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La Mono estrenó videoclip de “Demoledor”

El trío lanzó un primer adelanto de lo que será su nuevo disco de estudio. Las expectativas son altas luego del buen Experimento que realizaron hace dos años en su debut.


Con grandes influencias del grunge de Alice in Chains, la banda liderada por Gaspar Benegas (músico del Indio Solari y Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado) suena super afilada y ajustada. Es de esos tríos en los que ninguno de los elementos puede faltar, donde todos cumplen un rol fundamental.

La Mono se presentará el 16 de febrero en Niceto, donde presentarán varias nuevas canciones de éste segundo disco, que por ahora no tiene fecha de lanzamiento.

Recomendado del día: “Nevermind” de Nirvana

Esta semana se cumplieron 27 años de la salida del disco que marcó a toda una generación. Un clásico infaltable a la hora de hablar de la historia del rock mundial.

|Por Tomás Vidal|


Si buscamos la definición de álbum emblema o icónico, sin dudas que Nevermind encaja a la perfección en ella. El segundo de los tres discos de la formación de Aberdeen supuso su gran salto a la fama mundial, convirtiéndose así en el principal referente de un movimiento musical que se venía gestando desde finales de los 80 en el Estado de Washington, con Seattle como epicentro.

Después del pobre éxito comercial de Bleach, su debut en el estudio de grabación, Kurt Cobain y Krist Novoselic debieron afrontar la salida de su batero Chad Channing. Luego de presenciar un recital de la banda de hardcore punk Scream, quedaron impresionados con la habilidad de Dave Grohl y no dudaron en invitarlo a que se uniera a ellos.

Cobain y Novoselic no se sentían cómodos con el sello Sub Pop. No querían ser “una banda más”. Y mucho menos que una discográfica se meta con su sonido. Todo ello desembocó que la banda decidiera dejar la compañía y firmar con un peso pesado como DGC Records, perteneciente a Universal. El cambio fue en parte motivado por el consejo del cantante de Sonic Youth, Kim Gordon. De esta forma, el trío dio el primer paso para convertirse en los referentes mediáticos del Grunge renegando de las mismas raíces de dicho movimiento.

A principios de los 90, Nirvana ya pensaba en su segundo disco. Aún bajo la tutela de Sub Pop, Cobain y compañía tenían pensado llamarlo Sheep, como una especie de metáfora sobre cómo veía a sus fanáticos, como ovejas que acudirían en masa a su álbum. Con el armado definitivo de la banda, sólo faltaba la incorporación del productor Butch Vig para terminar de formar un equipo histórico. De su experiencia como técnico buscaban alcanzar un sonido como el que había trabajado para Killdozer, y aunque la recomendación del fichaje les llegó desde Sub Pop, decidieron seguir contando con él en su paso a DGC.

En abril de 1990, la banda viajó a los Smart Studios de Vig en Madison, Wisconsin para comenzar a trabajar en el disco. La mayoría de las estructuras básicas ya estaban completadas en ese momento, pero Kurt continuaba trabajando en las letras y no se decidían sobre qué canciones serían grabadas. De aquellas sesiones resultaron ocho canciones, pero no pudieron continuar por un problema en la voz de Kurt.

Entre mayo y junio de 1991, Nirvana grabó Nevermind en los Sound City Studios de Los Ángeles, California, con un presupuesto de US$65,000. Con sesiones de entre ocho y diez horas, CobainNovoselic y Grohl pusieron sus corazones en este disco que marcaría a toda una generación. Aunque no todo el proceso fue tan satisfactorio como el resultado final: Vig reveló que Cobain se transformaba en un estado temperamental y complicado en algunas ocasiones. “Estaba fantástico durante una hora, pero entonces se sentaba en una esquina y no decía nada durante otra hora”, reconoció Vig.

Una vez concluida la grabación, llegó el momento de la mezcla. Andy Wallace fue el designado para cumplir esta tarea, ya que a la banda le había encantado su trabajo con Slayer en Seasons in the Abyss. La principal razón por la cual lo elijieron fue porque querían “sonar así de duros”. Y buena parte de esa dureza llega desde la batería, tal y como el propio Butch Vig reconoció a Ultimate Guitar: “Yo sencillamente andaba por el estudio pensando ‘oh Dios mío, esto es alucinante’. La gente me pregunta cómo conseguí ese sonido en ‘Nevermind’… el noventa por ciento es por Dave Grohl. Es por cómo toca. Es tan poderoso”.

