Tamaryn llegó con su pop a corazón abierto

Tamaryn se presentó por primera vez en la ciudad de Mar Del Plata el pasado viernes en Teatriz, donde Tomates En Verano ofició de telonero. La fecha mostró una paleta de colores pop y noise compatibles a los tiempos venideros. Fotos por Claudio Gustavo Torres.

|Por Marcos Gabarain|


Los viernes son el alivio de la semana, sin lugar a dudas. No para todos, pero la mayoría de las personas ya siente otra energía en el cuerpo. Fue bueno empezar el fin de semana con una artista internacional en la ciudad. 

A la musicalización de Romina Lee le sumó a la previa expectativa y gente dispersa por la amplia sala de Teatriz. Tomates En Verano se subió al escenario con su noise melódico y un Pedro Moscuzza que no pareció perder nunca el tacto y el ritmo.

Carina Monjeau puso al frente su bajo, y su voz se entremezcló con los arrebatos sonoros del guitarrista Ignacio Giobellina. La banda se mostró siempre agradecida y supo lidiar con unos desajustes de sonido que desvanecieron al corto tiempo.

El plato fuerte de la noche no tardó en venir. Tamaryn dispuso de un guitarrista y un bajista, sumados a una bien mezclada pista que aseguró que la neozelandesa se sintiera a gusto arriba del escenario. Las luces y el humo tuvieron un rol importante para seducir al salón, que se fue colmando en la antesala, y establecer el ambiente de pop retorcido y escénico.

Como había anticipado la propia cantante en dialogo con Duias Music, no se refirió al público salvo por un modesto “Thank You”. No es su costumbre. Prefirió entablar una comunicación a través de la voz y sus súbitos movimientos corporales.

El show de Tamaryn fue muy bueno, conciso y lleno de emociones palpables: Teclados estridentes, melodías cargadas de nostalgia y ritmos variados que se trasladaron al público.

Es una artista que busca lo crudo de la expresión, lo más primal posible para que sea limpio y genuino. La oceánica pelirroja basó su presentación en la entrega de 2015 “Cranekiss” y algunos singles lanzados en el último tiempo. Su inminente disco “Dreaming The Dark” será una buena prueba y estoy ansioso por oírlo.

No es algo usual que tengamos material de otro continente en Mar Del Plata, y siempre es bueno acudir y apreciar. Cada show que llega tiene que mostrar y llevar a un crecimiento.

Iroko en el Colón: ritmo primal

El ensamble de Música fusión africana Iroko presentó su espectáculo anoche en el Teatro Colón, en lo que fue la segunda y última función del verano en el espacio municipal. A pesar del frío, El público se acercó y deliró ante los tambores. Fotos por Bautista Prusso.

|Por Marcos Gabarain|


A un lunes tan frío le hacía falta el ardor del tambor. Justa y precisamente, Iroko fue la solución. Con una muy buena convocatoria y una puesta en escena a puro color, el grupo que germinó en la escuela de percusión africana Bembé hizo danzar y danzar.

Cerca de las 23:30, el director musical de la banda Fernando Waiman apareció a través del telón, y en la intemperie del medio escenario, se sentó a introducir el espectáculo con su N’goñi. Una nota final atravesó el aire, el telón se alzó hacia el techo del Colón y el espectáculo dio su estocada inicial con más de 15 músicos en escena.

El show no pudo estar más pulido, con cada tuerca aceitada y un cambio constante de roles que hizo del proceso algo muy dinámico y fluido. Coros, clarinetes, cambios de vestuario, máscaras, baile y texturas africanas de fondo ilustraron una y otra vez ese pulsar de tambores que proviene desde muy adentro.

Entre subidones de ritmo y el acompañamiento del público, la conexión fue orgánica. El ritmo siempre es el que te lleva, y el lenguaje es universal. Un claro ejemplo de dicha universalidad es cuando se fusionó la musica africana con el candombe.

Créanme que estoy haciendo el máximo de mis esfuerzos para describir algo que claramente hay que presenciarlo. El trance es único y sólo se palpa in situ.

El final fue algo asombroso: después de unas emotivas palabras por parte de Waiman, la última fusión de la noche incluyó a 4 bailarines folklóricos y a todos los participantes en el escenario. De repente, los tambores dieron un golpe que desembarcó en un río caudaloso de aplausos y gritos.

Promediando las 01:30 de la medianoche, todo ser que presenció a Iroko en el Teatro recibió una revitalización en la sangre, un ritmo primal que galopa como el corazón y las moléculas de aire en la tierra. Quien cree que en esta ciudad no hay propuestas diferentes, desafiantes y a pulmón, no es de mi agrado. Esto es autogestión, sudor y ambición por brindar algo especial.

Brindo por Iroko y por la Escuela de Percusión Bembé

Gastón De La Cruz lanzó “Continuum”

El guitarrista Gastón De La Cruz lanzó el disco “Continuum” con una formación envidiable que ejecuta un jazz ecléctico con sello local. Influencias, amigos invitados y la continuidad inocua del género.

|Por Marcos Gabarain|


El Disco

“Continuum” se grabó en Artefacto el pasado 8 de octubre por Agustín Seresini, quien se encargó también de la mezcla. A De La Cruz lo acompañan Matías Rivara en trompeta, Federico Viceconte en saxo tenor, Pedro Carignan en contrabajo y Luciano Monte en batería.

Luego de una “Intro” entre seductora y caótica, con algún que otro estallido de baterías, trompetas y guitarras, “Continuum” se abre paso con la primera parte de “KBZ (La Turca)”, una especie de vals jazzeado y conducido por la trompeta sorda de Matias Rivara.

La “parte 1” desemboca en la “Parte 2 (Elemento Parcial)”, donde la intención es lenta y sincera, hasta que la base rítmica de Luciano Monte y Pedro Carignan te llevan hacia una especie de de embrujo floydiano. Las lineas de trompeta y saxo tenor, ejecutadas por Rivara y Viceconte, son estocadas de emoción y serenidad en el momento justo.

