corazón a su padre, Leopoldo DiMartino, a Luis Alberto Ludueña y Alejandro Dini. “Cuando era un nene quería tocar como ellos. Hoy sigo queriendo tocar como ellos e intento generar a los demás eso que ellos me hacían sentir a mi cuando tocaban”, confiesa.

El 2018 no fue un año fácil para Nacho, “Pero eso se transformó en discos, proyectos y cosas nuevas”. Su desafío para el 2019, aunque sabe que no lo cumplirá, es “quedarme quieto y dejar de cruzar fronteras, pero va en contra de mi naturaleza”.

Un músico en constante movimiento, en constante inspiración, un humano constante. En el enorme sentido de la palabra.

 

El Enchastre de Louta en el TRI

Nuevo disco, nuevo show. Luces, colores, baile y la teatralidad con la que Jaime James tiene cautivados a sus fanáticos.

|Por Tomás Vidal|


El Club Tri es sinónimo de algo bueno. Siempre te llevás una sonrisa o pasás un lindo rato. Si a eso le sumamos un performer como Louta, es muy difícil que salga mal. Ya al entrar podías sentir la expectativa en el aire, se estaba preparado algo. En el escenario podías ver un banco, un poste de luz, girasoles y una pila de basura. Esa era tu primera impresión y pensás: “¿Qué hará con todo esto?”.

A las 22 en punto arrancó todo. James apareció con su habitual chomba y pantalón de vestir, acompañado de dos bailarines. “Uacho” invadió el lugar con su dubstep y con un show de luces perfectamente coordinado con los movimientos de Louta y compañía. “Te estoy mirando a los ojos”, casi a los gritos. Desde un principio nos dimos cuenta cómo sería este show: todo premeditado, guionado, una especie de obra de teatro de impacto. Pero esperen, que uno intuya cómo puede ser un espectáculo no quiere decir que no haya lugar para las sorpresas.

Después de “Somos Tan Intensos” llegó “Palmeras”. Se sintió un cambio en el clima con este trap cargado de auto tune, mucho relax y la primera conexión fuerte con el público que cantaba cada letra con mayor énfasis. Louta los tenía donde quería, él lo sabía. Y todo fue baile con “Sigo Sin Entenderte”, primera canción del primer disco que sonó en la noche. Pero por supuesto que no sería la única.“Cuentitos” volvió a poner al nuevo disco en la escena. A pesar de que el álbum tiene poco tiempo de vida, el público devolvía cada letra con fervor. “Enchastre” se apoderó del ambiente, con su rap energético y con un sonido aplastante, graves que te empujaban hacia abajo mientras Louta tiraba un “me hace alto ruido no poder llamarte más”.

“Todos Con El Celu” cayó con su funky carioca y la gente eloqueció. Uno de los highlights de la noche, sin lugar a dudas. En especial cuando se subieron al escenario dos personas disfrazadas, dos osos gigantes con cabezas de bolas de espejos que terminaron la canción fundidos en un beso.

Aunque no es tan frecuente en su música, otra vez apareció el auto tune en “Abrir Tu Corazón”. Una balada introspectiva pero que a la vez nos muestra un Louta que contempla todo lo que lo rodea. “Quiero que frenes el tiempo y mires la lluvia flotando en el aire, buscando un lugar”.

Le siguió “Ayer Te Vi”, canción del nuevo disco que tiene como invitada a Zoe Gotusso, integrante del dúo Salvapantallas junto a Santiago Celli.

“Cuadradito De Prensado” puso a todos a bailar. Con ese ritmo de cumbia pero con un beat que te sacude, Louta interpretó un tema que ya es fija en cada una de sus presentaciones.

“Una base de Miranda! para el rock, una frase de Atahualpa para el pop”, canta en “Chocolate”. Quizás sea una de las mejores frases para resumir lo que intenta hacer Louta: desarmar lo conocido y crear algo nuevo, sin seguir ningún tipo de instrucción.

“Puede Ser” nos muestra nuevamente a un James más meloso y reflexivo, llenando el Club TRI de una vibra muy relajada que te invita a moverte con su ritmo. Por si todavía no lo viste, te dejamos el video oficial de este track que es el encargado de abrir Enchastre.

Apenas terminó “Puede Ser”, dos pibes con el mismo look de James subieron al escenario. Ambos sostenían un marco que tenía de fondo una tela con una estampa de un cielo con nubes. En el medio, Louta. “Alto Uach” empezó a sonar, esa canción que mejor explica la definición de “crocante por fuera, blandito por dentro” que el propio cantante se aplicó. “Yo te quiero con estilo porque soy alto uach, yo te quiero como a nadie, nada me frena”. Se vivió un momento de complicidad con el público, en donde Louta se equivocó un poco con su letra y comenzó a reírse por un segundo, pero la gente continuó la letra con fuerza y se cerró todo con un gran aplauso y una muestra del cariño que el artista tiene con sus fanáticos.