A pesar de haber estado de acuerdo con esa elección, después del lanzamiento del álbum los miembros de Nirvana expresaron su descontento con el sonido tan pulido que el mezclador había dado a Nevermind. Cobain dijo en el libro de Michael Azerrad “Come as You Are: The Story of Nirvana”: “Mirando atrás, en la producción de Nevermind, me avergüenzo ahora de ello. Suena más parecido a un disco de Mötley Crüe que a uno de punk rock”.

El comienzo está marcado por una canción que no necesita presentación alguna. “Smell Like Teen Spirit” es sino EL himno de Nirvana y del grunge, inconfundible desde el primer rasgueo de cuerdas y hasta que la guitarra se desvanece en el fade outfinal. Además, lo notable de este tema es que no logra eclipsar al resto del disco, algo que sería totalmente posible ante semejante pieza musical. Curiosamente, el título salió de una broma que una amiga le hizo a Kurt Cobain. Escribió en una pared “Kurt smells like teen spirit”, en referencia al desodorante con ese nombre.

“In Bloom” se encarga de continuar en ese demoledor camino. En sus letras, Cobain se burla de la gente fuera de la escena de la música underground que comenzó a aparecer en los shows de Nirvana después del lanzamiento del álbum debut del grupo, Bleach. El biógrafo Michael Azerrad escribió: “Pero notablemente, [la letra de la canción] se traducía aún mejor a la popularidad masiva que la banda disfrutaba”. Respecto al coro, Azerrad comentó: “La brillante ironía es que la melodía es tan pegajosa que millones de personas la cantan”.

En “Come As You Are” Cobain se aleja un poco de lo que sus temas habían sido hasta el momento. No es que se trate de una balada, pero el track es bastante tranquilo. En cuanto a la letra, en lugar de recurrir a inquietantes metáforas, presenta unos versos en cierto modo optimistas, una especie de bienvenida al oyente que es tratado como “amigo”. Kurt habló al respecto en “Nevermind It’s An Interview”, el único CD de entrevistas de la banda que fue lanzado oficialmente: “Las líneas de la canción son realmente contradictorias. Una tras otra son una especie de refutación a cada línea. Es un poco confuso, supongo. Se trata sólo de las personas y de cómo se espera que actúen”. Por su parte, el riff característico fue prestado del tema “The Eighties” de Killing Joke. Nirvana dudó mucho sobre la posibilidad de que “Come As You Are” saliera como single, debido al temor de una demanda. El manager Danny Goldberg le contó a la Rolling Stone que “Kurt estaba nervioso por ‘Come as You Are’ porque era demasiado parecido a una canción de Killing Joke, “Eighties”, pero todos pensaron que era la mejor opción”. Y tenía razón, Killing Joke se quejó más tarde. A pesar de esto, la banda inglesa nunca presentó ninguna demanda formal.

“I don’t care, I don’t care, I don’t care… I don’t care, I don’t care, care if it’s old… I don’t mind, I don’t mind, I don’t mind… I don’t mind, mind, don’t have a mind”, así comienza “Breed”, el cuarto track. La simplicidad del punk rock en su máxima expresión: cuatro frases repetidas una y otra vez antes de una conclusión. Las letras reflejan cómo los adolescentes se sienten atrapados por el miedo y la apatía, la desmotivación y la depresión que llevan a pensamientos como escapar de casa. Kurt experimentó mucho de esto al crecer, ya que después de que sus padres se divorciaron, pasó tiempo en tantos diferentes hogares que apenas tenía un lugar al que llamar hogar.

“Lithium” es una descripción perfecta de la depresión maníaca, en donde en cada línea está feliz y triste, arriba y abajo, mientras tira referencias a Dios que recuerdan cuando Kurt vivía con una familia cristiana devota. En un momento dado, fue diagnosticado como bipolar según su tía, quien escribió sobre ello en un libro. El título invoca las sales de litio, un fármaco clave en el tratamiento del trastorno.

