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Fémina estrenó su último single antes del disco

La banda patagónica lanzó “Plumas”, un nuevo adelanto de lo que será Perlas & Conchas, el disco que publicarán el 4 de abril.


Se trata de la cuarta canción que dan a conocer del nuevo trabajo. Anteriormente habíamos escuchado “Arriba”, “Brillando” y la última “Resist”, con el legendario Iggy Pop. Canciones con la sensualidad como principal protagonista de la maravillosa conjugación de hip hop, soul y música latinoamericana.

“’Plumas’ es el último single”, informaron a través de sus redes sociales. “No podemos esperar a compartirles todo”, concluyeron.

Anderson .Paak no descansa

Aunque sólo pasaron unos pocos meses desde el estreno de Oxnard, el californiano sorprendió con detalles de su nuevo proyecto Ventura. Como si no fuera poco, también compartió un nuevo single, “King James”.

|Por Tomás Vidal|


“Tres años entre Malibu y Oxnard… Saben que no podría volver a hacerles eso”, les dijo a sus fanáticos. Y la verdad es que no podría, no. Teniendo en cuenta su talento, su contrato con Aftermath Entertainment y con la presencia de Dr. Dre en la producción. Con todos esos factores a su favor, sentarse sin sacar nada nuevo no sería una buena jugada. Para nuestra suerte, .Paak estará de regreso muy pronto.

El 12 de abril será el día en el que tengamos en nuestras manos a Ventura, el cuarto álbum de estudio y el segundo bajo el sello de Dr. Dre, quien nuevamente estará en la producción. No sólo dio detalles sobre la fecha de estreno, sino que también compartió su tracklist y las colaboraciones. Entre los artistas incluidos están Andre 3000, Nate Dogg, Smokey Robinson, Lalah Hathaway, Brandy, Jazmine Sullivan y Sonyae Elise.

“Quería mantenerlo tan incubado como pudiera, porque quería mantener las vibraciones de cómo nos sentíamos en ese momento”, dijo sobre Ventura“No quería sobreproducirlo, no quería empezar a cuestionarlo, no quería volverme loco. Me volví loco con Oxnard. Por eso es que puse a Ventura a un costado, como un ‘rómpase en caso de emergencia'”. Con esta última frase, .Paak reconoce que tanto Oxnard como Ventura fueron dos proyectos que se fueron creando de manera conjunta.

Considerando que el principal problema que los críticos tuvieron con Oxnard era la falta de identidad, es reconfortante escuchar que .Paak tuvo el control creativo total sobre este nuevo proyecto, lo cual prometió ser un asunto más conmovedor o significativo. “Dre me dejó tener mucho margen de maniobra con Ventura. Él estaba como, parece que lo tienes. Acá despliego mis alas en la producción, en la escritura y con en estas colaboraciones”.

Como si todo esto no fuera una gran noticia, .Paak nos regaló su primer adelanto “King James”. En esta canción de protesta, con su estilo único, el músico californiano aborda temas como la crisis fronteriza, la policía y su relación con los afroamericanos y, en un momento dado, se pone a cantar desde la perspectiva de Colin Kaepernick, detallando la salida forzada del atleta-activista de la NFL por arrodillarse durante el himno nacional en protesta por los asesinatos de afroamericanos en manos de la policía.

Sin dudas, este tema tiene cosas de Malibu. Aquel disco que lo llevó a estar en boca de todos y que nos cautivó desde el primer segundo. Ese es el verdadero .Paak, el soul, el funk y su increíble voz. 

Acá te dejamos el tracklist completo de Ventura. 12 de abril, a estar atentos.

Toro y Moi compartió el video de “50-50”

Chaz Bear continúa con la promoción de Outer Peace, su más reciente trabajo de estudio.

|Por Tomás Vidal|


Toro y Moi es uno de esos artistas de los cuales siempre queremos tener cosas nuevas. Sin previo aviso, nos sorprendió con el video de “50-50” canción que cuenta con la colaboración del joven productor Instupendo y que cierra su octavo disco Outer Peace.

Este track es un final totalmente adecuado para un disco que estará entre los mejores del 2019. La canción coquetea entre el trap y el soul, con mucho Auto-Tune de por medio.

La pieza visual fue co-dirigida por Justin Morris y Colin Matsui y protagonizada por el propio Chaz Bear. Vestido de una manera particular, lo que sería un astronauta con un conjunto deportivo, y con su paracaídas en mano, Bear vaga por un desierto (u otro planeta) mientras carga su paracaídas. Allí se encontrará una una máscara especial con ciertos poderes que lo llevará a otra dimensión.

Toro y Moi lleva casi una década creando y produciendo contenido. Pero su figura fue creciendo fuertemente en este último tiempo: en 2018 acumuló un total de 47 millones de reproducciones en Spotify. El último dato es que cerca de 1 millón 700 mil personas lo escuchan mensualmente en esta plataforma.