En “KBZ III” los créditos van para Monte y su batería sincopada, descentrada, arrebatada. Riesgos acelerados que recuerdan al Radiohead más jazzero de “In Rainbows”. De La Cruz muestra sus dotes de arreglador medido y sigiloso, con arpegios recurrentes que brindan estabilidad y una secuencia de colchones de cuerdas eléctricas.

Ya promediando el ocaso del disco es cuando De La Cruz saca a pasear su guitarra. “KBZ IV” comienza con su intención a flor de piel, una bigüela de tono cuidado y unos platos distantes para endulzar lo que luego se convierte en una danza que hechiza con los caños.  Luego de unos abruptos cortes, llega el momento de que Carignan haga valer la fortaleza de sus dedos con un solo de contrabajo rebuscado y solemne. Mientras tanto, Rivara sopla desde una cúpula distante con una trompeta llena de eco. Hacia los minutos finales, el también miembro de Niki Lauda agarra la posta con una distorsión para la ocasión y pela un rato.

La quinta y última parte de “KBZ” comienza amenazante y serpentea alrededor de la leve instrumentación de batería, con otra gran presencia de Carignan en contrabajo. La complejidad de las canciones emergen hasta las rebuscadas melodías de ésta, donde una especie de “pregunta y respuesta” de los vientos hacen una dinámica salpimentada con buen gusto. A este juego de líneas se suma De La Cruz al mando de un solo ascendente y descendente que genera una ruptura hacia algo más cargado.

“Rio Nanchy” es el arrivederci. En 4 minutos, las escobillas de Luciano Monte cargan la atmósfera y le dan ese aspecto lluvioso a la obra, que pulula con olor a mar. La selección de canciones está friamente calculada como para que la intensidad y los momentos álgidos puedan disfrutarse.

La Entrevista

-¿Cuál fue tu primer contacto con el Jazz?-

-En principio, cuando fue por elección, me acerque a la parte más fusionera con Scofield. Un amigo me pasó el link de “Up All Night” y algunas cosas sueltas de “Uberjam” y me dijo: “mirá escuchá esto”. Al principio no entendí nada, por que yo tenía otra estructura de lenguaje musical en la cabeza, pero me encantó. De ahí me puse en contacto con Seba Del Hoyo, que fue mi primer profe del género. Empecé a estudiar composición también. Siempre me gustó hacer mi música, al principio fue muy frustrante por que yo tocaba hacía como 10 años  la viola y fue como empezar de cero, jaja.- 

-¿Cómo te sentís al entrar a un estudio?-

-Me encanta. De muy chico supe que quería vivir con la música, y poder hacerlo y dejar un registro de eso me parece fantástico. Para mi la música es una celebración. Por otro lado, está siempre la exigencia de hacerlo de manera profesional, formarse, ir con una idea clara sobre cómo querés que suene el disco y tocar bien, obvio-

-¿Qué experimentas al grabar tu propia música?-

-De vuelta, es una celebración. Imaginate que uno trabaja sobre una idea, le da vueltas y formas al asunto, llama a los músicos, con todo lo que eso implica, se juntan a tocar tu música y hacen que todo suene bien. En el mejor de los casos, se involucran colectivamente en el proyecto y todo eso después queda plasmado en una obra. Por más que quizá a la distancia lo escuchás y decís “bueno no me gustó tal cosa como la toqué o como quedó”,  hay una energía en la situación de entrar al estudio que creo que vale por si mismo. Para mi es una suerte de ritual.

El proceso de composición de las canciones fue, según el propio guitarrista, “un proceso largo, por que no lo hice pensando voy hacer un disco que se llame “x”… y toda la cosa de antemano”. Algunas obras se originaron gracias a una materia de armonía que Gastón estaba cursando en el momento. Radiohead juega un punto crucial en el “mood” de los temas, y De La Cruz admite que “Si bien los discos del grupo son todos diferentes, creo que tienen un audio que vos decís “son estos tipos”. Y un poco eso es lo que quería que tuviera la música de esta serie, que escuches todos los temas por separado pero sintiendo que se parecen un poco entre si y son parte de una unidad, o una Continuidad, justamente (en relación al título del álbm)”.

-¿Creés que tu música tiene una proyección que excede al jazz?-

-Pienso que si, pero no como una instancia superadora, ni en pedo. Simplemente por que creo que como a muchos músicos de mi generación, no sólo que nos criamos escuchando otra música y el bagaje es distinto, y eso es algo que aflora y hace al lenguaje de las composiciones. Yo creo que el jazz es una música en constante movimiento y es dónde más libre me siento.-

-¿Qué aportaron los músicos invitados a la dinámica de las canciones?-

-Los llamé para tocar por que los conozco, sé como tocan y además comparto otros proyectos con muchos de ellos, entonces sabía que iba a ser fácil de hacer sonar. Son músicos que están en constante actividad. Fue todo un desafío, por que siempre grabé discos en grupo, y aunque compusiera y llevara todo muy resuelto, siempre había una instancia de consenso entre todos. Acá no. En un momento, les pregunté a los músicos qué opinaban si usaba un trémolo en un tema y me dijeron: “Es tu audio, tu música”.-

“Continuum”, el nombre del disco, surgió al final del proceso. De La Cruz optó por el concepto para reafirmar la idea de serie, de una unidad. Algo que empieza, transcurre y finaliza pero nunca deja de ser parte de un mismo devenir“. En un principio, la idea era utilizar la palabra en castellano, “Continuo”, pero decidió no hacerlo ya que “se me adelantó Avishai Cohen”.