Basada en una historia real, “Polly” es sobre una niña de 14 años que fue secuestrada y violada en Tacoma, Washington en 1987. Mientras regresaba de un concierto fue raptada por un hombre llamado Gerald Friend. La llevó de vuelta a su casa rodante y la violó. La niña, cuyo nombre no fue dado a conocer, fue torturada con un látigo, una navaja de afeitar y un soplete. Sin embargo se las arregló para escapar cuando Friend la llevó a dar un paseo, mientras cargaba nafta. El agresor fue arrestado y encarcelado. Nirvana ofreció su ayuda para acompañar a las víctimas de violación, incluyendo el concierto “Rock Against Rape” en 1993, que recaudó dinero para una organización de autodefensa de mujeres.

En “Territorial Pissings” tenemos tres acordes tocados de manera atropellada y a un Kurt exigiendo su voz al máximo. Respecto al inusual título de la canción, el propio cantante le dio su explicación: “En el reino animal, el macho cada tanto meará en ciertas áreas para reclamar su territorio, y veo hombres machos reaccionando hacia el sexo y el poder de la misma manera. Me gustaría ver a estas almas perdidas colgadas de sus pelotas con páginas del Manifiesto SCUM engranpadas en sus cuerpos”. El libro mencionado es una obra de Valerie Solanas, clave dentro de la segunda ola del feminismo de los años 60.

Frecuentemente, esta canción fue la elegida para cerrar sus conciertos, en donde la banda procedía a destrozar sus instrumentos sobre el escenario, embriagados de rabia. Un hecho curioso se dio cuando Nirvana estuvo presente en la televisión británica, más precisamente en el Jonathan Ross Show. Al parecer, les habían encargado que tocaran “Lithium” pero decidieron cambiar los planes e ir con “Territorial Pissings”, para luego confirmar lo que veníamos diciendo y destrozar sus equipos antes de bajarse del escenario. Épico.

Según Kurt, “Drain You” fue escrita sobre un amor tonto y anticuado. Uno de sus temas favoritos, fue interpretado en la mayoría de los conciertos desde su composición hasta la ruptura de Nirvana. Según el productor Butch Vig, esta canción tiene más overdubs de guitarra que cualquier otro track del álbum. A Kurt no le gustaban las canciones muy sobregrabadas, así que Vig tuvo que mentirle para poder usarlas, diciéndole cosas como “las canciones no se grabaron bien” o “estaban desafinadas” para conseguir que hiciera tantas tomas.

“Lounge Act” es una canción sobre Tobi Vail, miembra fundadora de la banda Bikini Kill y que fue novia de Kurt durante el proceso de elaboración de Nevermind. Tiempo después, cuando Courtney Love estaba cerca, no se tocaba el tema. El fondo musical, que incluso comienza con un solo de bajo de Krist Novoselic, fue comparado por él y Kurt con la música lounge, y de ahí surgió este título.

“Stay Away”, originalmente llamada “Pay to Play”, es una canción en protesta por el hecho de que los clubes cobraban a las bandas para que los dejaran tocar. El track mantiene un tono crítico, aunque más relacionado con la fama y otros actos musicales. La explosividad rítmica de la canción encaja perfectamente en unos versos cuyo contenido lírico la han transformado en un himno de inconformismo juvenil. Dave Grohl la descose en este tema.

Kurt Cobain demuestra su mayor talento musical como compositor. En “On a Plain” explora muchos temas, desde la depresión hasta las drogas, el amor, la vida e incluso elementos de la escritura de una canción, incluyendo el bloqueo del escritor.

Es así como llegamos a una de las canciones más sufridas y enigmáticas de la carrera de Kurt Cobain. En “Something In The Way” relata en primera persona una vida desolada y alejada del mundo ordinario debajo de un supuesto puente. El mito dice que Kurt supo dormir en su joven adultez debajo del puente de la calle Young en su Aberdeen natal, en el estado de Washington. Aquella construcción por sobre el rio Wishkah era uno de los lugares donde los adolescentes iban a pasar el rato, consumir sus estupefacientes preferidos y hasta pescar.

