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Los “Fetiches” de Río Pardo

Río Pardo lanzó el pasado viernes su segundo LP “Fetiches”. El pop y el ritmo ascienden de manera vertiginosa a través del disco, y el dúo compuesto por Nacho Bellusci y Lio Quiroga habló al respecto.

|Por Marcos Gabarain|


El Disco

“AlgoRitmo” es un seudo trap melancólico con una melosa voz de Quiroga. Obnubilados sintetizadores elevan el aire en la secuencia pre baile, donde la vorágine de sonidos te lleva a otro lado, para que la sorpresa disco sea más eficiente. Para el genial videoclip, colaboraron estos amigos de la banda: Aruki, Diego Montoya, Belén Marón, Carla Saldutti, Synergy Benton, Emi Mendez, Juan Goñi, Juan Manuel Hernando, Juan Pablo Battista, Manuel Donamaria, Martina Marcos, Muriel Arroyo, Victoria Giovachini y Ezequiel Parodi.

“F.L.A” comienza con la voz de Nacho Bellusci al frente en un pop muy cuidado que depende mucho de su marcado ritmo. La sensación que dan los “sintes” en esta pieza es que estamos en un remake de Blade Runner, pero acá por la zona. El estribillo adquiere proporciones intergalácticas con armonías finas y una reverberación que los coloca en el espacio exterior (“Ya sabés tu flash te dice que es igual/La verdad del mar se puede desarmar”). Sin lugar a dudas, es uno de los fuertes de “Fetiches”.

“Simular Singular” es un proto funk lineal que no pierde pisada y se vuelve una aventura animada cargada de guitarras y coros implícitos. La belleza reside en la unión de ésta con “Viento Amigo”, una ópera de meditación anti ficción (“Un espejo que cree poder copiar/ ese brillo en tus ojos que parece universal”) que bien podría formar parte de los últimos dos trabajos de Arcade Fire.

Como requiem final, “Fetiches” se despide con el instrumental de 6 minutos “Gruva”, una incursión al House introspectivo que suelen proponer los franceses de Daft Punk. Aquí caben las comparaciones y las similitudes porque el lenguaje musical es uno, y además Rio Pardo también es un dúo (¿Casualidad o Causalidad?).

Laburar sin fronteras ni limitaciones, en cualquier rubro o hobbie, es algo incomparable. He aqui el tándem Quiroga/Bellusci, Bellusci/Quiroga, en estado de gracia con sus pretensiones y sus no pretensiones, dejando soltar su amalgama de lisergia y pop, de flash y baile. El retorno de Río Pardo es gratificante y su ausencia en los escenarios está cerca del final.

“Fetiches” es un disco auto producido que contó con la participación de Federico Barreto en mezcla y producción. La nueva gráfica de la banda y el arte de tapa fueron realizados por Juan Pablo Battista. El larga duración fue lanzado bajo el sello Desde El Mar Discos.

La Entrevista

-“Fetiches”¿Por qué?-

LQ:-Y, cuando algo te gusta mucho y te tira algo que no se puede explicar, eso es un fetiche. La música es un fetiche.-

NB:-Nos cerró por ese lado, y segundo por que es una palabra que usamos bastante. Si te pones a analizar, Rio Pardo desde siempre fue un conglomerado de distintos prismas. Siempre sentí que hay muchas cosas que me gustan metidas acá.-

-¿Cómo fue la química de trabajo ahora que son un dúo?¿Cambió la manera de componer las canciones ahora que son un dúo?-

NB:-Antes trabajábamos más desde la zapada. Ahora es totalmente diferente. Tuvimos que aprender a usar los programas, por ejemplo-

LQ: -Para este disco trabajamos desde cero la canción. Elaborábamos un marco y le íbamos añadiendo colores. Anteriormente nos concentrábamos en el instrumento de cada uno. Este disco se habló muchísimo. Antes de armar un concepto, se trataba de sintonizar para estar en la misma. A partir de eso, la canción te pide cosas.-

-¿En qué instrumento se concentra “Fetiches”?-

LQ:-Quisimos que el bajo sea muy protagonista y que haya menos guitarras. El sinte además nos daba la posibilidad de sumar matices.-

NB:-El disco anterior tiene más guitarras, pero también tiene sus momentos de capas y colchones. Eso sigue estando. Río Pardo no cambió tanto, tal vez un poco el sonido. Hay menos guitarras pero siguen presentes.-

En épocas de inmediatez e instantaneidad, los Pardo plantearon al disco como para ser escuchado entero, aunque según las palabras de Nacho, “se puede escuchar de ambas maneras”. Lio también se expresó al respecto, argumentando que consideraron que “con el orden de canciones, la intensidad iba a ir subiendo hasta terminar con “Gruva”, que es un House”.