El disco tendrá una presentación en vivo, aunque las canciones que conforman el mismo ya han sido ejecutadas en vivo en varias ciudades del país (Rosario, Bahía Blanca), pero Gastón también admite que “ a contramano de lo que se puede pensar lógicamente, para mi el cierre fue grabar la música. La presentación será una formalidad, pero ya lo hemos tocado y lo seguiré tocando.”

“Yo creo que es lo bueno de este género. La música se reinventa en cada toque. En este momento estoy escribiendo (y estudiando ¿cómo?) arreglos de música mía para un ensamble un poco más grande, un noneto. Eso me tiene más entusiasmado, siempre pensar en lo que viene.”

Venvs lanzó su disco debut, “Intro”

Venvs lanzó este mes su primer disco “Intro”, una producción 100% marplatense de groove que oscila entre el funk, el R&B y el folk.


Venvs es el proyecto de Facu Díaz, músico local que comenzó a gestar las canciones que formarían parte de “Intro” en el año 2017 junto a los hermanos Alan e Ivo Rodriguez Grassi. Radicados en Capital Federal, los Venvs contaron con el aporte del bajista David Bucchieri y el tecladista Sebastián Cadorin (“Miel”) en la grabación del disco, que se llevó a cabo en Laboratorio de Sonidos y La Sonoteca.

El arte de tapa fue realizado por un amigo de la casa, el diseñador gráfico e ilustrador Agustín Panaggio. “Intro” pasa los 15 minutos de duración, y tiene planeado en el futuro cercano el lanzamiento de un videoclip de la canción “África”, obra que abre el disco.

Locales Rock y Del Hoyo Trío se presentaron junto a la Sinfónica

Locales Rock y Del Hoyo Trío unieron fuerzas anoche y brindaron shows de alto calibre junto a la Orquesta Sinfónica Municipal.

|Por Marcos Gabarain|


Sebastián Del Hoyo y su trío mágico fueron puntuales para dar el primer golpe de una velada muy especial. Puyol y Dellasalletta acompañaron de manera suprema al reconocido músico marplatense. El guitarrista dejó fluir el diapasón, y su música se acopló magistralmente con una orquesta sinfónica que tuvo sus momentos de alto brillo. Entre banda y banda, la orquesta interpretó “Mambo”, una emocionante pieza de West Side Story escrita por Leonard Bernstein.

Inmediatamente después, hace su aparición Locales Rock y abre su show meta carnaval y clarinetes. En “Candombe Del Polo”, la unión de la pieza con la “Sinfonía Del Nuevo Mundo” (de Antonín Dvořák) fue un momento espectacular que tuvo de todo: armonías vocales y explosiones sinfónicas. La misma fue dedicada al padre del cantante y guitarrista Lucas Rodríguez Gianneo, quien se encargó de arreglar las canciones para la orquesta.

Del Hoyo subió al escenario y reafirmó su estatus de guitarrista superior para la ultima canción, la combativa “América Latina” que despidió una propuesta diferente y por demás interesante, con dos grandes exponentes de la música marplatense y una Orquesta Sinfónica Municipal que se acerca a los 100 años de historia

 

Guli editó su tercer disco “Yate”

Guli abrió el 2019 con el lanzamiento de su tercer disco “Yate”. La placa combina en menos de media hora un funk peposo con arrebatos soul y grandes invitados. Entrevista a fondo con Agustín Bucich, el mandamás de su propia secuencia que exige menos redes sociales y más groove. Foto por Guido Péric.

|Por Marcos Gabarain|


El Disco

Unknown Mortal Orchestra, Arcade Fire, psicodélia, Parliament Funkadelic, cintas y ese histrionismo del último Childish Gambino. Eso es algo de lo que se percibe como corriente musical para “Yate”, disco auto producido que contó con la mano de Carlos Laurenz en la masterización.

Obertura“: inicio del disco con sonidos en reversa, hiper acelerados, arreglos de cuerda y pulso de soul. “Cintas Con Vos” es un Funk anti digital que fue lanzado con videoclip. Bajo efervescente con slap sabroso y autotune eficiente (alta rima). “No creo más en las vueltas, amor”. Maria Pien suma su voz para el estribillo. El final, abierto.

Arriba” es aceleración y órganos sincopados para un Guli enamorado que seduce y admite: “Yo solo pienso en vos”. “Ansia” incluye a Juan Ingaramo en otro de los singles lanzados en la antesala de la presentación del larga duración. La canción más inquieta del disco entrelaza los bellos tonos de Guli y el cordobés en un estribillo que es una explosión disco. La historia de una noche de “churrito” y bailongos que uno siempre necesita.

Bebé Volvé” tiene, desde lo rítmico y el ingenioso título, un guiño al clásico de Playe, junto a un sensual saxo (“Fue intencional”, admitió). Como en la mayoría de las canciones del disco, la atmosfera transpira groove desde la instrumentación. En esta canción, la batería marca una pulsación sincera que induce al cruce de miradas.

La música de Guli tiene condimentos y mejunjes muy especiales. Tal es el caso de “Ave Fénix“, en el cual uno puede sentir una lisergia lo-fi amalgamada con un groove ochentoso de teclados beatle. Algo de magia se desprende en esta y otras obras más.

MMBF” es el “Legalize It” del indie argentino, una especie de Raggamuffin que implora por la no clandestinidad de la marihuana (“Es espiritual/Es universal”). Ca7riel aporta su flow y carisma. Para el final, este viaje cósmico de R&B flashero llega al eclipse con “No Hay Nadie” junto al Goyo Degano (Bandalos Chinos).

Se entiende que Guli quiere emanar diversión y sabor. Además de eso, en “Yate” podemos ratificar su paleta de colores rítmicos y su amplio abanico de recursos. Sus gustos personales están bien plasmados y eso sin ninguna duda lo ubica como un artista completo.