Butch Vig confesó que fue “la canción más difícil de grabar” en la historia de Nirvana. La afinación de la guitarra era rara (una acústica descalibrada de 12 cuerdas), no se sabía bien la tonalidad y las tomas estaban saliendo desprolijas hasta que Vig decidió apagar todos los artefactos electrónicos del estudio, salvo los micrófonos, para lograr que la interpretación llegue al objetivo planteado.

El estribillo repite una y otra vez el título de la canción, y los escalofríos son traumatizantes.

Esta canción parece estar cantada con sufrimiento, con pena, con dolor. Quizás ésto, y el factor de que la canción no está correctamente a tono, la convierten en algo único e irrepetible. Nirvana nunca más sonó así. La versión del MTV Unplugged es sólida, aunque la voz apagada y penumbrosa de Cobain en el corte del disco es irrepetible.

El final de Nevermind está marcado por “Endless, Nameless”, track que fue una improvisación aleatoria que salió cuando intentaban grabar “Lithium”Kurt estaba tan frustrado con su falta de progreso que espontáneamente comenzó a tocar esta canción y Krist y Dave se unieron. La letra fue apareciendo mientras tocaban.

La canción apareció como un lado B del single “Come as You Are”. En la mayoría de las ediciones, la pieza también se incluyó en Nevermind como tema oculto, después de 10 minutos de silencio después de que “Something In The Way” terminara.

Kurt rompió su guitarra en el estudio durante la grabación, que se puede escuchar al final de la canción. También rompe su guitarra después de interpretar esta canción en el recital Live at the Paramount de 1991.

Ya sabemos lo que pasó a continuación. Las previsiones de ventas se quedaron cortísimas, Nirvana alcanzó el número uno en las listas de ventas, “Smells Like Teen Spirit” no dejaba de sonar en MTV, y Kurt Cobain se dió de frente contra su propio éxito.

Algunos datos curiosos de Nevermind.

  • 10 veces disco de platino. Se calcula que se han vendido 30 millones de copias. En su lanzamiento, desbancó a Dangerous de Michael Jackson del número uno.
  • Entre los 500 mejores álbumes de la historia. Según la revista Rolling Stone, Nevermind ocupa el puesto número 17 de su lista “los 500 mejores álbumes de la historia“.
  • De sus 9,4 millones en ventas totales en Estados Unidos, el 59% (5,6 millones) fueron en formato de CD, el 36% (3,3 millones) en cassettes y el 5% (455 mil) en formato digital.
  • El video de “Smells Like Teen Spirit” está basado en una de las películas favoritas de Kurt, Over the Edge dirigida por Jonathan Kaplan (1979).
  • Es el 12º álbum de rock más vendido en los Estados Unidos desde que Nielsen Music comenzó a rastrear las ventas en 1991.
  • Tres de los singles de Nevermind llegaron al Billboard Hot 100. “Smells Like Teen Spirit” encabezó el camino, alcanzando el No. 6 en enero de 1992, el único top 10 del grupo. “Come As You Are” (puesto 32) y “Lithium” (puesto 64) lo siguieron.

No cabe duda de que es el trabajo más completo e inspirado de la corta trayectoria de Nirvana, y más allá de las odiosas comparaciones con otros discos del género, su relevancia global está fuera de toda duda. Nevermind puso en primera línea de fuego a sus creadores y a toda una generación de músicos americanos, dando uno de los grandes pasos en la construcción del rock alternativo de los 90. Un auténtico referente que tiene con todo derecho su lugar reservado en la historia de la música.

Recomendado del día: “Ten” de Pearl Jam

Sin dudas, Pearl Jam es una de las bandas de rock más exitosas de los últimos tiempos. Lanzó 10 LPs de estudio, numerosos discos en vivo y bootlegs oficiales a lo largo de su carrera, vendiendo alrededor de 60 millones de álbumes en todo el mundo. Hoy te traemos el que sería el principio de algo maravilloso.