“Que Bien Que Estoy” cerró el show. Lo loco de esta parte fue una especie de mash up de “El Meneaito“, “Freakytona”, “Papichulo” y “Gasolina”. Después pidiéndole a todos que se agachen (“hasta el que saca fotos, vos también”, tiró) para incorporarse al canto de “saltando, saltando, saltando”.

Una hora exacta. Eso fue el show de Louta en Mar del Plata. Un espectáculo que está pensado y trabajado de principio a fin. Y que resulta tremendamente dificultoso de catalogar, porque está más allá de la música o del teatro. Es un golpe visual y sonoro que descoloca y desafía a más de uno. 

El final es una muestra de lo que es Louta. Una ovación total por parte de los presentes, el agite del artista, los brazos en la cintura mientras se alimenta de la energía de sus fanáticos. Él necesita de esa fuerza que le transmiten, necesita el griterío feroz del público que lo pone como uno de los personajes ya no del indie sino de la música nacional.

Fotos por POGO

Seba Toyos lanza su ópera prima en medio del caos

El marplatense Seba Toyos lanzó la semana pasada su primer disco “Principio”, un trabajo auto producido que viaja entre los “no géneros” actuales y la nostalgia de la música pasada con el fin de bailar, pensar y salir a andar. Radicado en Buenos Aires pero con aires costeros, el músico habló sobre sus inicios, sus gustos y el proceso de grabación.

|Por Marcos Gabarain|


El disco

Toyos se ocupó de grabar todos los instrumentos, salvo por las baterías (obra de Guido Barciulli, de Laos) y unas ocasionales voces por Manuela Sisti (ambos en Estudio Bulo).

“1996” abre cual “Himno de Mi Corazón” con una batería electrónica y colchones infinitos de teclado. No solo existe una similitud desde lo rítmico (luego se traslada a un trap sentimental), sino que se puede sentir una intención pura y humana desde la voz, así como lo hace Miguel Abuelo en una de sus canciones más emblemáticas. Siempre está esa canción en la que el artista declara su humanidad. Bienvenida sea.

“Bailando En El Espejo” es una receta magistral para sobrevivir un apocalipsis anunciado. Desde los estridentes teclados a la furia guitarrera, la canción elige disimular y no disimular sobre las cosas que están sucediendo. Para bien o para mal, Toyos siente la urgencia de declarar en contra y a favor de todo, en un grito de liberación.

Foto por Matias Calzolari

Luego de la furia, “Dream” te cobija con la sutil batería de Guido Barciulli  y te sienta en el asiento de acompañante para un lisérgico viaje pop entre la lluvia y las galaxias. Los arreglos distorsionados a puro Chorus de la guitarra de Seba recuerdan a aquellas que tanto distinguen a Adam Granduciel (The War On Drugs), por la intención de cautivar dentro de la melodía. Un gran silencio te despide de una de las canciones más ruteras del disco.

La pista de baile vuelve a la escena con una contundente lírica en “Tiroteo”. Su primer frase te congela de inmediato (“Por favor, no me disparen”), en una secuencia que denota teatralidad distópica y una realidad siempre nefasta, como lo es la represión policial. Aún así, ante tanta negatividad (“Voy a caer en cualquier momento”) el momento de la canción es el siguiente: “Estar vivo es un movimiento”. Aplausos.

Toyos tocando con Firpolar. Foto por Lucía Matis

“Amor”: El Seba Toyos dulce y encantador recrea un romance onírico desde su guitarra a lo John Lennon y cautiva con su voz en menos de tres minutos (“Me enseñaste a confiar en mí”). Todo está dicho en una balada minimalista y efectiva.

Sin saberlo, el viaje continua y se acerca a su fin. El disco se hace muy llevadero, sus diferentes climas y objetivos rítmicos hacen que se disfrute mucho. La voz de Toyos es singular y de una afinación justa, ideal para un sinfin de mambos y contra-mambos. En “Hablar”, esas cuerdas vocales oscilan “entre laberintos”  y son acompañadas por un ciclico teclado.

El epílogo es “Night“: una obra con guitarras al frente a lo “OK Computer”, lo suficientemente contundente (se me acaba de ocurrir) para decir adiós. Los golpes de la percusión hacen de los últimos minutos un trance hacía otro día. Las teclas te llevan hacia la puerta. Eso es lo que define al disco, te acompaña a que salgas al mundo, desde la visión de un veinteañero. ¿Que más querés?