Respecto a Outer Peace, Bear comentó: “Este disco es una respuesta a cómo la cultura se ha convertido en algo tan desechable y a cómo afecta eso a la creatividad. Mientras lo escuchás, podés prestar atención o ignorar, de cualquier manera está bien, esto es música para una mente creativa”.

Recordemos que esta es la segunda pieza visual de su último disco. Anteriormente, Toro y Moi estrenó el video de “Ordinary Pleasure”, que fue dirigido por Mancy Gant.

Guli editó su tercer disco “Yate”

Guli abrió el 2019 con el lanzamiento de su tercer disco “Yate”. La placa combina en menos de media hora un funk peposo con arrebatos soul y grandes invitados. Entrevista a fondo con Agustín Bucich, el mandamás de su propia secuencia que exige menos redes sociales y más groove. Foto por Guido Péric.

|Por Marcos Gabarain|


El Disco

Unknown Mortal Orchestra, Arcade Fire, psicodélia, Parliament Funkadelic, cintas y ese histrionismo del último Childish Gambino. Eso es algo de lo que se percibe como corriente musical para “Yate”, disco auto producido que contó con la mano de Carlos Laurenz en la masterización.

Obertura“: inicio del disco con sonidos en reversa, hiper acelerados, arreglos de cuerda y pulso de soul. “Cintas Con Vos” es un Funk anti digital que fue lanzado con videoclip. Bajo efervescente con slap sabroso y autotune eficiente (alta rima). “No creo más en las vueltas, amor”. Maria Pien suma su voz para el estribillo. El final, abierto.

Arriba” es aceleración y órganos sincopados para un Guli enamorado que seduce y admite: “Yo solo pienso en vos”. “Ansia” incluye a Juan Ingaramo en otro de los singles lanzados en la antesala de la presentación del larga duración. La canción más inquieta del disco entrelaza los bellos tonos de Guli y el cordobés en un estribillo que es una explosión disco. La historia de una noche de “churrito” y bailongos que uno siempre necesita.

Bebé Volvé” tiene, desde lo rítmico y el ingenioso título, un guiño al clásico de Playe, junto a un sensual saxo (“Fue intencional”, admitió). Como en la mayoría de las canciones del disco, la atmosfera transpira groove desde la instrumentación. En esta canción, la batería marca una pulsación sincera que induce al cruce de miradas.

La música de Guli tiene condimentos y mejunjes muy especiales. Tal es el caso de “Ave Fénix“, en el cual uno puede sentir una lisergia lo-fi amalgamada con un groove ochentoso de teclados beatle. Algo de magia se desprende en esta y otras obras más.

MMBF” es el “Legalize It” del indie argentino, una especie de Raggamuffin que implora por la no clandestinidad de la marihuana (“Es espiritual/Es universal”). Ca7riel aporta su flow y carisma. Para el final, este viaje cósmico de R&B flashero llega al eclipse con “No Hay Nadie” junto al Goyo Degano (Bandalos Chinos).

Se entiende que Guli quiere emanar diversión y sabor. Además de eso, en “Yate” podemos ratificar su paleta de colores rítmicos y su amplio abanico de recursos. Sus gustos personales están bien plasmados y eso sin ninguna duda lo ubica como un artista completo.

La Entrevista

-A la hora de empezar a armar el sucesor de Waiata ¿Qué aspectos del disco anterior permanecen en “Yate” y cuales no?-

-Yate lo siento como el cierre de una trilogía que se forma junto a Hanganga y Waiata, para después pasar a otro concepto. Lo que une estos tres discos es algo del modo de arreglar las canciones, pensando en métodos de producción del pop de los 60,70 y 80: Batería, bajo, guitarras, teclados, y voces. Los une el ruido de cinta, y el groove también. Tiene una evolución en el audio, está más prolijo, y tiene un mastering hecho por Carlos Laurenz que lo lleva a otro nivel.-

-También me quiero referir al método de grabación ¿El ritual sigue siendo el mismo a la hora de maquetar y producir la música?-

-En este último disco el método de producción fue distinto, empezando todas las canciones desde un teclado Yamaha barato que tengo en casa, y siempre pensando en hits de fines de los 70 como inspiración. A partir de ahí, fui armando los arreglos y líneas de bata. En los dos anteriores todo empezó desde las baterías, mics y a grabar ritmos, sin saber que iba a meter arriba. Yate es más cancionero.-

Desde el lado emocional, los cambios son miles y el Guli del disco anterior es otro: “los años son muchos en uno, todo lo emocional que pasa en estos tiempos no podría ponerlo acá”. Además, Agustín admite que en esta nueva placa está en un lugar de “jugar un poco al ridículo. La busqueda del ‘éxito’ nos hace mal muchas veces, y en estas canciones me estoy riendo de ese sueño extraño.”