-¿Cómo fue incursionar en ese género?-

LQ:-Estuvo buenisimo. Fue buscar el groove y una buena línea de bajo. Es más, me parece que los mejores bajos del disco se dan en ese tema. Fue el tema que hicimos con Fede Barretto de una. Veníamos con la dinámica nuestra y se sumo él a tirar la suya. fue bastante interesante.-

-Me imagino que con esta adrenalina del lanzamiento nuevo estarán ya pensando en presentarlo en vivo ¿No es cierto?¿Extrañan los escenarios?-

LQ:-Si, los vamos a presentar. El disco va a salir rodando por ahí. La idea es hacer dos o tres fechas este año, bien pensadas. La banda ya está armada, pero antes de tocar en vivo tenemos planeado grabar una sesión para captar el vivo-

-¿La unión entre “Simular Singular” y “Viento Amigo” fue intencional?

LQ:-Era un sólo tema. Lo dividimos por una cuestión de “Capitulo 1 y Capítulo 2”. Nos planteamos: “Qué loco sería que entre un tema y otro se mantenga sólamente la batería”. Era como un concepto de los viejos medley de las bandas de antes. Es algo que no se escucha más.-

Una vez finalizado el trabajo de editar el disco, Quiroga describe a “Fetiches” como “un disco con mucha personalidad y sorprende al oyente. es sincero, no te quiere vender ninguna. Por ese lado, va a crecer como tenga que crecer”. Ese “que sea lo que tenga que ser” es una buena manera de ver las cosas. La banda está contenta con el producto, la preocupación ya pasó. Ahora es tiempo de disfrutar.

Entrá al universo de Río Pardo con nuestra playlist de Spotify:

Seba Toyos lanza su ópera prima en medio del caos

El marplatense Seba Toyos lanzó la semana pasada su primer disco “Principio”, un trabajo auto producido que viaja entre los “no géneros” actuales y la nostalgia de la música pasada con el fin de bailar, pensar y salir a andar. Radicado en Buenos Aires pero con aires costeros, el músico habló sobre sus inicios, sus gustos y el proceso de grabación.

|Por Marcos Gabarain|


El disco

Toyos se ocupó de grabar todos los instrumentos, salvo por las baterías (obra de Guido Barciulli, de Laos) y unas ocasionales voces por Manuela Sisti (ambos en Estudio Bulo).

“1996” abre cual “Himno de Mi Corazón” con una batería electrónica y colchones infinitos de teclado. No solo existe una similitud desde lo rítmico (luego se traslada a un trap sentimental), sino que se puede sentir una intención pura y humana desde la voz, así como lo hace Miguel Abuelo en una de sus canciones más emblemáticas. Siempre está esa canción en la que el artista declara su humanidad. Bienvenida sea.

“Bailando En El Espejo” es una receta magistral para sobrevivir un apocalipsis anunciado. Desde los estridentes teclados a la furia guitarrera, la canción elige disimular y no disimular sobre las cosas que están sucediendo. Para bien o para mal, Toyos siente la urgencia de declarar en contra y a favor de todo, en un grito de liberación.

Foto por Matias Calzolari

Luego de la furia, “Dream” te cobija con la sutil batería de Guido Barciulli  y te sienta en el asiento de acompañante para un lisérgico viaje pop entre la lluvia y las galaxias. Los arreglos distorsionados a puro Chorus de la guitarra de Seba recuerdan a aquellas que tanto distinguen a Adam Granduciel (The War On Drugs), por la intención de cautivar dentro de la melodía. Un gran silencio te despide de una de las canciones más ruteras del disco.

La pista de baile vuelve a la escena con una contundente lírica en “Tiroteo”. Su primer frase te congela de inmediato (“Por favor, no me disparen”), en una secuencia que denota teatralidad distópica y una realidad siempre nefasta, como lo es la represión policial. Aún así, ante tanta negatividad (“Voy a caer en cualquier momento”) el momento de la canción es el siguiente: “Estar vivo es un movimiento”. Aplausos.

Toyos tocando con Firpolar. Foto por Lucía Matis

“Amor”: El Seba Toyos dulce y encantador recrea un romance onírico desde su guitarra a lo John Lennon y cautiva con su voz en menos de tres minutos (“Me enseñaste a confiar en mí”). Todo está dicho en una balada minimalista y efectiva.