La Entrevista

-¿Cuál fue tu primera experiencia con la música? Lo más lejano que recuerdes en tu infancia?-

Me crié en una familia de músicos. Mis viejos son músicos de orquesta, y mi hermano mayor es contrabajista. Así que la música estuvo muy presente desde siempre. Los recuerdos mas fuertes que tengo son de mucho flamenco, los Beatles, de escuchar las bandas que le gustaban a mi hermano y de pasar las mañanas dando vueltas por el teatro mientras ensayaba la orquesta.-

-Mencionas a John Lennon, Prince, Charly García y Frank Ocean como tus influencias ¿Cómo llegaste a estos artistas y que obtenes de cada uno?-
Creo que fueron los “pilares” que circularon durante la creación de este disco, como inspiración y como puntos a seguir. Lennon representa para mi la sensibilidad y el buen gusto, es como indiscutible. Charly es el ir para delante de frente y cagarse un poco en la mirada ajena, pero con una calidad y una delicadeza increíble. Prince es la autenticidad y el perfeccionismo a través de una dedicación absoluta a su obra. Y Frank Ocean creo que reúne un poco todo lo anterior pero desde la perspectiva del mundo actual, con la independencia como impronta artística.-
-En tu disco te encontrás una variedad de géneros e intenciones, que van desde el synth pop, a la psicodelia y el trap ¿Crees que hoy en día todo puede convivir dentro de la música?-
Creo que es algo tan intencional como inevitable. Los géneros son del siglo pasado. Hoy cualquier tipo de música es accesible para todos y pueden convivir perfectamente. Podemos escuchar lo nuevo de Tyler the Creator y de Mala Fama, por la misma plataforma, en cuestión de minutos e investigar las herramientas para analizarlo. El desafío es hacer algo creativo con toda esa información.-
-¿Cómo es la sensación de grabar un disco por cuenta propia?¿Cual es la exigencia de auto producirse?-
-Es todo un proceso, mucho prueba y error. Hay momentos de obsesión injustificada en los que todo te parece que es malo, y momentos de auto descubrimiento muy lindos. Es muy necesario poder tomar distancia de la obra para tener objetividad, pedir opiniones y alejarse un poco para volver a trabajar con la mente fresca. También hubo toda una parte de mezcla y mastering de la que no me hice cargo por una cuestión de inexperiencia.-
-¿Cómo llevás los dias posteriores al lanzamiento?¿Estás pendiente de la recepción y la cantidad de reproducciones?-
-Bastante nervioso, sobre todo en este disco que es el primero. Quería que todo se vea de una manera linda y se entendiera el concepto. Estoy pendiente pero trato de relajarme porque es muy cansador. En definitiva, si la idea está bien lograda y te manejas con cierta “prolijidad”, el mensaje va a llegar a donde tenga que llegar, y de ahí seguir construyendo y mejorando.-

Foto por Camila Flores

-¿Sentís a la actual situación socio económica del país como una inspiración para tu trabajo? en “Bailando En El Espejo” hablas sobre un cambio en el mundo e intentas alejarte de eso con el baile.-
Es una inspiración y a la vez es un condicionamiento. El disco lo hice pidiéndole la computadora prestada a mi novia, y quizás en otro contexto socio económico hubiera optado por otras condiciones. “Bailando” tiene que ver con eso, pero mientras todos están bailando, nuestro mundo está cambiando y hay espejos en algún lado que inevitablemente muestran la realidad. Es un poco un llamado de atención para aquellos que siguen bailando mientras todo se va a la mierda. Esa frase está relacionada con todo el cambio generado por el movimiento de mujeres. La idea del baile como antídoto también es correcta. Cualquier interpretación es válida, no hay un solo significado.-
-La letra de  “1996” es una declaración de principios ¿Cúanto hay de autobiográfico en la canción?-
Es autobiográfica y es un desahogo, la necesidad de amigarme con todo lo que soy, gritarlo, y empezar desde ahí. Que sea el primer tema del disco fue una decisión absoluta.-

Foto por Camila Flores

-¿Quedaron canciones afuera de “Principio”?¿Planeas grabarlas en el futuro?-
Quedaron canciones que venían dando vueltas desde antes de empezar con “Principio” y algunas ideas sueltas que fueron quedando en el camino. Probablemente arme un EP el año próximo con algunas de las mas viejas y algunas cosas nuevas.-
-¿Qué objetivos te planteas para tu carrera?-
-Siento que hay grandes cosas por delante, en principio intentar vivir de esto, crecer a nivel artístico y de producción, ser cada vez más directo y que eso sirva para algo, tener un equipo de trabajo cada vez mas profesional. Es el “principio” de una decisión de vida. Producir a otros artistas también me encantaría.-

Leo Ferro y DeMarco Project lanzan el EP “Perspectiva”

Leo Ferro (SLNT) y los hermanos Agüero (Demarco Project) lanzaron hoy su EP en conunto “Perspectiva”, un trabajo de soul electrónico de ritmo downtempo plagado de atmosferas.

|Por Marcos Gabarain|


“Fvga” emerge calmo y profundo desde las teclas, mientras que entre golpes lentos de beat y reverberaciones Leo Ferro jura que “hay luz en cada rincón/y hay destrucción”. En la segunda y última canción, que le da nombre al EP, los casi tres minutos se sienten como una intermitencia sensual de trip hop bailable. El resultado es azúcar en el oído y en el esqueleto, un cúmulo de buen gusto para la instrumentación y las voces tejidas entre la percusión y los sintetizadores.