-¿Por qué elegiste a “Cintas Con Vos” y “Ansia” como el primeros adelantos del lanzamiento?-

-No tenía una sola preferencia como primeros singles, fueron debates del equipo de trabajo y decidimos que sean esos, que son hiteros a su manera. El ft. de Juan en “Ansia” me encanta como quedó, siempre sentí que esa melodía le iba bien a su flow. “Cintas Con Vos” fue el primer tema del disco que compuse. Flasheaba con Michael McDonald y me parece que está bueno que ese momento de inspiración inicial sea la primera muestra del material.-

A la hora de transmitir sus sentimientos en una obra, Guli confiesa que “Para mí es algo catártico, no lo pienso demasiado. El trabajo es más el de ordenar y organizar esas ideas salientes de la catarsis.” El artista también admite unas influencias muy marcadas de una época anterior, como lo son Steely Dan, Michael McDonald, Prince, Christopher Cross, Supertramp y Electric Light Orchestra, entre otros.

Soy músico desde hace muchos años, siempre desde la autogestión. Lo que se repite al menos en la mayoría de las historias de artistas es una relación compleja con el concepto de “éxito”. La palabra “Yate”, además de estar específicamente asociada a la serie ‘Yatch Rock’, simboliza ese éxito que es por momentos ridículo.”

“Me río de mí mismo tratando de tener éxito”. Valiosa opinión y sinceridad.

-¿Sos de cuidar y priorizar también la estética y el diseño dentro del producto que ofreces?-

-Totalmente, la estética es algo que me llama mucho la atención y es muy sutil el manejo que requiere, tanto en audio, imagen, letras, etc. En “Hanganga” y “Waiata” yo mismo diseñé las tapas y todo el contenido. En “Yate” trabajé con Guido Périç, que hizo el diseño de la tapa y todas las fotos. Con Guido somos amigos desde la adolescencia y es un capo, eso me permitió trabajar muy cómodo y tranquilo, siempre confié en su criterio.-

-En “Cintas Con Vos” priorizas lo analógico por sobre lo digital ¿Es algo que llevas también al día a día en tu vida, ese desapego de la tecnología y las redes sociales, por ejemplo?-

Hoy en día rechazar lo digital sería algo necio. De por sí grabo en la computadora. Soy una persona nostálgica, y lo analógico para mí representa eso. Por eso disfruto jugar con las cintas, o un juego de NES. Es un poco masoquista en un punto. No tengo especial apego a las redes sociales, no me fluye compartir todo lo que hago por esos canales, pero como casi todos hoy, tengo una maldita adicción al aparato ¿alguien lo niega? Además, al menos en Argentina, si no estás en Instagram, medio que no existís, es extraño. Quiero que la gente a la que le interesa se entere de los lanzamientos y fechas, y eso me mantiene en redes.-

María Pien en guitarra y voces, Ala Moro en percusión y voces, Rodo Ruiz Díaz en teclas, Melanie Williams en batería y Lucila Pivetta en bajo. Esta es la banda con la que Guli toca en vivo y va a seguir haciéndolo en el 2019. “Admiro mucho a todxs”, declara Bucich.

“Diviso en el horizonte un dueto con Jeff Lynne tipo Pimpinela”, acota con humor.

-Para conocerte un poco más ¿Cuál es, si existe, el artista que te cambió la vida y te motivó a hacer música?-

Absorbí muchísima música de chico, por mis viejos, y mi tío especialmente. Creo que mis primeros amores fueron The Beatles (siguen siendo el amor de mi vida), Genesis, Peter Gabriel, Yes. Discos de esas bandas fueron mi primer entrada, después más de púber fui por el punk, y luego el metal, que me enseñó muchísimo.-

Una de las colaboraciones a destacar dentro del disco es la de “Ansia” junto a Juan Ingaramo. Guli dice que “Con Juan tenemos la mejor”, que todo se dio de manera fluida y que el cordobés “la clavó al ángulo”.

-¿A quién le adjudicas tu pasión por el groove?-

Siempre amé las baterías, fue mi primer instrumento. Mi abuelo me llevaba a ver bocha de bandas de Jazz de chico, y armó vaquita familiar para comprarme mi primera batería para mi cumpleaños. Creo que ya viene desde ahí la cosa. Aunque la palabra groove, y el amor más por lo negro de forma consciente es bastante reciente. Toda la música afro de los 70 me llevó inevitablemente a la evolución del groove que se dio en la música de iglesia negra. D’Angelo y Prince diría que son las claves.-

Guli no se considera un obsesivo: “En mis discos dejo ir muchas cosas con pequeños errores a los que me acostumbro y aprendo a querer. No me suele emocionar tanto la música toda perfectita, está bien que la gente se equivoque. Si ves los proyectos abiertos de “Hanganga”, son un desastre, están desprolijos en su edición y disposición. No soy obsesivo, pero aprendí a ser organizado a la hora de grabar y producir para estos últimos trabajos. Me gustan las tomas enteras, cuanto menos pinchada mejor.”