Sin saberlo, el viaje continua y se acerca a su fin. El disco se hace muy llevadero, sus diferentes climas y objetivos rítmicos hacen que se disfrute mucho. La voz de Toyos es singular y de una afinación justa, ideal para un sinfin de mambos y contra-mambos. En “Hablar”, esas cuerdas vocales oscilan “entre laberintos”  y son acompañadas por un ciclico teclado.

El epílogo es “Night“: una obra con guitarras al frente a lo “OK Computer”, lo suficientemente contundente (se me acaba de ocurrir) para decir adiós. Los golpes de la percusión hacen de los últimos minutos un trance hacía otro día. Las teclas te llevan hacia la puerta. Eso es lo que define al disco, te acompaña a que salgas al mundo, desde la visión de un veinteañero. ¿Que más querés?


La Entrevista

-¿Cuál fue tu primera experiencia con la música? Lo más lejano que recuerdes en tu infancia?-

Me crié en una familia de músicos. Mis viejos son músicos de orquesta, y mi hermano mayor es contrabajista. Así que la música estuvo muy presente desde siempre. Los recuerdos mas fuertes que tengo son de mucho flamenco, los Beatles, de escuchar las bandas que le gustaban a mi hermano y de pasar las mañanas dando vueltas por el teatro mientras ensayaba la orquesta.-

-Mencionas a John Lennon, Prince, Charly García y Frank Ocean como tus influencias ¿Cómo llegaste a estos artistas y que obtenes de cada uno?-
Creo que fueron los “pilares” que circularon durante la creación de este disco, como inspiración y como puntos a seguir. Lennon representa para mi la sensibilidad y el buen gusto, es como indiscutible. Charly es el ir para delante de frente y cagarse un poco en la mirada ajena, pero con una calidad y una delicadeza increíble. Prince es la autenticidad y el perfeccionismo a través de una dedicación absoluta a su obra. Y Frank Ocean creo que reúne un poco todo lo anterior pero desde la perspectiva del mundo actual, con la independencia como impronta artística.-
-En tu disco te encontrás una variedad de géneros e intenciones, que van desde el synth pop, a la psicodelia y el trap ¿Crees que hoy en día todo puede convivir dentro de la música?-
Creo que es algo tan intencional como inevitable. Los géneros son del siglo pasado. Hoy cualquier tipo de música es accesible para todos y pueden convivir perfectamente. Podemos escuchar lo nuevo de Tyler the Creator y de Mala Fama, por la misma plataforma, en cuestión de minutos e investigar las herramientas para analizarlo. El desafío es hacer algo creativo con toda esa información.-
-¿Cómo es la sensación de grabar un disco por cuenta propia?¿Cual es la exigencia de auto producirse?-
-Es todo un proceso, mucho prueba y error. Hay momentos de obsesión injustificada en los que todo te parece que es malo, y momentos de auto descubrimiento muy lindos. Es muy necesario poder tomar distancia de la obra para tener objetividad, pedir opiniones y alejarse un poco para volver a trabajar con la mente fresca. También hubo toda una parte de mezcla y mastering de la que no me hice cargo por una cuestión de inexperiencia.-
-¿Cómo llevás los dias posteriores al lanzamiento?¿Estás pendiente de la recepción y la cantidad de reproducciones?-
-Bastante nervioso, sobre todo en este disco que es el primero. Quería que todo se vea de una manera linda y se entendiera el concepto. Estoy pendiente pero trato de relajarme porque es muy cansador. En definitiva, si la idea está bien lograda y te manejas con cierta “prolijidad”, el mensaje va a llegar a donde tenga que llegar, y de ahí seguir construyendo y mejorando.-

Foto por Camila Flores

-¿Sentís a la actual situación socio económica del país como una inspiración para tu trabajo? en “Bailando En El Espejo” hablas sobre un cambio en el mundo e intentas alejarte de eso con el baile.-
Es una inspiración y a la vez es un condicionamiento. El disco lo hice pidiéndole la computadora prestada a mi novia, y quizás en otro contexto socio económico hubiera optado por otras condiciones. “Bailando” tiene que ver con eso, pero mientras todos están bailando, nuestro mundo está cambiando y hay espejos en algún lado que inevitablemente muestran la realidad. Es un poco un llamado de atención para aquellos que siguen bailando mientras todo se va a la mierda. Esa frase está relacionada con todo el cambio generado por el movimiento de mujeres. La idea del baile como antídoto también es correcta. Cualquier interpretación es válida, no hay un solo significado.-
-La letra de  “1996” es una declaración de principios ¿Cúanto hay de autobiográfico en la canción?-
Es autobiográfica y es un desahogo, la necesidad de amigarme con todo lo que soy, gritarlo, y empezar desde ahí. Que sea el primer tema del disco fue una decisión absoluta.-