La Entrevista

-A la hora de empezar a armar el sucesor de Waiata ¿Qué aspectos del disco anterior permanecen en “Yate” y cuales no?-

-Yate lo siento como el cierre de una trilogía que se forma junto a Hanganga y Waiata, para después pasar a otro concepto. Lo que une estos tres discos es algo del modo de arreglar las canciones, pensando en métodos de producción del pop de los 60,70 y 80: Batería, bajo, guitarras, teclados, y voces. Los une el ruido de cinta, y el groove también. Tiene una evolución en el audio, está más prolijo, y tiene un mastering hecho por Carlos Laurenz que lo lleva a otro nivel.-

-También me quiero referir al método de grabación ¿El ritual sigue siendo el mismo a la hora de maquetar y producir la música?-

-En este último disco el método de producción fue distinto, empezando todas las canciones desde un teclado Yamaha barato que tengo en casa, y siempre pensando en hits de fines de los 70 como inspiración. A partir de ahí, fui armando los arreglos y líneas de bata. En los dos anteriores todo empezó desde las baterías, mics y a grabar ritmos, sin saber que iba a meter arriba. Yate es más cancionero.-

Desde el lado emocional, los cambios son miles y el Guli del disco anterior es otro: “los años son muchos en uno, todo lo emocional que pasa en estos tiempos no podría ponerlo acá”. Además, Agustín admite que en esta nueva placa está en un lugar de “jugar un poco al ridículo. La busqueda del ‘éxito’ nos hace mal muchas veces, y en estas canciones me estoy riendo de ese sueño extraño.”

-¿Por qué elegiste a “Cintas Con Vos” y “Ansia” como el primeros adelantos del lanzamiento?-

-No tenía una sola preferencia como primeros singles, fueron debates del equipo de trabajo y decidimos que sean esos, que son hiteros a su manera. El ft. de Juan en “Ansia” me encanta como quedó, siempre sentí que esa melodía le iba bien a su flow. “Cintas Con Vos” fue el primer tema del disco que compuse. Flasheaba con Michael McDonald y me parece que está bueno que ese momento de inspiración inicial sea la primera muestra del material.-

A la hora de transmitir sus sentimientos en una obra, Guli confiesa que “Para mí es algo catártico, no lo pienso demasiado. El trabajo es más el de ordenar y organizar esas ideas salientes de la catarsis.” El artista también admite unas influencias muy marcadas de una época anterior, como lo son Steely Dan, Michael McDonald, Prince, Christopher Cross, Supertramp y Electric Light Orchestra, entre otros.

Soy músico desde hace muchos años, siempre desde la autogestión. Lo que se repite al menos en la mayoría de las historias de artistas es una relación compleja con el concepto de “éxito”. La palabra “Yate”, además de estar específicamente asociada a la serie ‘Yatch Rock’, simboliza ese éxito que es por momentos ridículo.”

“Me río de mí mismo tratando de tener éxito”. Valiosa opinión y sinceridad.

-¿Sos de cuidar y priorizar también la estética y el diseño dentro del producto que ofreces?-

-Totalmente, la estética es algo que me llama mucho la atención y es muy sutil el manejo que requiere, tanto en audio, imagen, letras, etc. En “Hanganga” y “Waiata” yo mismo diseñé las tapas y todo el contenido. En “Yate” trabajé con Guido Périç, que hizo el diseño de la tapa y todas las fotos. Con Guido somos amigos desde la adolescencia y es un capo, eso me permitió trabajar muy cómodo y tranquilo, siempre confié en su criterio.-

-En “Cintas Con Vos” priorizas lo analógico por sobre lo digital ¿Es algo que llevas también al día a día en tu vida, ese desapego de la tecnología y las redes sociales, por ejemplo?-

Hoy en día rechazar lo digital sería algo necio. De por sí grabo en la computadora. Soy una persona nostálgica, y lo analógico para mí representa eso. Por eso disfruto jugar con las cintas, o un juego de NES. Es un poco masoquista en un punto. No tengo especial apego a las redes sociales, no me fluye compartir todo lo que hago por esos canales, pero como casi todos hoy, tengo una maldita adicción al aparato ¿alguien lo niega? Además, al menos en Argentina, si no estás en Instagram, medio que no existís, es extraño. Quiero que la gente a la que le interesa se entere de los lanzamientos y fechas, y eso me mantiene en redes.-

María Pien en guitarra y voces, Ala Moro en percusión y voces, Rodo Ruiz Díaz en teclas, Melanie Williams en batería y Lucila Pivetta en bajo. Esta es la banda con la que Guli toca en vivo y va a seguir haciéndolo en el 2019. “Admiro mucho a todxs”, declara Bucich.

“Diviso en el horizonte un dueto con Jeff Lynne tipo Pimpinela”, acota con humor.

-Para conocerte un poco más ¿Cuál es, si existe, el artista que te cambió la vida y te motivó a hacer música?-

Absorbí muchísima música de chico, por mis viejos, y mi tío especialmente. Creo que mis primeros amores fueron The Beatles (siguen siendo el amor de mi vida), Genesis, Peter Gabriel, Yes. Discos de esas bandas fueron mi primer entrada, después más de púber fui por el punk, y luego el metal, que me enseñó muchísimo.-

Una de las colaboraciones a destacar dentro del disco es la de “Ansia” junto a Juan Ingaramo. Guli dice que “Con Juan tenemos la mejor”, que todo se dio de manera fluida y que el cordobés “la clavó al ángulo”.

-¿A quién le adjudicas tu pasión por el groove?-

Siempre amé las baterías, fue mi primer instrumento. Mi abuelo me llevaba a ver bocha de bandas de Jazz de chico, y armó vaquita familiar para comprarme mi primera batería para mi cumpleaños. Creo que ya viene desde ahí la cosa. Aunque la palabra groove, y el amor más por lo negro de forma consciente es bastante reciente. Toda la música afro de los 70 me llevó inevitablemente a la evolución del groove que se dio en la música de iglesia negra. D’Angelo y Prince diría que son las claves.-

Guli no se considera un obsesivo: “En mis discos dejo ir muchas cosas con pequeños errores a los que me acostumbro y aprendo a querer. No me suele emocionar tanto la música toda perfectita, está bien que la gente se equivoque. Si ves los proyectos abiertos de “Hanganga”, son un desastre, están desprolijos en su edición y disposición. No soy obsesivo, pero aprendí a ser organizado a la hora de grabar y producir para estos últimos trabajos. Me gustan las tomas enteras, cuanto menos pinchada mejor.”