-¿Qué es la música para vos?¿Encontrás emociones similares en alguna otra disciplina artística o hobbie?-

-La música para mí es crear, hace bien crear. A mí me emociona ver nacer nueva música que se rescata del aire, las melodías están flotando y uno las rescata y las baja. Me encantaría sólo poder hacer música y que eso alcance para llevar la vida en ese mundo, pero no quiero perder el foco en que es un momento de juego y catarsis para mí. Disfruto mucho de cultivar y cuidar plantas también, encuentro emociones similares en eso.-

Para conocer más a fondo a este artista, te invitamos a que disfrutes de nuestra playlist de Spotify:

“La Fórmula De La Belleza”, por Nacho DiMartino

Nacho DiMartino lanzó hoy “La Fórmula de la Belleza”, su segundo EP del 2018, en el cual reversiona 3 de sus obras en formato Soul. El guitarrista marplatense habló de todo en una entrevista imperdible. Fotos por Pogo.

|Por Marcos Gabarain|


El Disco

Las canciones que integran “La Fórmula de la Belleza” pertenecen al primer disco solista de DiMartino. Esta reversión es, según el propio artista, una deconstrucción neo soul de canciones originalmente pensadas para un formato de arreglo basado en fuentes acústicas”. El resultado es un trabajo de groove bien cuidado que inevitablemente te lleva a mecer tu cuerpo hacia todas las direcciones posibles.

La sesión de grabación fue hecha en DIAT (Dispositivo Integral de Abordaje Territorial) Casa Caracol, donde se trabaja la prevención y asistencia en los consumos problemáticos de sustancias psicoactivas. Un espacio para jóvenes en Mar del Plata, que fomenta políticas de inclusión a través de la cultura, el deporte, la música, la educación y el arte. En el lugar, cuentan con un estudio de grabación y mezcla a cargo del docente Federico Lenz. Quienes cursan su taller relacionado con el audio y sonido llevaron a cabo el proceso de grabación de forma excepcional.  

La mezcla y mastering fue hecha por Leo Poletto en Estudio Atenas. El arte de tapa, inspirado en un caracol y en forma de homenaje al lugar donde se grabó el disco, fue realizado por Juan Pedro Salomón.

La Entrevista

-¿Cuál es la fórmula de la belleza? ¿Existe? ¿La estás buscando?¿La encontraste?-

Vivo a la belleza como una forma de equilibrio. Supongo que la encuentro en esos instantes en que estoy equilibrado. El nombre del EP hace referencia a la proporción áurea, número al que se le atribuyen cualidades estéticas y el cual se encuentra en algunas figuras geométricas de la naturaleza. Por ejemplo, en el caparazón de un caracol.-

DiMartino tuvo que recrear sus propias canciones y llevarlas hacia un nuevo lugar. Sobre esto, declara que vive la música “como un estado de ánimo” y que “la reinterpretación de mi propio repertorio es algo constante”.”Siempre que toco cuento lo que me pasa, con la canción como móvil, como excusa si querés. Este EP es un testigo, una foto de algo que está en constante movimiento. Estas canciones fueron la herramienta que encontré a mano para contar lo que queríamos contar.”

-¿Has sentido muchas veces esa sensación de “Hoja en blanco” que expresas en “Horas”?¿existe una receta contra esa frustración de no lograr algo diferente?-

-Siempre está la hoja en blanco, el adivinar la expectativa del publico. Lo importante para mi es cumplir, tener el oficio de hacer algo. Lo excepcional pasará si alguno de nosotros vive ese momento de forma única emocionalmente. Retomo la idea de la anterior pregunta: la música es un estado de animo. Dependerá de mis emociones y de mis experiencias si ese día esa canción será épica o la voy a olvidar; si en ese show voy a dejarle algo al que este abajo para siempre, por un rato o en media hora no se acuerde mi nombre.-

Nacho DiMartino en la edición pasada de “En La Casita”

-Volviste a confiarle la mezcla a Leo Poletto ¿Qué es lo que aporta para el producto final?-

-Trato de que cada disco sea distinto. Leo es una referencia de mi adolecencia con Corderos, y hoy en su rol de ingeniero deconstruye ese mirada como músico a la mano de quien se especializa en el audio.-

La formación del trío se completa con Nacho Del Río en batería y Gonzalo Arecha en bajo. Confiesa DiMartino que son una maquina de tocar y de adaptarse a distintos escenarios y géneros (“Un grupo de personas que resuelven situaciones musicales“). “Santiago “El Tano” Peri (Guitarrista de Los Valses) dice que somos Los Simuladores, cuenta con una mueca.