Para que un proyecto como este funcione, usualmente se dividen las tareas. En el caso de Leo Ferro, el marplatense se dedicó a escribir la lírica de ambas canciones, mientras que Luis y Hector Agüero se encargaron de los arreglos musicales, la mezcla y el mastering del producto. Asdrúbal Gómez, viejo colaborador de SLNT, entregó un arte de tapa erótico y abstracto.

Parcels lanzó finalmente su disco debut

La agrupación australiana Parcels lanzó hoy su esperado disco debut. La placa homónima llega en un momento de ascenso en popularidad y con el empujón del miembro de Daft Punk, Thomas Bangalter.

|Por Marcos Gabarain|


Formada en 2014, y actualmente con base en Berlín, Parcels ha mostrado tintes de su fineza pop en sus lanzamientos anteriores, los EP Clockscared yHideout

Su música consiste de retazos de música disco y electronica sumada a las bases cargadas con el bajo de Noah Hill y las teclas de ambos Louie Swain y Patrick Hetherington. El histórico Thomas Bangalter, de Daft Punk, produjo el single “Overnight” luego de verlos en su primera presentación en vivo en Francia.

Bajo el sello galo Kitsuné, editaron su primer disco, una producción propia que según ellos mismos “tenía que ser la representación más pura y real de nosotros como personas y músicos”.

Los límites en sus canciones cada vez son menos, y la posibilidad de realizar un larga duración los muestra mas confiados, ya sea en la épica “Everyroad”, en la bailable “Lightenup” (uno de los singles que fue lanzado con videoclip oficial) o en la serenata popera “Yourfault”.

Grabado en el Mesanic Studio de Berlin, Martin Waschkowitsch se encargó de la ingenieria de sonido y la mezcla, mientras que la masterización estuvo en manos de Zino Mikorey.

La voz de Jules Crommelin, sumada a unas armonías melosas por parte de la mayoría de sus compañeros, son la receta perfecta para un combo sabroso. Parcels es hoy en día uno de los futuros bastiones del pop elegante. Habemus future.

Recomendado del día: “To Pimp a Butterfly” de Kendrick Lamar

Un clásico instantáneo. Después del tremendo éxito que le significó Good Kid, M.A.A.D City, el Rey confirmó por qué es el mejor de nuestra era. Un chico que salió de las entrañas de Compton, entre pandillas y pistolas, y que terminó viviendo un sueño, un sueño que no siempre es como uno quiere.

|Por Tomás Vidal|


¿Cuántos raperos lo intentaron y fracasaron? A lo largo de los años, vemos como cientos de nuevos artistas aparecen de la nada con un hit y se quedan sólo en eso, en una canción, un pequeño instante en el que el reflector del ojo público se posa sobre ellos. ¿Esa parte es dificilísima de conseguir? Por supuesto. Pero aún más lo es seguir ese camino, no equivocarse en su próximo paso. Kendrick es uno de esos, de los que tienen claro lo que se tiene que hacer para llegar a ese lugar, con los sacrificios y las responsabilidades que eso conlleva.

Kendrick dio ese siguiente paso el 15 de marzo de 2015. Los dos años que pasaron entre To Pimp a ButterflyGood Kid, M.A.A.D City, no fueron suficientes para explicar todas las emociones que sintió el jóven de Compton. Abrumado por el éxito de su disco de 2012, K-Dot se dio de frente con una realidad que le era totalmente extraña. Ya no era aquel chico que escuchaba Tupac en su Toyota blanco mientras recorría su barrio con sus amigos, era algo más. Él abrió las puertas de Compton al mundo y le mostró a su comunidad cómo era el mundo de verdad.

TPAB fue lanzado por el sello Top Dawg Entertainment, que es parte de Aftermath Entertainment, todo bajo el ala de Interscope Records. Y cuando tenés a alguien como Dr. Dre en la producción de tu disco, primero es una presión enorme pero también es una tranquilidad de que nada va a quedar librado al azar.

No sólo Dre estuvo involucrado en el armado del álbum. Pharrell Williams, Thundercat, SounwaveFlying Lotus, Terrace Martin, Taz “Tisa” ArnoldKnxwledgeRahki, LoveDragon y Boi-1da integran el plantel de lujo de productores que estuvieron a cargo de ensamblar cada uno de los 16 tracks.

Comprender la fama, sobrellevar el sentimiento de culpa de haber dejado atrás el barrio, enfrentarse a las tentaciones de su nuevo estatus, ser consciente de lo fugaz que puede ser el éxito. Todo esto es TPAB. G-Funk, R&B, Jazz, Soul y rap consciente son algunos de los géneros que tan bien se acoplan en este proyecto.