-¿Qué es la música para vos?¿Encontrás emociones similares en alguna otra disciplina artística o hobbie?-

-La música para mí es crear, hace bien crear. A mí me emociona ver nacer nueva música que se rescata del aire, las melodías están flotando y uno las rescata y las baja. Me encantaría sólo poder hacer música y que eso alcance para llevar la vida en ese mundo, pero no quiero perder el foco en que es un momento de juego y catarsis para mí. Disfruto mucho de cultivar y cuidar plantas también, encuentro emociones similares en eso.-

Para conocer más a fondo a este artista, te invitamos a que disfrutes de nuestra playlist de Spotify:

Los “Fetiches” de Río Pardo

Río Pardo lanzó el pasado viernes su segundo LP “Fetiches”. El pop y el ritmo ascienden de manera vertiginosa a través del disco, y el dúo compuesto por Nacho Bellusci y Lio Quiroga habló al respecto.

|Por Marcos Gabarain|


El Disco

“AlgoRitmo” es un seudo trap melancólico con una melosa voz de Quiroga. Obnubilados sintetizadores elevan el aire en la secuencia pre baile, donde la vorágine de sonidos te lleva a otro lado, para que la sorpresa disco sea más eficiente. Para el genial videoclip, colaboraron estos amigos de la banda: Aruki, Diego Montoya, Belén Marón, Carla Saldutti, Synergy Benton, Emi Mendez, Juan Goñi, Juan Manuel Hernando, Juan Pablo Battista, Manuel Donamaria, Martina Marcos, Muriel Arroyo, Victoria Giovachini y Ezequiel Parodi.

“F.L.A” comienza con la voz de Nacho Bellusci al frente en un pop muy cuidado que depende mucho de su marcado ritmo. La sensación que dan los “sintes” en esta pieza es que estamos en un remake de Blade Runner, pero acá por la zona. El estribillo adquiere proporciones intergalácticas con armonías finas y una reverberación que los coloca en el espacio exterior (“Ya sabés tu flash te dice que es igual/La verdad del mar se puede desarmar”). Sin lugar a dudas, es uno de los fuertes de “Fetiches”.

“Simular Singular” es un proto funk lineal que no pierde pisada y se vuelve una aventura animada cargada de guitarras y coros implícitos. La belleza reside en la unión de ésta con “Viento Amigo”, una ópera de meditación anti ficción (“Un espejo que cree poder copiar/ ese brillo en tus ojos que parece universal”) que bien podría formar parte de los últimos dos trabajos de Arcade Fire.

Como requiem final, “Fetiches” se despide con el instrumental de 6 minutos “Gruva”, una incursión al House introspectivo que suelen proponer los franceses de Daft Punk. Aquí caben las comparaciones y las similitudes porque el lenguaje musical es uno, y además Rio Pardo también es un dúo (¿Casualidad o Causalidad?).

Laburar sin fronteras ni limitaciones, en cualquier rubro o hobbie, es algo incomparable. He aqui el tándem Quiroga/Bellusci, Bellusci/Quiroga, en estado de gracia con sus pretensiones y sus no pretensiones, dejando soltar su amalgama de lisergia y pop, de flash y baile. El retorno de Río Pardo es gratificante y su ausencia en los escenarios está cerca del final.

“Fetiches” es un disco auto producido que contó con la participación de Federico Barreto en mezcla y producción. La nueva gráfica de la banda y el arte de tapa fueron realizados por Juan Pablo Battista. El larga duración fue lanzado bajo el sello Desde El Mar Discos.

La Entrevista

-“Fetiches”¿Por qué?-

LQ:-Y, cuando algo te gusta mucho y te tira algo que no se puede explicar, eso es un fetiche. La música es un fetiche.-

NB:-Nos cerró por ese lado, y segundo por que es una palabra que usamos bastante. Si te pones a analizar, Rio Pardo desde siempre fue un conglomerado de distintos prismas. Siempre sentí que hay muchas cosas que me gustan metidas acá.-

-¿Cómo fue la química de trabajo ahora que son un dúo?¿Cambió la manera de componer las canciones ahora que son un dúo?-

NB:-Antes trabajábamos más desde la zapada. Ahora es totalmente diferente. Tuvimos que aprender a usar los programas, por ejemplo-

LQ: -Para este disco trabajamos desde cero la canción. Elaborábamos un marco y le íbamos añadiendo colores. Anteriormente nos concentrábamos en el instrumento de cada uno. Este disco se habló muchísimo. Antes de armar un concepto, se trataba de sintonizar para estar en la misma. A partir de eso, la canción te pide cosas.-

-¿En qué instrumento se concentra “Fetiches”?-

LQ:-Quisimos que el bajo sea muy protagonista y que haya menos guitarras. El sinte además nos daba la posibilidad de sumar matices.-

NB:-El disco anterior tiene más guitarras, pero también tiene sus momentos de capas y colchones. Eso sigue estando. Río Pardo no cambió tanto, tal vez un poco el sonido. Hay menos guitarras pero siguen presentes.-

En épocas de inmediatez e instantaneidad, los Pardo plantearon al disco como para ser escuchado entero, aunque según las palabras de Nacho, “se puede escuchar de ambas maneras”. Lio también se expresó al respecto, argumentando que consideraron que “con el orden de canciones, la intensidad iba a ir subiendo hasta terminar con “Gruva”, que es un House”.