-Hace unos meses te proclamaste como un “hacedor de canciones”. Visto y considerando que este es tu segundo lanzamiento en lo que va del año ¿Sigue habiendo material inédito que pueda convertirse en material de estudio para el 2019?-

-Claro que si, ya estamos grabando el próximo disco, lo tenemos a un 60% mas o menos. Tenemos la baterías y bajos listos, y ahora trabajamos los teclados y las guitarras. Para este nuevo disco, decidí no hacer canciones y directamente tocar. Están a cargo Matias Arano (Luzparís) y Seba Quintanilla (Científicos del Palo). Va a ser un disco de diez canciones, y por primera vez me estoy tomando mucho tiempo para grabarlo. Los criterios de producción y mezcla van a estar muy en su oreja.-

DiMartino es un melómano de impronta blusera (“está en mi estructura ósea”), y nombra a los grandes del género como T Bone Walker y Elmore James como referencias: “Esta esa falsa idea de que el blues es una nota en una escala, y que los clásicos de ese repertorio estuvieron ahí siempre, pero no. Alguna vez Robert Johnson hizo el mismo proceso para hacer Sweet Home Chicago que el que hizo Lennon para hacer “Imagine” o Dylan para hacer “Blowin’ In The Wind”. Desde ahí salgo al mundo”.

También, cuenta una anécdota sobre Pedro Aznar que lo tocó:  “En el 99 lo conocí, fue jurado en los bonaerenses. A los nenes que estábamos ahí escuchando su devolución sobre nuestras presentaciones, nos sugirió a quienes hacíamos canciones que guardáramos todo, que grabaramos todo. Lo aplico, y realmente funciona.”

-¿Como fue estudiar guitarra con Pino Marrone?-

-Mi papá me despertaba los domingos a la mañana con el desayuno y ponía un vinilio. Muy regularmente era “Los Delirios Del Mariscal” de Crucis. Nunca se me hubiera ocurrido llamarlo, por vergüenza, por creer que no estaba a la altura. Mañas clásicas de quienes estudiamos con docentes berreta de chicos. Pero en ese momento estudiaba con “El Mono” Fontana y el me sugirió que lo contacte. Al principio me dio mucha vergüenza, pero fue un antes y un después. Realmente entendí como tocar después de esas clases. Habrá mil formas, las que él sugirió con su ejemplo fueron las que a mi me sirvieron.-

-¿Que artistas te inspiran en este momento?-

Einstein y Foucault me inspiran hoy. En menor medida Fhilip Kotler, Garcia Loca y Slavoj Zizek. El único artista de los que nombre (en lo formal por lo menos) es Garcia Lorca, pero sinceramente mi inspiración hoy no pasa por el arte. Me encanta el último disco de PJ Morton (Gumbo), el primer disco de Tanque y Gary Clark me parecen hoy lo mejor que tiene el mainstream, pero esa sensación de inspiración como la primera vez que escuché Led Zeppelin hoy no me pasa con músicos, sino con un físico, un teórico social o un experto en mercadeo.

-¿Seguís estudiando guitarra?-

-Es una pregunta compleja, porque estudiar un instrumento puede querer decir muchas cosas. Yo reconozco tres formas de relacionarse con el instrumento: La vanidad, la incorporación de nuevos conocimentos y el trabajo diario en la puesta a punto del instrumento.-

Hay un método en su día a día: “Trato de hacer trabajos técnicos todos los días, sumados a ejercicios para los músculos de la mano, cuerdas vocales y mucha agua. Una vez por semana me siento a ver material nuevo de estudio, y trato de ir incorporándolo.” También, el marplatense advierte que en el arte “Nadie gana ni pierde”: ” Quien se pare en ese pedestal, desconoce completamente el lenguaje del arte”.

A la hora de reconocer a sus ídolos musicales, el guitarrista eligió con el corazón a su padre, Leopoldo DiMartino, a Luis Alberto Ludueña y Alejandro Dini. “Cuando era un nene quería tocar como ellos. Hoy sigo queriendo tocar como ellos e intento generar a los demás eso que ellos me hacían sentir a mi cuando tocaban”, confiesa.

El 2018 no fue un año fácil para Nacho, “Pero eso se transformó en discos, proyectos y cosas nuevas”. Su desafío para el 2019, aunque sabe que no lo cumplirá, es “quedarme quieto y dejar de cruzar fronteras, pero va en contra de mi naturaleza”.

Un músico en constante movimiento, en constante inspiración, un humano constante. En el enorme sentido de la palabra.

 

Nacho DiMartino: “Soy un hacedor de canciones”

Dialogamos con el músico marplatense que se presentará el sábado “En la casita”, el ciclo cultural organizado por Duias Music. Un repaso ágil por la carrera de un trabajador de la música y las seis cuerdas.


Nacho DiMartino posee un extenso currículum en el ámbito musical marplatense. Ligado a la música afroamericana desde siempre, el cantautor organizó varias jam de funk y soul en la ciudad: The black music jam, La peña funk, La big band jam, entre otras. Además grabó un disco, en el 2010, como guitarrista, cantante y compositor con la banda Panal Reggae. 