Uno no puede dejar de pensar en TPAB como un álbum más. No es un compilado de canciones sin sentido o que su único objetivo sea meter ese single en la radio y nada más. Kendrick le da importancia al disco como un concepto general, hay una historia detrás. En este caso, el eje central es cómo no se deja crecer a esa mariposa porque están prostituyendo su belleza (de ahí el término Pimp que hace referencia a un proxeneta). Un concepto que lo divide en tres líneas argumentales bien marcadas que sirven como un reflejo de lo que el Rey percibe tanto en su interior como lo que ve a su alrededor en la comunidad negra en los Estados Unidos.

“Welsey’s Theory” es la encargada de abrirnos las puertas de este maravilloso mundo. Con las colaboraciones de George Clinton y Thundercat, K-Dot nos presenta ese “pimping” de la mariposa, en el que la mariposa sería él mismo, tras evolucionar desde su estado de oruga. Aunque también se puede interpretar que el insecto no sería solo Kendrick, sino la multitud de artistas negros que fueron consumidos por el mundo del espectáculo. Un ejemplo es el actor Wesley Snipes, al que hace referencia el nombre de la canción, quien fue juzgado por evasión de impuestos y pasó tres años en la cárcel.

Como bien dice Dre en el break del track: “You said you wanted a spot like mine / But remember, anybody can get it / The hard part is keepin’ it, motherfucker” (Dijiste que querías un lugar como el mío / Pero recuerda, cualquiera puede tenerlo / La parte complicada es mantenerlo).

En “For Sale?” juega una especie de slam poetry, un juego de poesía entre una voz femenina y la suya. Este track sigue la línea del primero, respecto a cómo el mundo del espectáculo puede prostituir a los artistas. Un interludio lleno de jazz que sirve para mostrar la forma en que Estados Unidos trata y ha tratado continuamente a los negros en un intento de devaluar su carácter y disminuir su autoestima.

“King Kunta” fue lanzada como el tercer single del disco. Con Kendrick siempre hay algo más que sólo música, hay un mensaje, hay historia detrás. Y libros, muchos. Algo que Tupac también tenía, esa capacidad de leer historias, internalizarlas y luego las plasmaba en una hoja. K-Dot lo hace todo el tiempo y te obliga a que redirecciones tus pensamientos a ciertos personajes históricos o a hechos concretos, en especial de la historia negra. En este tercer track, tal vez el más “radial”, hace referencia a Kunta Kinte, un esclavo negro gambiano del siglo XVIII que es conocido por su resistencia a la opresión, al cual le cortaron su pie derecho por sus continuos intentos de escape, y que inspiró la serie televisiva “Roots” (1977). Lo toma, no sólo como ejemplo de luchador, sino que también se sirve de su figura para ejemplificar lo que fue su propia trayectoria, desde que era un chico atrapado en Compton hasta el día de hoy.

El video oficial es un homenaje a su barrio, su comunidad. En una atmósfera funk cargada de un aire siniestro y reminiscente del rap y Hip-Hop de los 90, nos muestra a Kendrick recorriendo varios de los lugares representativos de Compton, siempre bien rodeado por sus amigos.   

Una curiosidad que aparece por primera vez en este track es que se escuchan los dos primeros versos del poema que Kendrick va desarrollando a lo largo de todo el disco.

“Institutionalized” nos presenta una cuestión clave del disco: la inclusión de pasajes instrumentales extraídos del jazz, funk y neo-soul entre versos y coros. Mientras Kendrick rapea, estos pequeños destellos comienzan a jugar sobre la pista con nuestros sentidos, desde violines y saxo, pasando por arpeggios y hasta clarinetes añadidos en una producción sin fisuras.

Sin dudas, este track sirve para analizar los cambios que su nuevo estatus produjeron en él. Habla de cómo mucha gente se ciega con el dinero, y al mismo tiempo recuerda los consejos de su abuela, que le decía que para que las cosas cambien, debes actuar, no esperar a que suceda. “Shit don’t change, until you get up and wash up your ass nigga”. Por su parte, Snoop Dogg le recuerda que por mucho que quiera no puede desprenderse totalmente de su barrio porque siempre va a llevar sus costumbres y sus recuerdos allá donde vaya, pero debe intentar ser un lider para ellos.

Probablemente, “These Walls” sea el verdadero arranque del disco. Se trata de una canción compleja, en la que se abordan diversas cuestiones y en el que las paredes que aparecen en el título cobran un significado sexual o introspectivo. Kendrick juega con el oyente recitando al principio una estrofa de carácter sexual, que al final del tema descubrimos que va dirigida al hombre que asesinó a un amigo suyo ( del que ya nos habló en su anterior disco), y que actualmente cumple condena en prisión. El juego de palabras de K-Dot introduce en capas unas paredes metafóricas y otras literales: las “paredes” de la vagina de una mujer, las “paredes” de una celda de prisión y, en última instancia, las “paredes” de su mente y conciencia. Kendrick usa este concepto para explorar el sexo, el abuso, su propia carrera, sus enemigos y la psique humana.