|Por Tomás Vidal|


Qué lejano parece quedar 1991. Ayrton Senna ganaba su tercer y último campeonato del mundo de F1 a bordo de un McLaren; Juan María Traverso se imponía en el TC2000 con su Coupé Fuego;  Michael Jordan y Scottie Pippen llevaban a los Chicago Bulls a su primer título de la NBA; el Estrella Roja de Serbia era el campeón de la Copa Intercontinental de fútbol; El silencio de los inocentes y Terminator 2: El juicio final se estrenaban en las salas de cine; Sonic the Hedgehog era lo nuevo de la consola Sega Mega Drive y la Super Nintendo sale al mercado. En el ámbito musical también se pueden destacar grandes hitos: Tupac Shakur debutaba con 2Pacalypse Now, Michael Jackson presentaba DangerousMotörhead lanzaba su noveno disco 1916, Nirvana ponía a la venta NevermindPatricio Rey y sus Redonditos de Ricota estrenaba La mosca y la sopa, y Queen editaba Innuendo, el último disco editado antes de la muerte de Freddie Mercury. Entre tanto movimiento de pesos pesados, en Seattle se estaba formando una leyenda.

Ten fue la conjunción perfecta de destinos. Eddie Vedder era el elegido, la mejor opción para llevar adelante un proyecto como Pearl Jam. Y en gran parte se lo debemos a Jack Irons, ex batero de los Red Hot Chili Peppers. Fue Irons quién le hizo llegar el demo al por entonces cantante de Bad Radio, banda originaria de San Diego, California. Vedder trabajaba a medio tiempo en una estación de servicio y le encantaba ir a surfear. Pero como dijimos, era su destino. Grabó tres de las cinco canciones que le llegaron, “Alive”, “Once” y “Footsteps”, y las envió a Seattle. Stone Gossard, Jeff AmentMike McCready quedaron impresionados. No dudaron y le pidieron que viaje a verlos. En una semana, Vedder ya era parte de la banda.

PJ en el The Moore Theater de Seattle

Pronto sumaron al baterista Dave Krusen y formaron Mookie Blaylock. Después de presentarse en el Off Ramp Café de Seattle y telonear a Alice in Chains en el Moore Theatre, también de aquella ciudad, la banda firmó su contrato con el sello Epic Records. Fue en ese momento que decidieron pasar a llamarse Pearl Jam.

Marzo de 1991, la fecha que cambiaría la vida de estos músicos. Aquel mes ingresaban al estudio de grabación London Bridge Studios, en Seattle. Para fines de abril, la banda ya tenía el disco grabado. Pero no todo fue tan fácil como lo parece: Krusen abandonó la banda apenas terminaron en el estudio debido a su internación en rehabilitación por severos problemas con el alcohol.  Matt Chamberlain fue el encargado de ocupar su lugar. Aunque no por mucho tiempo ya que sólo estuvo unos meses y fue reemplazado por Dave Abbruzzese.

PJ en el London Bridge Studios

Ten fue lanzado al mercado el 27 de agosto de 1991. Muchas de las 11 canciones que integran el disco comenzaron como arreglos musicales a los cuales Vedder les añadió la letra, una vez que ya era parte de la banda. Temas como la depresión, el suicidio, la soledad y el asesinato fueron los ingredientes de este álbum. La canción “Jeremy” y el videoclip que lo acompaña están inspirados en una historia real de un estudiante, Jeremy Wade Delle, que se pegó un tiro delante de sus compañeros de clase.

A pesar de que la recepción comercial no fue la mejor en sus inicios, fue recién en 1992 que las ventas volaron: recibió la certificación de oro y alcanzó el número 2 en el ranking de Billboard. Estuvo en ese ranking casi cinco años. Con el tiempo, se convirtió en uno de los discos más vendidos en la historia del rock, con 13 certificaciones de platino.

Junto a Nevermind de Nirvana, ambos discos son considerados los motores que dieron al movimiento musical de Seattle conocido como Grunge su auge a nivel mundial.

Kurt Cobain y Eddie Vedder

Contratapa de Ten

Indudablemente, Ten dejó himnos que lograron convertirse en la voz de toda una generación. Ya en su inicio con “Once” deja demostrado el alto nivel musical y lírico. Esta canción pertenece a una mini ópera de tres tracks junto a “Alive” y “Footsteps”. En ellas se cuenta la historia de un chico que descubre que quien pensaba que era su padre biológico es en realidad su padrastro, y que su verdadero padre está muerto, a la vez su madre debe lidiar con el dolor manteniendo relaciones sexuales con este chico debido a su parecido con el padre. Este primer tema cuenta la historia en la que el chico se deja dominar por la locura y se convierte en un asesino en serie. Pequeño track para abrir un disco…

Después pasa a “Even Flow”, canción que rápidamente se convirtió en todo un emblema. Cuenta la vida de una persona sin techo, de su rechazo por parte de la sociedad y de su optimismo por rehacer su vida.