Actualmente es miembro estable de Rondamón y lidera el proyecto Nacho DiMartino Swing. Su lado multifacético podemos comprobarlo en su faceta de músico de sesión, en la cual destaca su participación en bandas de música infantil.

Toda la información del evento aquí

—¿Podrías presentarte para la gente que va a ir el sábado?

—Soy un hacedor de canciones, igual que Félix —el otro artista que tocará en la fecha—. Pertenezco a la escuela de la canción clásica: estrofa con estribillo, pero con una impronta de blues y soul.

—¿Cuál es tu formación como músico?

—Estudié música contemporánea en Bellas Artes, tomé clases de guitarra con Pino Marrone y Ricardo Leu. Toqué durante muchos años, y todavía lo sigo haciendo, cosas ligadas al jazz. Tengo esa formación dual entre la música clásica moderna (que sería la música académica contemporánea) y el jazz.

Como solista, Nacho DiMartino tiene editados dos discos de larga duración y tres EP. El último, Muy DiMartino, fue estrenado este año.

—¿En qué anda tu carrera solista?

—A fin de mes vamos a estar grabando un disco nuevo, del cual ya tengo las canciones, pero lo estamos terminando de armar. Lo vamos a grabar con Mati Arano y va a salir por un sello de La Plata que se llama Motor discos. Me van a editar éste y algunos discos más.

—¿Qué podemos esperar del recital?

—En el show del sábado vamos a estar tocando algunas de las canciones pertenecientes a este nuevo disco y nos vamos a presentar en formato trío con Gonzalo Arecha, en bajo, e Ignacio Del Río, en batería.

Recomendado del día: “To Pimp a Butterfly” de Kendrick Lamar

Un clásico instantáneo. Después del tremendo éxito que le significó Good Kid, M.A.A.D City, el Rey confirmó por qué es el mejor de nuestra era. Un chico que salió de las entrañas de Compton, entre pandillas y pistolas, y que terminó viviendo un sueño, un sueño que no siempre es como uno quiere.

|Por Tomás Vidal|


¿Cuántos raperos lo intentaron y fracasaron? A lo largo de los años, vemos como cientos de nuevos artistas aparecen de la nada con un hit y se quedan sólo en eso, en una canción, un pequeño instante en el que el reflector del ojo público se posa sobre ellos. ¿Esa parte es dificilísima de conseguir? Por supuesto. Pero aún más lo es seguir ese camino, no equivocarse en su próximo paso. Kendrick es uno de esos, de los que tienen claro lo que se tiene que hacer para llegar a ese lugar, con los sacrificios y las responsabilidades que eso conlleva.

Kendrick dio ese siguiente paso el 15 de marzo de 2015. Los dos años que pasaron entre To Pimp a ButterflyGood Kid, M.A.A.D City, no fueron suficientes para explicar todas las emociones que sintió el jóven de Compton. Abrumado por el éxito de su disco de 2012, K-Dot se dio de frente con una realidad que le era totalmente extraña. Ya no era aquel chico que escuchaba Tupac en su Toyota blanco mientras recorría su barrio con sus amigos, era algo más. Él abrió las puertas de Compton al mundo y le mostró a su comunidad cómo era el mundo de verdad.

TPAB fue lanzado por el sello Top Dawg Entertainment, que es parte de Aftermath Entertainment, todo bajo el ala de Interscope Records. Y cuando tenés a alguien como Dr. Dre en la producción de tu disco, primero es una presión enorme pero también es una tranquilidad de que nada va a quedar librado al azar.

No sólo Dre estuvo involucrado en el armado del álbum. Pharrell Williams, Thundercat, SounwaveFlying Lotus, Terrace Martin, Taz “Tisa” ArnoldKnxwledgeRahki, LoveDragon y Boi-1da integran el plantel de lujo de productores que estuvieron a cargo de ensamblar cada uno de los 16 tracks.

Comprender la fama, sobrellevar el sentimiento de culpa de haber dejado atrás el barrio, enfrentarse a las tentaciones de su nuevo estatus, ser consciente de lo fugaz que puede ser el éxito. Todo esto es TPAB. G-Funk, R&B, Jazz, Soul y rap consciente son algunos de los géneros que tan bien se acoplan en este proyecto.

Uno no puede dejar de pensar en TPAB como un álbum más. No es un compilado de canciones sin sentido o que su único objetivo sea meter ese single en la radio y nada más. Kendrick le da importancia al disco como un concepto general, hay una historia detrás. En este caso, el eje central es cómo no se deja crecer a esa mariposa porque están prostituyendo su belleza (de ahí el término Pimp que hace referencia a un proxeneta). Un concepto que lo divide en tres líneas argumentales bien marcadas que sirven como un reflejo de lo que el Rey percibe tanto en su interior como lo que ve a su alrededor en la comunidad negra en los Estados Unidos.