-¿Cómo fue incursionar en ese género?-

LQ:-Estuvo buenisimo. Fue buscar el groove y una buena línea de bajo. Es más, me parece que los mejores bajos del disco se dan en ese tema. Fue el tema que hicimos con Fede Barretto de una. Veníamos con la dinámica nuestra y se sumo él a tirar la suya. fue bastante interesante.-

-Me imagino que con esta adrenalina del lanzamiento nuevo estarán ya pensando en presentarlo en vivo ¿No es cierto?¿Extrañan los escenarios?-

LQ:-Si, los vamos a presentar. El disco va a salir rodando por ahí. La idea es hacer dos o tres fechas este año, bien pensadas. La banda ya está armada, pero antes de tocar en vivo tenemos planeado grabar una sesión para captar el vivo-

-¿La unión entre “Simular Singular” y “Viento Amigo” fue intencional?

LQ:-Era un sólo tema. Lo dividimos por una cuestión de “Capitulo 1 y Capítulo 2”. Nos planteamos: “Qué loco sería que entre un tema y otro se mantenga sólamente la batería”. Era como un concepto de los viejos medley de las bandas de antes. Es algo que no se escucha más.-

Una vez finalizado el trabajo de editar el disco, Quiroga describe a “Fetiches” como “un disco con mucha personalidad y sorprende al oyente. es sincero, no te quiere vender ninguna. Por ese lado, va a crecer como tenga que crecer”. Ese “que sea lo que tenga que ser” es una buena manera de ver las cosas. La banda está contenta con el producto, la preocupación ya pasó. Ahora es tiempo de disfrutar.

Entrá al universo de Río Pardo con nuestra playlist de Spotify:

ElectroSelvámonos: música y sustentabilidad

El pasado fin de semana se llevó a cabo la sexta edición del festival de música electrónica en el Perú. Reunió a un total de 1.500 personas a orillas del mar para disfrutar de artistas locales y extranjeros. Además, desde la organización trabajaron en un consumo responsable para restar impacto en el ambiente en el que se desarrolló el espectáculo. Fotos por Micky Aguirre.

|Por Martin Zelaya|


El nutrido Line Up de la sexta edición de ElectroSelvámonos, que se llevó a cabo el 26 y 27 de enero, reunió a artistas nacionales y extranjeros entre los que se destacaron, el local Ronald Sánchez, Qoqeqa y el dúo mexicano Sotomayor. El beat lo pusieron los consagrados Dengue Dengue Dengue y los hermanos Ballumbrosio con el show “Afronoise”​. El nuevo formato culminó con el número de baile afroperuano de César y Miguel.

Durante el resto de la noche del sábado los tres escenarios Main Stage, Domo Stage y Ovni Stage ofrecieron diversas propuestas musicales y ambientes para bailar, siendo la ​artista alemana Bebetta​ la más esperada de la noche.

La Entrevista

Después de la edición, se dialogó con los creadores de la propuesta. José “Gato” Rodríguez y Lionel Igersheim son los mentores del Festival que combina música, arte y conciencitización ambiental.

– ¿Por qué eligieron la música electrónica y un Line Up exclusivamente de djs?-

José: -Nosotros venimos desde el 2009 con el formato de festival que se hace tradicionalmente en la selva central de Perú (Oxapampa) con grupos de música locales en vivo.-

-Apuntar a la electrónica fue un desafío que nos propusimos en 2013 y nos ayudó a meternos en un nuevo público. Igualmente nuestra gente es un público variado y hay de todo, pero ampliamos nuestra llegada y además sumamos artistas extranjeros. Es importante poder estar en este circuito y nos dimos esa posibilidad.-

A José y Lionel no les gusta distinguir entre géneros, consideran que la música es una. “No hacemos diferencias entre músicas, en nuestra visión iban bien el verano, playa y la electrónica. Es difícil de poner adelante a un Dj en un festival donde hay bandas. Muy pocos se acuerdan de tal o cual Dj. Por eso pensamos un evento solo de DJ’s, para darles el lugar que merecen”, afirmaron.

En 2013 se lanzó la propuesta ElectroSelvámonos. Comenzó en las playas del sur “chico” limeño, donde siempre el concepto fue el mismo. Es decir, combinar la música con otras artes y el cuidado ambiental. “El festival se ha ido mudando de sitios y esta es la primera vez que usamos una playa más alejada de la ciudad y que no se la usa mucho, un lugar bien salvaje como indica su nombre”, remarcaron sus organizadores.

– ¿Cómo surgió la idea madre de todo esto?-

Lionel: -La idea surgió como una conversación de cualquier grupo de amigos que les gusta la música y que veíamos que no había propuestas de este tipo en Perú. Así, la idea fue tomando cuerpo como música, arte y naturaleza.-

-¿Cómo trabajan las cuestiones ambientales desde el Festival?-

Lionel: -El tema ambiental en nuestro proyecto del evento se basa en que las actividades que realizamos ocurren en espacios verdes o playas y por esto no queríamos que sólo quede en palabras esto de cuidar los lugares. Por esto, buscamos actividades y acciones que resten el impacto que causamos y contribuimos comunicando esos temas a nuestro público. Por ejemplo, con la implementación de vasos reutilizables, baños secos, separación de residuos, uso de energía solar, entre otras cuestiones.-

Con el propósito de tejer alianzas para ser más efectivos a la hora de transmitir el mensaje ambiental, desde la organización de Selvámonos vieron acertado aliarse con Salvaje, que es una ONG cuyo objetivo es crear redes entre personas y organizaciones que promueven un estilo de vivir más sostenible. El objetivo de la alianza, además tiene como fin orientar a otros eventos a seguir una serie de pasos que pueden limitarse y así consolidar las bases de festivales sostenibles.