“Alive” es uno de los platos fuertes. Es la primera parte de la mini ópera llamada “Momma-son”. En esta canción se relata la parte en la que la madre confiesa a su hijo que su verdadero padre está muerto. Esta parte es autobiográfica ya que esto realmente le pasó al propio Eddie Vedder.

Los problemas sociales se hacen presentes en “Why Go”, un track que cuenta la historia de una chica que fue encerrada en contra de su voluntad en una institución psiquiátrica sin padecer ninguna enfermedad. Luego en “Black”, Vedder hace una demostración de por qué es una de las voces con más personalidad y capacidad de la historia del rock. Esta canción es la pieza emocional central del álbum. A pesar de la presión de Epic Records de convertirla en un single, la banda rechazó esta idea alegando que era una canción muy personal y que ese sentimiento se perdería si se hacía un video o se lanzaba como single. El cantante luego explicó en el documental Pearl Jam 20 que este track era sobre las primeras relaciones. “La canción es sobre dejarlo ir. Es muy raro que una relación resista la atracción gravitatoria de la Tierra y a dónde va a llevar a la gente y cómo va a crecer. He oído decir que no se puede tener un amor verdadero a menos que sea un amor no correspondido. Es dura, porque la más verdadera es la que no puedes tener para siempre”, decía Vedder.

Luego se nos cruza en nuestro camino “Jeremy”. Creo que es imposible encontrar a una persona la cual no se haya emocionado o que no haya sentido algo al escucharla. Una canción basada en una historia real, como ya mencionamos. Vedder tomaría esta experiencia y compondría uno de los himnos más importantes de la banda, contando cómo el abandono de sus padres y el acoso escolar llevarían al joven Jeremy Wade Delle a suicidarse enfrente de sus compañeros de clase.

1991 fue un año que cambiaría la vida de millones de personas. Sobre todo para la gente de Seattle que era testigo de un microuniverso propio del que saldrían algunos de los grupos más importantes de la década. Pero la música no surge espontáneamente, tiene un contexto detrás. Seattle era una ciudad problemática a fines de los 80 y principios de los 90, algo que quedaría reflejado en la escena musical. Pearl Jam fue una de esas bandas que supo plasmar a la perfección el clima social de esa época. Pero también fue capaz de esparcir un mensaje que caló hondo en los jovenes y se convirtió en un estandarte para ellos. Reconstruir los cimientos del rock para volver a traerlo a los primeros planos es una tarea casi imposible, digo casi porque esta banda se encargó de demostrar todo lo contrario con un disco como Ten. Lleno de sinceridad, inconformismo con el status quo y, por sobre todo, de enormes canciones que todavía suenan en las casas de millones de fanáticos.

Bigger despide “Contraviento” en Casa Rock

Bigger regresa a la ciudad para despedir su último disco “Contraviento”, este sábado 11 de noviembre a las 21 en Casa Rock (Córdoba 2580). Nidea rock y Rhema estarán tocando en la antesala.

|Por Marcos Gabarain|


“Contraviento” es un álbum que se grabó entre febrero y abril de 2015, en los estudios Romaphonic y Humano de la ciudad de Buenos Aires. En 2016 la banda recorrió toda la Argentina y para celebrar sus 10 años de carrera filmaron un DVD en vivo en Niceto.
 
Las entradas anticipadas para el regreso de Bigger están disponibles en Musical Norte (San Luis 1787), BPM (Güemes 3096), Papelera Constitución (AV. Constitución 6488) y por sistema Viaticket.
Si todavía no esuchaste “Contraviento”, acá lo tenés:

Se dio a conocer el reporte oficial de la muerte de Chris Cornell

Además, la Policía de Detroit hizo públicas unas fotografías de la habitación donde fue encontrado muerto el ex cantante de Soundgarden el pasado 18 de mayo.

|Por Tomás Vidal|


Luego de dos meses de la desaparición física de Chris Cornell, la policía de la ciudad de Detroit publicó el reporte oficial y así confirmó la causa del fallecimiento. Según el informe, el ex líder de Soundgarden y Audioslave fue encontrado en la habitación del hotel MGM Grand Casino con “una marca bien definida de una ligadura en el área del cuello/garganta“.