“Welsey’s Theory” es la encargada de abrirnos las puertas de este maravilloso mundo. Con las colaboraciones de George Clinton y Thundercat, K-Dot nos presenta ese “pimping” de la mariposa, en el que la mariposa sería él mismo, tras evolucionar desde su estado de oruga. Aunque también se puede interpretar que el insecto no sería solo Kendrick, sino la multitud de artistas negros que fueron consumidos por el mundo del espectáculo. Un ejemplo es el actor Wesley Snipes, al que hace referencia el nombre de la canción, quien fue juzgado por evasión de impuestos y pasó tres años en la cárcel.

Como bien dice Dre en el break del track: “You said you wanted a spot like mine / But remember, anybody can get it / The hard part is keepin’ it, motherfucker” (Dijiste que querías un lugar como el mío / Pero recuerda, cualquiera puede tenerlo / La parte complicada es mantenerlo).

En “For Sale?” juega una especie de slam poetry, un juego de poesía entre una voz femenina y la suya. Este track sigue la línea del primero, respecto a cómo el mundo del espectáculo puede prostituir a los artistas. Un interludio lleno de jazz que sirve para mostrar la forma en que Estados Unidos trata y ha tratado continuamente a los negros en un intento de devaluar su carácter y disminuir su autoestima.

“King Kunta” fue lanzada como el tercer single del disco. Con Kendrick siempre hay algo más que sólo música, hay un mensaje, hay historia detrás. Y libros, muchos. Algo que Tupac también tenía, esa capacidad de leer historias, internalizarlas y luego las plasmaba en una hoja. K-Dot lo hace todo el tiempo y te obliga a que redirecciones tus pensamientos a ciertos personajes históricos o a hechos concretos, en especial de la historia negra. En este tercer track, tal vez el más “radial”, hace referencia a Kunta Kinte, un esclavo negro gambiano del siglo XVIII que es conocido por su resistencia a la opresión, al cual le cortaron su pie derecho por sus continuos intentos de escape, y que inspiró la serie televisiva “Roots” (1977). Lo toma, no sólo como ejemplo de luchador, sino que también se sirve de su figura para ejemplificar lo que fue su propia trayectoria, desde que era un chico atrapado en Compton hasta el día de hoy.

El video oficial es un homenaje a su barrio, su comunidad. En una atmósfera funk cargada de un aire siniestro y reminiscente del rap y Hip-Hop de los 90, nos muestra a Kendrick recorriendo varios de los lugares representativos de Compton, siempre bien rodeado por sus amigos.   

Una curiosidad que aparece por primera vez en este track es que se escuchan los dos primeros versos del poema que Kendrick va desarrollando a lo largo de todo el disco.

“Institutionalized” nos presenta una cuestión clave del disco: la inclusión de pasajes instrumentales extraídos del jazz, funk y neo-soul entre versos y coros. Mientras Kendrick rapea, estos pequeños destellos comienzan a jugar sobre la pista con nuestros sentidos, desde violines y saxo, pasando por arpeggios y hasta clarinetes añadidos en una producción sin fisuras.

Sin dudas, este track sirve para analizar los cambios que su nuevo estatus produjeron en él. Habla de cómo mucha gente se ciega con el dinero, y al mismo tiempo recuerda los consejos de su abuela, que le decía que para que las cosas cambien, debes actuar, no esperar a que suceda. “Shit don’t change, until you get up and wash up your ass nigga”. Por su parte, Snoop Dogg le recuerda que por mucho que quiera no puede desprenderse totalmente de su barrio porque siempre va a llevar sus costumbres y sus recuerdos allá donde vaya, pero debe intentar ser un lider para ellos.

Probablemente, “These Walls” sea el verdadero arranque del disco. Se trata de una canción compleja, en la que se abordan diversas cuestiones y en el que las paredes que aparecen en el título cobran un significado sexual o introspectivo. Kendrick juega con el oyente recitando al principio una estrofa de carácter sexual, que al final del tema descubrimos que va dirigida al hombre que asesinó a un amigo suyo ( del que ya nos habló en su anterior disco), y que actualmente cumple condena en prisión. El juego de palabras de K-Dot introduce en capas unas paredes metafóricas y otras literales: las “paredes” de la vagina de una mujer, las “paredes” de una celda de prisión y, en última instancia, las “paredes” de su mente y conciencia. Kendrick usa este concepto para explorar el sexo, el abuso, su propia carrera, sus enemigos y la psique humana.

Al final del track, Kendrick sigue ampliando el poema que se extiende a lo largo del álbum, con unos versos que dan paso a la siguiente canción.