Foto por Camila Flores

-¿Quedaron canciones afuera de “Principio”?¿Planeas grabarlas en el futuro?-
Quedaron canciones que venían dando vueltas desde antes de empezar con “Principio” y algunas ideas sueltas que fueron quedando en el camino. Probablemente arme un EP el año próximo con algunas de las mas viejas y algunas cosas nuevas.-
-¿Qué objetivos te planteas para tu carrera?-
-Siento que hay grandes cosas por delante, en principio intentar vivir de esto, crecer a nivel artístico y de producción, ser cada vez más directo y que eso sirva para algo, tener un equipo de trabajo cada vez mas profesional. Es el “principio” de una decisión de vida. Producir a otros artistas también me encantaría.-

Canciones Eternas: “One More Time” de Daft Punk

En 1998, Daft Punk grabó junto a Romanthony la canción más importante del House. La electrónica llegaría finalmente al mainstream gracias al Auto Tune y el Animé.

|Por Marcos Gabarain|


Seguramente, para todos aquellos que disfrutaron de MTV en su plenitud, “One More Time” marcó un antes y un después. La canción, y su videoclip, fueron la piedra angular de una nueva especie de música para el mundo entero. Hasta ese entonces el House era cuestión de antros y minorías, y aunque “Homework” fue un despertar interesante, esta canción del segundo disco de los franceses cambió todo.

Thomas Bangalter y Guy-Manuel De Homem-Christo siempre tuvieron presentes a sus ídolos. Es más, le hicieron una canción a sus “Teachers” (Homework). Para su álbum número 2, quisieron ir más allá de lo que concierne exclusivamente a la música y contrataron a uno de ellos, Leiji Matsumoto (dibujante japonés) para crear un animé relacionado con las canciones. El trabajo resultó en una película completa con “Discovery” de banda sonora: “Interstella 5555”.

“One More Time” fue grabada junto al cantante y amigo del dúo Romanthony, y su voz contó con el efecto “Auto-Tune” que convertió su interpretación en algo más robótico.

Además, en el medio del frenesí de ritmo y melodía (minuto 2:20) ocurre un interludio de voz y sintetizador que nunca fue recortado para encajar en las pistas de baile. El famoso “Breakdown” se disfrutaba en el cheboli, tal vez porque el desenlace lo hace aún más épico.

La obra sigue siendo el éxito más grande del dúo, y una de las canciones más importantes de la historia de la música electrónica. Me arriesgo a decir que todos los dj’s del mundo han usado “One More Time” en algún momento de sus carreras, ya sea en sus comienzos o en un escenario consagratorio. Seamos sinceros, es alto tema.

Jungle abre el alma en “For Ever”

Jungle lanzó su esperado segundo disco “For Ever”, un trabajo que proviene desde la tragedia y los nuevos horizontes. Muchas emociones, mismo patrón y hasta sabores diferentes.

|Por Marcos Gabarain|


“Smile” comienza como un rito de iniciación a una tribu reverberante de tambores y bailes. El trance hipnótico de la percusión de repente se esfuma y le da el pie para que “Heavy, California” nos arroje en la pista de baile. El estado del sudoeste de los Estados Unidos usualmente recibe muchos mimos por parte de los músicos, y a veces no tanto. El resultado es una canción bailable y despreocupada que repite la fórmula del trabajo discográfico anterior.

Otro de los singles lanzados fue “Beat 54 (All Good Now)”, una suave danza con mucho soul y voces multiplicadas. Los ánimos de fiesta descienden cuando “Cherry” avanza serpenteante y sensual. Los teclados rítmicos y arreglos aislados le dan una sensación cálida y nocturna al tema.

Josh Lloyd-Watson, uno de los creadores del proyecto, admitió que “este disco tiene un proceso de duelo y curación” debido a que los oriundos de Shepherds Bush, Londres perdieron a un amigo cercano hace poco (“When all your dreams are gone/And you’re still holding on”, cantan en “Casio”).

La banda también aclaró que expandió su sonido para mostrarse diferente y fresco. Los diferentes ritmos, las atmosferas más cercanas al ambient y las letras más directas (“Hell on the way/Help me I’m afraid”) hacen de “For Ever” algo nuevo. Si, Jungle es la misma de hace unos años, pero abre más sus alas.