A su vez, publicaron 51 fotografías de la habitación en la cual fue encontrado sin vida. Allí pueden verse, por ejemplo, tres contenedores de píldoras recetadas a nombre de Cornell. Una de ellas contenía Prednisona, utilizada como un antiinflamatorio, otra tenía pastillas de Omeprazol (antiácido) y una última píldoras de Lorazepam, un ansiolítico. A pesar de que en un primer momento se había especulado que algunas de estas sustancias habrían inducido a Cornell a cometer el acto, la autopsia determinó que “había consumido algunos ansiolíticos y sedantes antes de su muerte pero, sin embargo, estos no habrían influido en su fallecimiento“. 

Otras imágenes difundidas por el portal norteamericano TMZ muestran la guitarra de Cornell sobre una silla, la cama de la habitación, un pasaje de avión con fecha del 17 de mayo que partió del aeropuerto John F. Kennedy de Nueva York hacia Detroit y tiene el nombre del músico.

A continuación te mostramos algunas de las fotografías que retratan la última noche del cantante y cómo dejó su habitación del hotel en Detroit:

Sin dudas, una noticia que tardará mucho tiempo en digerirse. Si aún no viste los homenajes que distintos artistas le brindaron a pocos días de conocerse la noticia, entrá acá y emocionate junto a ellos.

 

Los Foo Fighters anuncian disco nuevo

Los Foo Figthers anunciaron hoy que su nuevo disco “Concrete and Gold”, sucesor de “Sonic Highways” de 2014, saldrá el próximo 15 de septiembre. La décima placa de los liderados por Dave Grohl será, según los propios músicos, “El disco con mejor sonido de nuestra historia”.

|Por Marcos Gabarain|


Según el propio Grohl, “Concrete and Gold” será “como si Motörhead versionara el ‘Sgt. Pepper’s'”. Para eso, los “Fufa” contrataron al productor Greg Kurstin (ha trabajado con Pink, Adele, Sia, entre otros artistas), el cual atrajo al ex Nirvana por la canción “Again and Again” de su banda The Bird & The Bee: “La escuché y me voló la cabeza.Me obsesioné con ella. Por eso queremos hacer el mejor disco de los Foo Fighters con la ayuda melódica de Greg”.

“Run” fue el primer lanzamiento adelanto del inminente álbum, que contendrá 11 canciones nuevas y se sumará a un largo trayecto discográfico de la banda que dio sus primeros pasos en 1995, luego de la muerte de Kurt Cobain y la inevitable separación de Nirvana.

Tracklist:

01. T-Shirt
02. Run
03. Make It Right
04. The Sky Is A Neighborhood
05. La Dee Da
06. Dirty Water
07. Arrows
08. Happy Ever After (Zero Hour)
09. Sunday Rain
10. The Line
11. Concrete and Gold

Se suicidó Chris Cornell

Los médicos forenses a cargo confirmaron que el cantante se quitó la vida en el baño de la habitación del hotel MGM Grand de la ciudad de Detroit en el que se hospedaba. Tenía 52 años.

|Por Tomás Vidal|


Nunca es fácil escribir sobre este tipo de noticias. Más aún cuando se fue un grande de verdad. Chris Cornell, un ícono del movimiento grunge que se forjó en Estados Unidos a fines de los 80, fue encontrado muerto en la habitación en donde se hospedaba. Tras varias horas de incertidumbre y de especulaciones, las autoridades de Detroit determinaron que la causa de su muerte fue suicidio por ahorcamiento. Dolor en el mundo de la música.

Lo que hace todavía más impactante e inesperado este desenlace es que solamente unas horas antes de ser encontrado sin vida, Cornell brindó un show junto a Soundgarden en el Fox Theatre de Detroit. Por supuesto que no mostró signos o indicios que pudieran preveer este final; es más, mucha gente dijo que se lo vio de muy buen humor y que estaba en un buen estado físico.