Al final del track, Kendrick sigue ampliando el poema que se extiende a lo largo del álbum, con unos versos que dan paso a la siguiente canción.

“u” es la canción más intensa de TPAB,  desde un punto de vista emocional. Kendrick mira profundamente en las oscuras cavernas de su corazón para exponer los pensamientos negativos que plagan su mente, hasta el punto que se refiere a sí mismo como “un maldito fracaso”. El propio cantante habló sobre qué representó hacer un tema como este: “Esa fue una de las canciones más difíciles que tuve que escribir. Hay momentos muy oscuros ahí dentro. Todas mis inseguridades, egoísmos y decepciones. Esa mierda es deprimente como un hijo de puta. Pero ayuda, sin embargo. Ayuda”.

El video oficial es como nos habíamos imaginado que sería, con un Kendrick encerrado en una habitación de un hotel, con una botella en la mano, recriminándose todo lo que hizo mal y sin saber qué hacer a continuación. ¿Cuándo será el momento en el que de el paso hacia la actuación, verdad? Potencial tiene, y mucho.

La esperanza llega en “Alright”, un pasaje lógico despúes de un track devastador como “u”. Acá nos dice que a pesar de todo lo malo que describió anteriormente, al final todo saldrá bien. Puede parecer una canción optimista, que ejerce de contrapunto a la anterior, pero por la atmósfera general que tiene, por su instrumental y por la forma de rapear, en el fondo Kendrick no está tan convencido de que las cosas se arreglen al final. Aunque tiene el toque de Pharrell Williams, alguien que conoce lo que es la felicidad.

Esta canción en especial tuvo un fuerte impacto en el verano de 2015, un momento en donde la tensión racial en los Estados Unidos estaba en un pico peligroso. Los activistas del movimiento Black Lives Matter gritaron “vamos a estar bien” para llorar a las innumerables personas negras asesinadas por la policía y para dar esperanzas de un futuro mejor.

En los BET Awards de ese año, Kendrick interpretó “Alright” sobre un coche de policía, destacando además el propósito de la canción como protesta contra la brutalidad policial.

Además, esta canción hizo que K-Dot se llevara dos premios Grammy, uno por Mejor Canción de Rap y otro por Mejor Perfomance de Rap.

El octavo track es otro interludio, “For Sale?”, que viene a jugar como la contraparte de aquel primer “For Free?”. Ambas canciones se relacionan con su valor como músico, y cómo eso trasciende en su valor como persona. En “For Sale?” nos encontramos con Lucy, otro nombre de mujer que aparece en un disco de Kendrick. Anteriormente, en Good Kid, M.A.A.D City tuvimos a Sherane. Aunque en este caso no es ninguna mujer, sino un diminutivo de Lucifer, una presencia que representa todas las tentaciones que el dinero y la fama traen consigo. El diablo anhela que Kendrick se entregue a sus vicios, sea materialista y se divierta con él, dejando de lado su creatividad.

En “For Free?” critíca la cultura que alimenta la creencia de que los músicos y las personas famosas tienen que mostrar todo el dinero que tienen, como que esa es su única función. Acá, combina esa crítica con la naturaleza seductora del estilo de vida hip hop, llámese a esto la cultura del bling, y la idea de que una vez que un artista firma un contrato y recibe su adelanto, todos sus sueños se harán realidad.

La influencia de Andre 3000 siempre está presente con Kendrick. Un ejemplo es el uso de varias voces, lo que destaca la habilidad de K-Dot de ponerse en la piel de varios personajes, algo que enriquece sus versos y ayuda al oyente a diferenciar cada uno de alter egos presentes.

Acá volvemos a compartir el video “God is Gangsta”, ya que incluye tanto el sexto track “u” como “For Free?”.

En “Momma” describe su crecimiento personal y la autorrealización que experimentó después de haber perseverado contra las tentaciones y sus luchas internas. Por un lado, la canción se puede interpretar como el recuento de sensaciones que provoca en Kendrick regresar a su barrio, ya que tras salir de él se siente invadido por cierto sentimiento de culpa. Sin embargo, el sentidoque mejor engloba al tema lo encontramos en el tercer verso, donde nos cuenta su encuentro con un chico que le recuerda a él de pequeño, un encuentro que se produjo durante un viaje que Kendrick hizo a Sudáfrica en 2014. Así podemos pensar que el título hace referencia a África, y que de lo que él nos está hablando acá es de un retorno a sus raíces.

“Hood Politics” es un recuerdo de lo dura que es la vida en el barrio. Un track que se acerca más a la temática general de su anterior disco, pero que funciona a la perfección para advertirnos de que Kendrick tiene muy presente a Compton y a sus problemas. A pesar de que se reserva un montón de críticas, hace un foco especial con su argumento dirigido contra el racismo institucionalizado.