Pasó mucho tiempo entre el disco debut y su seguidor, pero la espera fue fructífera al fin y al cabo. Pasando la mitad del LP, “House In La” es esperanza y oscuridad down tempo (“I feel alive in the sunlight/All my fears are only real life”), y su tenebrosa instrumentación es un pop desabrido que te deja un gusto amargo en la boca. La producción de Inflo sirvió para entregar un producto cuidado y sin mucha invasión por parte de los instrumentos. Todo es natural y medido.

“Home” es el momento más íntimo del disco (teclados y voz), donde el falsete se vuelve frágil. En “Pray”, una explosión setentosa de cuerdas instala el crepúsculo de el disco regreso de Jungle. Un disco que los muestra más humanos, un poco más arriesgados y con ansias de canalizar sus situaciones a través de 13 canciones.

Podemos bailar, pensar y repensar mientras escuchamos “For Ever”.

Prisma y Total Fatal, juntos en Zwan

Prisma y Total Fatal se presentarán juntos el próximo sábado 3 de marzo a las 23 en Zwan (Balneario 6, Playa Grande). Ambos proyectos respondieron unas preguntas en la antesala del show.

|Por Marcos Gabarain|


Además de los live sets de Prisma y Total Fatal, la fecha continuará con los dj’s Juan Panza y Gonzalo Perez Rojas. El dúo conformado por Mariano Balestena y Nacho Díaz habló sobre el live set actual de Prisma y qué les depara del 2018, además de referirse a los colegas que los estarán acompañado en la fecha. Balestena declaró:

-¿Que sienten al tocar en vivo su repertorio nuevo?- 

-Sentimos que la performance vibra en una frecuencia mucho más alta y en mayor conexión con el público. Nuestra búsqueda por una dinámica más espontánea e improvisada nos llevó a crear un live sin interrupciones, con una impronta más bailable pero sin dejar de lado el origen de experimentación que tiene toda nuestra música. En este formato nos presentaremos en “Comma” el sábado, sumado a algunos de los tracks que venimos tocando últimamente.-

PH: Paula Amenta

-¿Como será el 2018 para Prisma?- 

-Pasamos un par de años haciendo una carrera de “banda under” tocando mucho en vivo, así que el 2018 se perfila como un año de producción y de ampliación de nuestra llegada, tanto en la presencia virtual como en fechas en otras ciudades. Un EP con nuestro track “Mosaiquismo” verá la luz pronto, acompañado por un videoclip filmado por Chumbo films.-

 -¿Encuentran similitudes musicales con Total Fatal?-

-Además de ser dos dúos que hacen live set tocando instrumentos y con cierta cuota de improvisación, encontramos similitudes en la combinatoria de beats bailables con texturas más inclasificables.-

Quienes también dieron testimonios antes del evento fueron los Total Fatal (Adrián “Canu” Valenzuela, de Altocamet, y Nicolás Spampinato), dupla que desde que dio su puntapié inicial a fines de 2017 ha estado presente en la escena musical de la ciudad. Spampinato tomó la posta:

-Tuvieron un verano activo ¿Que se puede esperar del resto del 2018?-

-Tuvimos nuestro debut en diciembre en el “Energía Divina”, y luego seguimos en 2018 con dos fechas mas: una en Cabo Largo junto a SLNT y otra con Salam Aleikum, Cussy Fernandez e Indigo Félix. Esperamos seguir tocando este año, aprender y sacar más canciones. En el show de mañana presentaremos dos temas nuevos, y vienen dos más en camino. Hoy en día lanzar discos no es vital, pero si se pueden hacer simples y ep’s para seguir actualizándose-

-¿Como se complementan como dúo?¿Los roles están definidos a la hora de componer y ejecutar las canciones en vivo?-

-Es una experimentación. Nos complementamos muy bien. Ambos componemos canciones e improvisamos juntos. Una vez que eso está “maqueteado”, se hace una post producción que incluye mezcla y masterización. Los roles están definidos y al mismo tiempo no. Nos dejamos llevar. Yo usualmente me encargo de los bajos y los sintetizadores, mientras que “Canu” se ocupa de los samples y las bases. Nos ajustamos al track que estamos ejecutando.-

El ciclo LVX hace su debut mañana en Cabo Largo

El ciclo LVX hace su debut mañana en el balneario Cabo Largo (rotonda El Faro) y contará con los shows en vivo de SLNT, Total Fatal y Saxoloco y los dj sets de Pedro Petrelli, Juan Panza y Facu Medina. Leo Ferro (SLNT) respondió unas preguntas en la antesala.

|Por Marcos Gabarain|


Asdrúbal Gómez (colaborador visual de SLNT) estará encargado de las visuales, en lo que será una fecha gratuita producida por Moi Moi. El balneario cuenta con coctelería y platos gourmet para el que quiera disponer de algo para tomar y comer.