“El manejo de residuos va desde los desechos que nosotros traemos y consumimos en el festival hasta la energía que tenemos en el estómago y la llevamos al baño, además de la separación de los mismos”, indicaron desde salvaje.pe.“La reacción de la gente es positiva. Se han comprometido, sobre todo  estuvieron enfocados en el problema del plástico en el mar”, concluyeron desde la ong ambientalista.

Parada Lima y Selvámonos

Las próximas estaciones donde desembarcarán propuestas musicales impulsadas por esta productora serán: Parada Lima y el Festival Selvámonos.

El primer evento se realizará en la capital peruana, el próximo 6 de abril. Esta experiencia integral previa al festival Selvámonos incluye conciertos desde la tarde del día hasta el amanecer del 7 de abril para disfrutar de lo mejor de la música alternativa y tropical, con más de 10 bandas y Djs internacionales y nacionales. Además, 5 bandas preseleccionadas tendrán la oportunidad de defender su proyecto en la Parada Lima frente al público y jurados profesionales, para lograr un lugar en la edición 11 del Selvámonos.

Por último, la fecha del Festival propiamente dicho será el sábado 28 y domingo 29 de junio en Oxapampa, donde no sólo se ofrecerán conciertos sino que también se conectará arte, naturaleza y gastronomía.

Movistar Fri Music en Familia

El sábado, 135.000 personas se acercaron al Movistar Fri Music. Un mar de gente, un escenario imponente adornado con pantallas gigantes de alta definición, sonido a la perfección y una jornada familiar. ¿Por qué? No hay por qué.

|Por Ivana Freije|


Bueno, sí hay porqué: La primera en presentarse fue Manu Martínez, hija de Ciro. Luego, La Que Faltaba, liderada por Micky Rodríguez, ex bajista de Los Piojos. La tercera banda fue la de los hermanos Andersen, El Plan de la Mariposa. Y el cierre obvio de Ciro y Los Persas. Todos regalando su música a miles de familias marplatenses y de turistas que se acercaron al Parador Movistar en Las Toscas.

¿Se entiende el título? De manera puntual, allí estaba Manu Martínez en medio del escenario acompañada de su guitarra y su banda, lista para abrir el Movistar Free Music. Con apenas 19 años, una voz cálida y dulce comenzó a cantar: “Sabes que no es fácil amar…”. Avanzó el show, su padre y su hermanito a un costado registrando todo con los celulares, y la jovencita que parecía ser algo tímida, demostró todo lo contrario mientras daba a conocer su talento y su arte.

Familia de artistas: Previo al show, se realizó una conferencia de prensa en el Hermitage Hotel, donde padre e hija contaron algunos detalles de su relación musical. “La influencia de Manu no soy yo. Su madre es una gran compositora” dijo Andrés Ciro Martínez y esa característica a la que se refiere todos podemos corroborarla escuchando el tema “Astros”. Por su parte, Manuela agregó que le pide ayuda a su papá para que opine si el tema que creó “está bueno o no”.

Manu Martínez es para ponerle el oído: Lindo proyecto juvenil dentro de la ola de mujeres músicas argentinas.
Avanza Movistar Fri Music y con músicos a medio acomodar llega La Que Faltaba. Un inicio de show distinto, se veía al baterista en su lugar, el resto de los integrantes salieron al escenario literalmente, tocando. Como para no perder ni un segundo.

Remera roja autografiada por Andrés Ciro, gafas y cabeza blanca, Micky Rodríguez, su bajo y sonidos que te hacen mover los piecitos. Termina “Una Mariposa Que Baila”, y hay un flashback. La Que Faltaba dio un adelanto que disfrutó mucho la familia piojosa.

¿Querían pogo? María y José. Lo encuentran en el disco Verde Paisaje del Infierno. Más canciones. Ricos solos del violero Rómulo Arnoldi. La última: “Fumigator”. Foto con el público y las banderas piojosas desplegadas.
Siguiente banda: El Plan de la Mariposa.

Ya con 10 años de trayectoria, el vocalista Sebastián Andersen analizó en el Hermitage Hotel el crecimiento rápido y firme que tuvieron: “Con el correr del tiempo la gente se fue sumando y es el público quien, en cierto modo, nos protege como músicos para que podamos seguir avanzando”. Ante la pregunta de que si sienten que ya pasaron la línea (y etapa) de banda emergente, dijo que ellos siempre emergen. “Ese viaje es lindo, si dejáramos de emerger sería aburrido”.

El viernes ya había anunciado que la lista de temas sería variada. Era el primer show gratuito que harían en Mar del Plata. ¿El público? Completamente heterogéneo. 135.000 personas, imagínate la variedad que había.  Fueron 25 temas. Si seguís a Ciro y Los Persas, no te sorprendía mucho dado a que el show ya viene con cierta estructura.

“Banda de Garage” fue el primer tema como muchas otras veces. También hubo varios de Los Piojos. Momento clásico que emociona a todos: “Canción de Cuna”. Más de un piojoso lagrimeando mientras abrazaban o acariciaban a sus hijos. Los años pasan y el público se suma, edades de todo tipo.

Casi antes de la mitad del show, llegó el momento de los invitados. “Tan Solo” y “Fijate” con Micky Rodríguez; Juanchi Baleiron de Los Pericos se sumó para tocar “Mírenla”. “Me Gusta”, acompañado por dos de sus mujeres amadas: Katjia y Manuela Martínez. La emoción se incrementaba.  A Manu hacía un rato la habíamos visto, Katjia es actriz, pero muchos la recordábamos como aquella pequeña que coreaba “Canción de Cuna”.

Para destacar la nueva versión de “Pistolas”. Sube al escenario Alejandro Ciro Martínez. Sí, el hijito del frontman. Poca edad, pero inmensa actitud, cantó, recorrió todo el escenario dejando a su padre en un segundo plano. El protagonista era ese niñito rubio, cancherísimo que la rompió.