A su vez, pone al gobierno estadounidense y a la estructura política al nivel de las pandillas, llamándolos “Demo-Crips” y “Re-Blood-icans”.

Algo que cabe destacar también de este track es el guiño que le da a Killer Mike, rapero de Atlanta que integra el dúo Run the Jewels. A pesar de no tener grandes ventas comerciales, Kendrick reconoce que es uno de los más respetados compositores de la industria. Sin antes criticar a aquellos que dicen “extrañar cuando se rapeaba en el Hip-Hop” (Critics wanna mention that they miss when hip-hop was rappin’ / Motherfucker if you did then Killer Mike would be platinum). El propio Killer Mike respondió este halago y dijo: “Me sentí como cuando un jugador de básquet felicita a otro jugador de básquet. Eso es un cumplido; nadie puede entender lo realmente genial que es eso a menos que seas un jugador de básquet”.

“How Much A Dollar Cost” es esa canción que tenés que mostrarle a alguien que no conoce a Kendrick. Acá podemos disfrutar en su máximo esplendor la habilidad narrativa del Rey, el detalle en la descripción de las situaciones y cómo nos sumergimos lentamente en la historia, como si estuviésemos ahí con él.

La historia que cuenta es la de un encuentro inesperado con el Todopoderoso. Después de negarse a darle un dólar a un vagabundo (creyendo que lo gastaría en crack), el hombre se revela ante K-Dot como Dios. Al parecer, este encuentro realmente sucedió durante su viaje a Sudáfrica, en una estación de servicio.

Kendrick habló con MTV en su momento y explicó que esta era una historia real. “Estos son momentos de mi vida más profundos que sólo darle a alguien un dólar”, dijo. “Estos son verdaderos momentos de integridad, ser capaz de hablar con alguien. Hablar con él fue simplemente un agradecimiento de Dios. Y sentí a Dios hablando a través de él para llegar a mí”, añadió. En otra entrevista, le preguntaron sobre el significado o el mensaje que quería transmitir con esta canción, a lo que Kendrick respondió: “Ayudar a la mayor cantidad de personas que puedas, si querés vivir para siempre”.

La cuestión racial entra de lleno en “Complexion (A Zulu Love)”, el 12º track de TPAB. Esta canción nos muestra a Kendrick rapeando sobre problemas de autoestima relacionados con el color de la piel y la importancia de amar todas las formas de negro, sin importar cuán claro u oscuro sea. El coro se refiere a la cruel discriminación que sufrió la tribu negra Zulu en Sudáfrica por el color de su piel, durante las políticas racistas del apartheid del país africano.

El track cuenta con la colaboración de Rapsody, rapera de Carolina del Norte. La cantante reconoció que se suponía que Prince iba a aparecer en la canción. “Lo que me enloqueció es que Kendrick originalmente dijo que no quería hacer un verso allí. Él quería que yo hiciera dos versos y que Prince hiciera el gancho”, afirmó. K-Dot rápidamente confirmó que esta potencial colaboración era cierta. “Prince escuchó el disco, le encantó el disco y el concepto del disco nos hizo hablar”, dijo. “Llegamos a un punto en el que estábamos hablando en el estudio y cuanto más tiempo pasaba nos dábamos cuenta de que no estábamos grabando nada. Se nos acabó el tiempo, así de simple”.

“The Blacker The Berry” fue el segundo single del disco y es sin dudas una de las canciones más destacadas del disco. Kendrick sigue abordando cuestiones raciales, esta vez con un tono mucho más crudo y violento. Esta apasionada y racialmente cargada canción presenta letras que celebran su herencia afroamericana, mientras aborda temas sociales y de odio. El rapero de Compton concluye refiriéndose a su propia hipocresía de estar indignado por el asesinato en 2012 del adolescente afroamericano Trayvon Martin mientras la violencia de las pandillas sigue asolando los vecindarios.

El título de la canción proviene de la novela del mismo nombre de Wallace Thurman de 1929, que explora el colorismo y la discriminación racial dentro de la comunidad negra.

Este track desnuda cómo la estructura de la sociedad estadounidense sigue oprimiendo a los afroamericanos. “You hate me don’t you? / You hate my people, your plan is to terminate my culture / You’re fuckin’ evil I want you to recognize that I’m a proud monkey”, reza con orgullo.

“You Ain’t Gotta Lie (Momma Said)” es un mensaje podero sosobre el purgatorio en el que los artistas y raperos pueden entrar si no son estratosféricamente exitosos, pero no lo suficientemente anónimos como para regresar a su barrio sin recibir atención no deseada. Hay trasfondos raciales aquí, y el uso del imaginario negro estereotipado pinta a Kendrick como una figura del barrio; pero se puede aplicar a otros aspectos de la vida, donde se siente la presión de actuar de cierta manera.