Leo Ferro, un amigo de la casa, habló sobre lo que fue el final de año para SLNT, y dijo que “cerramos el año de la mejor manera con el lanzamiento del EP “Cardinal”. Empezar el 2018 nos motiva mucho para lo que se viene.”

Además, el marplatense dio su opinión sobre el escenario donde estarán presentando su obra el día de mañana: “Es ideal. Vamos a tocar en una terraza frente al mar bajo la luna y las estrellas, con un line up increíble y lleno de amigos. Es la primera vez que compartimos escenario con Total Fatal, así que se viene un fin de semana deluxe.”

Escuchá nuestra Playlist en spotify para ir manejando la ansiedad:

SLNT lanzó “Cardinal”, un EP danzante

SLNT lanzó el pasado domingo su nuevo EP “Cardinal”. En él, se incita al baile y la profundización. Leo Ferro, mente maestra del proyecto, habló sobre el uso del streaming, el proceso de grabación y el significado de la música.

|Por Marcos Gabarain|


De 18 minutos de duración, “Cardinal” le sigue al LP “Espeja”, de 2016. Fue producido por los clásicos colaboradores y miembros de SLNT: Leo Ferro, Milton Von Vivant, Martin Castelletta y Juan Hoy. El arte de tapa fue realizado por el artista visual venezolano Asdrúbal Gómez.

El disco

“Movimiento I” es una emergencia inspiracional que llega a la superficie casi como un mantra, enredado entre colchones tétricos de sintetizadores y efectos especiales. Sin saberlo, nos adentramos en “Inmersión”. Musicalmente, ese entrar a algo existe, por lo que la canción está titulada correctamente. El ritmo ya se hace sentir, mientras Ferro intenta seducir (“Acércate, no hay nada más que hablar”). De repente, unos latidos golpean con presencia y la atmósfera se carga a cuentagotas.

El arquitecto de esta obra sigue apuntando a que su música sea una experiencia. En “Savna” redobla la apuesta y entre voces suaves reverberadas el house se vuelve inevitable. Esta es la canción más uptempo de “Cardinal”. Es para menear el organismo.

SLNT en el último Festival Desde El Mar

“Movimiento II” es más ecléctico todavía. Los detalles ahondan y abundan en estéreo. En “Vapor” la invitación es a la liberación, un “carpe diem” electrónico de ritmo complejo (“Se evapora el tiempo”). En el universo de Leo Ferro existen ondulaciones y una sed por lo intrépido. “Cardinal” se despide a fondo, y al parecer este orden de canciones “no fue casualidad”.

Este EP no se desprende de su anterior trabajo, “Espeja”. Es más, tiene mucha personalidad propia. La necesidad de arrojar unas nuevas melodías al mundo es vital para el artista, y el concepto de un “Mini Disco” a veces tiene sabores amargos y una malinterpretación de la audiencia. Un EP es osado, no significa que falta nafta. Tiene su costado especial dentro del arte de la música, y hay que respetarlo. Este es un gran EP que muestra nuevamente a SLNT en pleno juego, más acelerado pero atento a cada peldaño.

SLNT, por Belen Gioffre

La Entrevista

-Pasó menos de año y medio desde que lanzaste tu útlimo larga duración ¿Este EP es parte de ese mismo trabajo o es otro concepto?-

-Siento que toda mi obra está íntimamente conectada, y cada paso representa una evolución del anterior. A la vez, en cada trabajo intento ir explorando nuevos conceptos sonoros y temáticos, accediendo a nuevas formas de componer y concebir la obra, la mezcla y el show en vivo por lo que en cada disco o EP se revela una nueva etapa, se percibe un cambio.- 

-¿Cuál sentís que es la diferencia entre un LP y un EP? Ya sea desde lo conceptual a lo organizacional- 

-En un momento creí que sería más rápido el proceso, pero luego me encontré con que le terminamos metiendo la misma energía y tiempo que a un LP. La diferencia radica en explorar un concepto de manera más compacta, lo cual fue todo un desafío.-