¿Cuántos de ustedes se animan a pararse frente a tantas personas? Bueno, Ale no solo se comió el escenario, sino que además nos dio un sacudón de modernidad en el momento que comenzó a lanzar estrofas de “She Don’t Give a Fo” de Duki junto a Khea. Sí señores y señoras: Trap. Hay que aggiornarse.

Julieta Rada también dio el presente acompañando con su imponente voz a Ciro en la canción “Por Cel”. Insisto: Todo muy familiar. Pogo y mucho baile. Anteúltimo tema. Algo engañoso porque ya sabemos que es un enganchado: “Farolito/Balneario/Muévelo”; este último con la presentación de la banda. Cierra con “Astros”.

Dale Ciro, falta ese broche hermoso de oro. Pasada la medianoche, algo más de 3 horas: El Himno Nacional Argentino con su armónica. Gracias. Ojalá todos puedan vivir algún show de este gran artista. Si tenés algún infante en tu familia, llevalo. Le cambia la cabeza. Ok. Me salió la fanática de adentro. Voy a buscar la objetividad y vuelvo.

Primer concierto circular: Creciente+Lucho Guedes

El pasado sábado 19, Creciente abrió el año junto al cantautor Lucho Guedes y adelantó canciones nuevas en un IMMC colmado. Foto por Matias Tazza.

|Por Jeremías Laffitte|


Enero promedia y las propuestas musicales florecen en nuestra hermosa ciudad. Hacía ya bastante que nos debíamos ir a un Concierto circular, de los que tanto habíamos escuchado. Este ciclo, creado por Creciente, propone una experiencia interactiva que da envidia a los más creativos de Netflix.

La previa promete y demuestra un ambiente totalmente relajado, en el que el clima y la vibra general no podrían ser mejores. Un piano a disposición del público, gastronomía a precios amigables, un fogón en el patio y una familia de conejos que se pasean por entre los pies de los asistentes cuál gatos.

A las 22 horas, Leopoldo Juanes nos invita a acercarnos a la sala, donde introduce de manera muy afectuosa al primer artista de la noche, Lucho Guedes.  Él, a su vez, comienza a hablarnos de forma muy culta sobre su “apuesta anacrónica”, ya que dice que está haciendo “lo mismo que Homero, pero 22 siglos más tarde”.

De manera poco convencional, nos propone a hacer un pacto entre ambas partes del show, en el que desde el lado de los los oyentes entendamos a los personajes protagonistas de sus canciones como tales, y no los encarnemos en el autor que se encuentra presente en la sala.


Así, Lucho comienza un punteo suave en acordes cargados de séptimas mayores y novenas, y nos dejamos llevar por historias que van desde lo cómico y cotidiano a lo romántico, “pero en el sentido más siglo 19 de la palabra”.

Sus canciones son recientes y desnudas. Realistas, directas. Duras.

“Todas en algún punto son canciones de amor, no hay manera de hacer otra cosa” , se les escapa al compositor, que termina su espectáculo con “Las medias y la Cordura”, quizás su obra más conocida.

Habiendo estirado un poco las piernas, el público está listo para Creciente. Cuesta un poco construir una imagen acertada de lo que es este proyecto para quien no lo haya escuchado, pero una cosa sí resulta imperiosa:

Hay que reconocer que nadie suena más a Mar del Plata que Creciente.

El grupo (Batería, Contrabajo, Clarinete, guitarra criolla y voz) abre el fuego con “Mulos” y nos obliga a reconocernos, moviendo nuestro cuerpo lentamente. Las letras hacen referencia a los variados accidentes geográficos, a los personajes típicos y al particular clima de nuestra hermosa ciudad. Todos estos factores se suman a ritmos latinoamericanos y grandes ejecuciones instrumentales.

Un párrafo aparte merecen las hermosas instalaciones del IMMC (Chacabuco 3639). El ensayo abierto transcurre en un pequeño anfiteatro cerrado, en el que unas 80 personas se acomodan en el rincón que más cómodo les siente. Así, todos están cerca y son parte de este gran espectáculo, con la banda tocando en el medio de este círculo. Cuando llega el turno de “El Barquillero”, la gente ya es una parte activa del espectáculo.


Esa melodía de cancha nos invita a acercarnos a ese mítico personaje y su curioso método en el que todos los clientes “prueban su suerte”. Pero, como resalta Passeri, podía ser un 1 o 10, pero nunca 0. “Mareo en Re Menor” se postula como el mayor desafío musical de la noche para quienes interpretamos algún instrumento. Un compás peculiar nos recuerda a las olas y su caprichoso comportamiento, y viene a la mente una gran charla Ted dada por Leo Juanes, su compositor. Facundo Passeri se roba la atención de muchos con fills repletos de técnica y buen gusto.

Son las 00.00 y el ambiente festivo crece cada vez más. Los abanicos ya se desplegaron, los músicos ya destacaron sus habilidades para la zinguería y la colocación del nuevo extractor y sabemos que nos acercamos al final. Ingrid Bretschneider entona las estrofas de “Arrabal Atlántico” con un envidiable sentimiento y pinta un paisaje en el que los trabajadores del puerto abundan. Sin quererlo, el público une sus voces al canto de “llega la noche en la ciudad” y la alegría desborda.

A modo de mimo hacia el público, los cinco músicos regalan “Días de febrero”, un Bonus Track para cerrar el show de la mejor manera.

Como marplatenses, debemos reconocer a este gran proyecto que no sólo materializa nuestra identidad en un nuevo género, sino que con sus Conciertos Circulares nos invitan a ser parte de un mundo en el que, por un rato, Mar del Plata es innovación, cultura, trabajo en equipo y buenas energías.

El próximo Concierto Circular

Este sábado 26 de enero se llevará a cabo un nuevo Concierto Circular en el IMMC junto a la compañía de circo Mano a Mano. Será nuevamente algo imperdible y sumamente recomendable.