El lado racional de Kendrick está advirtiendo al oyente que no mienta por respeto o beneficio personal. Esto refuerza el mensaje del álbum, tal y como se refleja en temas como “For Sale?” y “For Free?” donde critíca a aquellos que piensan que el rap es solo dinero y poder.

“i” fue el primer single que pudimos escuchar de Kendrick después de Good Kid, M.A.A.D City. En una entrevista con el programa radial Hot 97, reconoció que esta fue la mejor canción que escribió porque nunca pensó que tendría el estado mental correcto para hacer algo tan positivo después de estar rodeado de tanta negatividad en Compton.

El track rodea la idea de la necesidad de tener confianza en sí mismo para sobrevivir en este mundo. A pesar de este mensaje esperanzador, K-Dot reconoció que esta canción surgió durante un momento en el que estaba bastante abajo. “El track se siente genial; se siente bien”, afirmó. “Pero proviene de un lugar depresivo. Surge de un lugar de inseguridad. No sólo por los demás, sino por mí mismo. Tengo que lidiar con muchas cosas a nivel personal. Cosas con las que vos lidías, con las que todos lidiamos”, añadió.

“Entonces, toca tantas cosas diferentes, en cuanto a la igualdad dentro de nosotros como seres humanos, y la aceptación mutua”, continuó K-Dot. “Gente que quiere suicidarse; gente que simplemente no se respeta a sí misma o que no le gusta cómo se ve, siente, habla, viste y no acepta lo que es”.

Kendrick intenta recuperar la palabra “N” como fuente de orgullo negro explorando sus raíces en la versión extendida de la canción. En una entrevista con NMEen 2015, admitió que todavía no se siente preparado para omitir el uso de esa palabra en sus letras. “Lo más cercano a eso que puedo hacer es poner la palabra raíz, negus, en mi álbum. Pero no creo estar preparado mentalmente para dejar de usar la palabra N. No lo sé, tal vez algún día. Estos son 27 años practicando esa palabra, probablemente la estoy diciendo desde que tenía un año de edad”, se lamentó.

“Mortal Man” es el cierre perfecto para un disco perfecto. Inspirada por un viaje a la celda de Nelson Mandela en Robben Island em 2014, esta canción de 12 minutos encuentra al chico de Compton con la esperanza de continuar el legado del icono sudafricano. Kendrick explicó en MTV: “Estamos tan confinados con el odio y queremos señalar los defectos de la gente que no vemos la imagen general de lo que están haciendo. Y se ha hecho con líderes mucho antes de que yo llegara. Se lo hicieron a Jesucristo, el Señor y Salvador, ¿me entiendes? Entonces, ¿quién soy yo? Sólo soy un hombre, por eso lo llamamos ‘Mortal Man ‘”.

Lo maravilloso de este track final es la conversación imaginaria con su mentor e ídolo Tupac Shakur, haciéndole preguntas sobre cómo lidió con la fama y el éxito, hablando sobre la cultura negra, racismo, y también preguntándole sobre lo que le espera a su generación. Los fragmentos del fallecido rapero fueron extraídos de una entrevista radial de 1994 del show sueco P3 Soul. “Las respuestas que Pac me va dando son respuestas para el hoy. El mundo tiene que escuchar esto, y tiene que hacerlo en gran escala. Tengo esta oportunidad y quiero agradecerle a su madre por permitirme usar la voz de su hijo como una luz positiva”, dijo Kendrick al respecto.

“Creo que terminó la canción en una hora, más o menos”, declaró el co productor Sounwave. “Simplemente fluía de él. Probablemente lo tenía todo guardado desde que volvió de África. Salió tan natural que se sintió como que estaba esperando por este track”.

Al concluir la canción, Kendrick finaliza el poema que llevaba recitando de forma fragmentada a lo largo del álbum. Un poema que trata sobre el racismo, la violencia de las pandillas y las dificultades personales. Cada parte se relaciona con el tema que sigue. En “Mortal Man”, cierra el círculo recitándolo de manera completa.

Un viaje maravilloso, una obra de arte por donde se la mire. Sin lugar a dudas, Kendrick está un escalón arriba de todos los raperos de nuestra era. Muestra de un carácter fortalecido y de una enorme madurez, To Pimp a Butterfly es el disco correcto por el artista correcto en el momento correcto. Sarcástico, teatral, caótico, irónico y triste, a veces todo a la vez. Todo el repertorio en 16 tracks que son una locura. Eso sí, no es para nada complejo. No es uno de esos álbumes en donde se necesitan un par de escuchadas y nada más. Tiene mucha información, mucho consejo, mucho testimonio. Con tanto qué procesar, este proyecto es digno de repetir una y otra vez, hasta que el mensaje cale hondo en uno. ¿Estamos ante el mejor trabajo de Kendrick hasta la fecha? Absolutamente.