-“Savna” es una canción que se acerca más al house ¿Por qué te inclinaste hacia un ritmo más acelerado en esta ocasión?¿Hay alguna canción más como esta en el nuevo EP?-

-Siento que en trabajos anteriores ya hubo ritmos acelerados, pero quizás no se incursionó en el house como en este caso. “Savna” es un tema bien “deep”, para ir despegando. El EP explora un costado electrónico con tintes deep house y a la vez tiene pasajes ambientales, como “Inmersión”un track bien “slow”. Estas nuevas composiciones suman mucho al concepto de show en vivo que estamos proponiendo con la banda actual (conformada por Martin Castelletta en batería y Juan Hoy en teclas y coros). Se trata de un show bailable, con pasajes instrumentales, un poco de improvisación y subidones mágicos.-

-¿Como fue el proceso creativo y de producción del nuevo EP?- 

Fue un proceso muy puro, una linda canalización de energías que fue tomando forma de obra. “Inmersión”, por ejemplo, nació de una improvisación en un ensayo con Martin y Juan. Los otros temas lo fui creando en soledad, y luego pasaron por otros oídos y colaboradores. Juan sumó algunos colores desde los sintes, Martin realizó un trabajo enorme en la parte percusiva del EP, mientras que Milton (Von Vivant) aportó mucha mucha magia a la mezcla con algunos toques claves en post producción. El cierre se lo lleva Luis Demarco, con quién vengo trabajando desde “Espeja” en la masterización. –

-¿Cómo aporta Asdrúbal Gómez desde lo visual y artístico a la obra?-

-Además de aportar energéticamente en los procesos, con Asdrúbal trabajamos arduamente para lograr materializar nuestro sonido hacia el lenguaje visual, ya sean las visuales de los shows, videoclips, fotografías, como el arte de este último EP. Hoy en día es un miembro estable del equipo y logramos una retroalimentación súper rica.-

-Sabiendo que tu música se escucha en otras regiones del mundo ¿Ves al streaming como la salvación de la música?-

-La veo como la manera actual más elegida a la hora de consumir música y que permite acercarnos a públicos a los que no tendríamos acceso fácilmente. La salvación de la música viene de la mano de lo compositores, esos que crean desde un lugar de honestidad y respeto hacia sí mismos y de ahí a todo el que los escuche.-

“La salvación de la música viene de la mano de lo compositores”

SLNT en el último Festival Desde El Mar

-¿”Cardinal” tendrá el sabor de “Espeja”, ese sabor a “baile pensativo”?-

-Hay introspección pero a la vez hay una invitación al movimiento libre, desprejuiciado, íntimo e ideal para compartirse.-

-¿Jugás mucho con los sonidos ambientales para agregarle ese plus a los temas?-

-Son la tierra desde dónde florece el resto. Actualmente no concibo crear ni producir música si no me apoyo en primera instancia en timbres y atmósferas por lo general provenientes de elementos y ambientes orgánicos. Encuentro mucho placer en esa fusión con lo electrónico.-

-¿Qué es la música para vos?-

-Es lo cardinal. Mi máximo canal expresivo y un gran motor que me sostiene a todo momento, bajo cualquier circunstancia de la vida.-

Arte de tapa, por Asdrúbal Gómez

La Presentación

SLNT presentará por primera vez en vivo su nuevo disco el próximo sábado 9 de diciembre a las 22 en Zwan (Balneario 6, Playa Grande), en el marco de un nuevo Festival Energía Divina, organizado por Tintero Argentino. Si todavía no escuchaste “Cardinal”, acá lo tenés:

Cussy Fernández: “La música de hoy no me gusta”

“Intento que cada fecha sea diferente pero que todas tengan algo en común: Que sean épicas”.
Este viernes a las 20, Cussy Fernández vuelve al Club Tri (XX de Septiembre 2650) para deleitarnos con su repertorio.

|Por Ivana Freije|


Con un show “bien arriba y rockero” paseará entre sus seis discos, sin dejar de lado a la emoción y a las lágrimas.

-Te presentás junto a Perras On The Beach. ¿Ya los conocés a los chicos?-

-No los conozco y no he podido escuchar. El contexto donde se organiza nuestra  fecha y quiénes la organizan, nunca eligen mal.
No escucho bandas nuevas. Me cuesta abrirme camino a eso, me quedo con lo clásico.  La música de hoy no me gusta, la siento como una propaganda de teléfonos móviles. Sin sentimientos: ¡Tecnología mal usada!-

 

Cussy Fernández, músico y poeta marplatense. PH: Inés Zandegiacomi

 

El multiinstrumentista  ha estado un tiempo sin tocar, pero volvió y recargado: “Abro mi corazón y creo que eso puede ayudar a mejorar el mundo; y mi mundo se limita ahí, en quiénes vienen, en quiénes están escuchándonos”.