Acá podemos ver un fragmento del mencionado recital. Que locura que ahora tengamos que decir que fue la última vez que pudimos verlo arriba de un escenario.

Cornell inició su carrera musical en una banda llamada The Jones Street Band, en donde hacían covers de AC/DC, Sex Pistols y The Ramones. Luego se unió a The Shemps, fue allí donde conoció al bajista Hiro Yamamoto. Tras la separación de la banda, Chris y Hiro se contactaron con Kim Thayil y juntos crean Soundgarden. Sólo hay que repasar lo que fueron los principios de los años 90 para dimensionar el impacto que tuvo Soundgarden en la escena musical.

Luego de la ruptura de la mítica banda, Cornell hizo algunas colaboraciones con la banda Eleven, que tenía como integrantes a dos ex Queens of the Stone Age como Alain Johannes y Natasha Shneider. Luego llegó el momento de Audioslave. Junto a tres de los ex Rage Against The Machine, Tom Morello, Tim Commerford y Brad Wilk. Luego de tres discos y de, por ejemplo, un show histórico en mayo de 2005 en La Habana, Cuba, Chris decide irse de la banda por diferencias personales y musicales con el resto de los miembros.

Tras dos discos como solista y varias colaboraciones, en enero de 2010 Cornell anunció la vuelta de Soundgarden. Fueron 12 años de separación los cuales se sanearon con una serie de conciertos acústicos, una participación en el Lollapalooza de Chicago del 2010 y un disco llamado “King Animal“.

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Actualmente se encontraba realizando una gira por el interior de los Estados Unidos presentando su último trabajo discográfico como solista, “Higher Truth” y tenía programados seis conciertos más durante el mes de mayo.

El mundo de la música inmediatamente se hizo eco de la noticia:

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El hijo de Yoko Ono y John Lennon, Sean, expresó su dolor y envió sus condolencias a los amigos, a la familia y a los fans de Chris. “Uno de mis compositores favoritos. En realidad, una de mis influencias más grandes“, agregó el cantante. Además indicó la “necesidad de que Soungarden sea incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll. “A Chris no le interesaba pero, como él dijo, a los fans sí y eso es lo que importa“, concluyó.

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El gran Jimmy Page también expresó su dolor por la muerte de Chris. “Increíblemente talentoso. Increíblemente joven. Será echado de menos de forma increíble“.

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Elton John también mostró su asombro: “Shoqueado y muy triste por la repentina muerte de Chris Cornell. Un gran cantante, compositor y el hombre más amoroso“.

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El cantante de Aerosmith, Steven Tyler, compartió en su cuenta oficial de Instagram una foto junto a Chris. “Hay una nueva estrella en cielo que brillará por siempre” y agregó: “Fuiste un gran amigo. El mundo te extrañará mucho, con tristeza, con amor…”

La lista es interminable, cada músico se vio afectado por esta devastadora noticia. Aquí una galería con varios de los artistas que se expresaron a través de sus distintas redes sociales:

Para concluir, te dejamos una lista de reproducción con lo mejor de la obra musical de Chris Cornell. Él pudo haberse ido físicamente de este mundo, pero su música perdurará por el resto de la eternidad.

CHRIS CORNELL (20 de julio de 1964 – 17 de mayo de 2017)

Escuchá el disco nuevo de El Bordo

El Bordo lanzó ayer su séptimo disco “El Refugio”, que recrea un grunge argento de alto vuelo de la mano de los hermanos Kurz y la producción de Alejandro Vázquez.

|Por Marcos Gabarain|


El disco sigue la veta artística del anterior disco “Hermanos”, también producido por Vázquez, pero se atreve a meterse en el funk y el disco con “Humano” (algo de los Red Hot por ahí, seguramente) y a versionar en castellano a Nirvana (el inédito “Talk To Me”, incluído en el dvd “With The Lights Out”).

“El Refugio” cuenta con 12 canciones y está dedicado a la sala/estudio que ellos mismos construyeron para realizar este disco y, si dios quiere, muchos más. Enhorabuena para El Bordo!