Todos tenemos una previa

Cussy se organiza con sus compañeros: Ramiro Martínez, José Gaselar, Antonio Savasta y Salomar. “Tengo el placer de poder estar acompañado de ‘músicos amigos’ de la infancia   Al estar con ellos me siento muy feliz y contenido.

-¿Cómo vivís cada presentación?-

-La vivo diferente. No tanto por el lugar o la fecha del mes que sea; sino porque creo que cada una tiene una carga emocional diferente. A veces me resulta más difícil que otras presentarme en vivo porque suelo sentirme desnudo.
Suelo sentir ansiedad antes del show, mientras el público entra. Cuando termina el recital acciono a querer escapar rápido. Aún creo que hay algo de inocencia en eso (Risas)-

Cussy Fernández. PH: Inés Zandegiacomi

 “La Confusión” es su último clip, un video-hometube como él etiquetó. La historia de ese tema nace en terapia, Cussy recuerda entre risas cuando su terapeuta le dijo: “Quisiera ser Dios. Para que querer ser menos si podés ser Dios”

“La fuente de inspiración es algo que surge de arriba y no puedo describir conscientemente”, asegura. Comenzó a tocar la guitarra, y en un día y medio y había grabado, escrito y filmado la canción.

Sin dudar y en toma directa subió el video a internet: “Hay partes un poco desprolijas pero lo deje así, por la desesperación de querer mostrarlo y poder dar un mimo a alguien a la distancia”.

-“Transforme a insignificante una multitud de ideas trastornadas por placer” ¿Cuáles son esas ideas? –

-Facebook, YouTube, el porno, la violencia, la falta de educación y de valores; las transformé por amor.
Resulta ser una misión que también me da placer.
Quizá no queda muy claro pero el mundo necesita más amor. Y menos de todo esto que pasa.-

Las redes sociales, las nuevas generadoras.

Cussy Fernández, años inmerso en el mundo de la música y la poesía. Desde los discos hasta las plataformas digitales.

Ha realizado algunas transmisiones en vivo desde su page y obtuvo muy buena repercusión, y cuenta que le gustaría engancharse aún más. De hecho, tiene craneado realizar algún live set para que todos escuchen sus canciones en buena calidad. “Cada tanto sucede”, reflexiona.

La última y personal para quien escribe.

“Segundo Round” una canción que te moviliza cada vez que la escuchás: Caer y seguir luchando

Si bien no le gusta aclarar sus canciones ya que varias son experiencias personales; algunas son cuentos, y otras se las canta a él mismo; confiesa que este tema en particular logró sacarle lágrimas mientras la escribía: “Lágrimas de asombro y de alegría”

“Es mucha responsabilidad como algo tan hermoso poder componer libremente lo que querés escuchar y te gusta”.

Cussy Fernández es así. Puro.

SLNT estrenó el single “Savna”

SLNT, el proyecto electrónico del marplatense Leo Ferro, lanzó hoy el single “Savna”. De impronta cercana al deep house, con su sello propio, la canción adelanta el lanzamiento del EP llamado “Cardinal”, que se espera para mediados de agosto.

|Por Marcos Gabarain|


La lista de colaboradores de la canción incluye a Martin Castelletta (batería), Juan Hoy (teclados), Milton Von Vivant (quien también mezcló el EP), Luis Demarco (mastering) y el venezolano  Asdrúbal Gómez (arte y diseño de imagen). La canción, lanzada bajo el sello Desde El Mar, está disponible en Spotify y Youtube.

Leo Ferro en el pasado Festival Desde El Mar. PH: Cecilia Ricciardi

El proyecto de Leo Ferro cuenta con 4 álbumes y 3 EP editados hasta el día de hoy. “Cardinal” será el sucesor de “Espeja”, uno de los grandes discos del año pasado en Mar Del Plata. En el futuro inmediato SLNT se presentará en vivo en Caras y Caretas (Capital Federal) el 3 de agosto y el 4 en “Dire por Inbox”, fecha que organiza Tintero Argentino en la ciudad de La Plata.

También se avecina, además del lanzamiento del EP, una posible gira presentación acompañada por un videoclip y una sesión en vivo grabada. Son buenas noticias y muchos planes para otro de los artistas de la ciudad. Que siga así.