“u” es la canción más intensa de TPAB,  desde un punto de vista emocional. Kendrick mira profundamente en las oscuras cavernas de su corazón para exponer los pensamientos negativos que plagan su mente, hasta el punto que se refiere a sí mismo como “un maldito fracaso”. El propio cantante habló sobre qué representó hacer un tema como este: “Esa fue una de las canciones más difíciles que tuve que escribir. Hay momentos muy oscuros ahí dentro. Todas mis inseguridades, egoísmos y decepciones. Esa mierda es deprimente como un hijo de puta. Pero ayuda, sin embargo. Ayuda”.

El video oficial es como nos habíamos imaginado que sería, con un Kendrick encerrado en una habitación de un hotel, con una botella en la mano, recriminándose todo lo que hizo mal y sin saber qué hacer a continuación. ¿Cuándo será el momento en el que de el paso hacia la actuación, verdad? Potencial tiene, y mucho.

La esperanza llega en “Alright”, un pasaje lógico despúes de un track devastador como “u”. Acá nos dice que a pesar de todo lo malo que describió anteriormente, al final todo saldrá bien. Puede parecer una canción optimista, que ejerce de contrapunto a la anterior, pero por la atmósfera general que tiene, por su instrumental y por la forma de rapear, en el fondo Kendrick no está tan convencido de que las cosas se arreglen al final. Aunque tiene el toque de Pharrell Williams, alguien que conoce lo que es la felicidad.

Esta canción en especial tuvo un fuerte impacto en el verano de 2015, un momento en donde la tensión racial en los Estados Unidos estaba en un pico peligroso. Los activistas del movimiento Black Lives Matter gritaron “vamos a estar bien” para llorar a las innumerables personas negras asesinadas por la policía y para dar esperanzas de un futuro mejor.

En los BET Awards de ese año, Kendrick interpretó “Alright” sobre un coche de policía, destacando además el propósito de la canción como protesta contra la brutalidad policial.

Además, esta canción hizo que K-Dot se llevara dos premios Grammy, uno por Mejor Canción de Rap y otro por Mejor Perfomance de Rap.

El octavo track es otro interludio, “For Sale?”, que viene a jugar como la contraparte de aquel primer “For Free?”. Ambas canciones se relacionan con su valor como músico, y cómo eso trasciende en su valor como persona. En “For Sale?” nos encontramos con Lucy, otro nombre de mujer que aparece en un disco de Kendrick. Anteriormente, en Good Kid, M.A.A.D City tuvimos a Sherane. Aunque en este caso no es ninguna mujer, sino un diminutivo de Lucifer, una presencia que representa todas las tentaciones que el dinero y la fama traen consigo. El diablo anhela que Kendrick se entregue a sus vicios, sea materialista y se divierta con él, dejando de lado su creatividad.

En “For Free?” critíca la cultura que alimenta la creencia de que los músicos y las personas famosas tienen que mostrar todo el dinero que tienen, como que esa es su única función. Acá, combina esa crítica con la naturaleza seductora del estilo de vida hip hop, llámese a esto la cultura del bling, y la idea de que una vez que un artista firma un contrato y recibe su adelanto, todos sus sueños se harán realidad.

La influencia de Andre 3000 siempre está presente con Kendrick. Un ejemplo es el uso de varias voces, lo que destaca la habilidad de K-Dot de ponerse en la piel de varios personajes, algo que enriquece sus versos y ayuda al oyente a diferenciar cada uno de alter egos presentes.

Acá volvemos a compartir el video “God is Gangsta”, ya que incluye tanto el sexto track “u” como “For Free?”.

En “Momma” describe su crecimiento personal y la autorrealización que experimentó después de haber perseverado contra las tentaciones y sus luchas internas. Por un lado, la canción se puede interpretar como el recuento de sensaciones que provoca en Kendrick regresar a su barrio, ya que tras salir de él se siente invadido por cierto sentimiento de culpa. Sin embargo, el sentidoque mejor engloba al tema lo encontramos en el tercer verso, donde nos cuenta su encuentro con un chico que le recuerda a él de pequeño, un encuentro que se produjo durante un viaje que Kendrick hizo a Sudáfrica en 2014. Así podemos pensar que el título hace referencia a África, y que de lo que él nos está hablando acá es de un retorno a sus raíces.

“Hood Politics” es un recuerdo de lo dura que es la vida en el barrio. Un track que se acerca más a la temática general de su anterior disco, pero que funciona a la perfección para advertirnos de que Kendrick tiene muy presente a Compton y a sus problemas. A pesar de que se reserva un montón de críticas, hace un foco especial con su argumento dirigido contra el racismo institucionalizado.

A su vez, pone al gobierno estadounidense y a la estructura política al nivel de las pandillas, llamándolos “Demo-Crips” y “Re-Blood-icans”.

Algo que cabe destacar también de este track es el guiño que le da a Killer Mike, rapero de Atlanta que integra el dúo Run the Jewels. A pesar de no tener grandes ventas comerciales, Kendrick reconoce que es uno de los más respetados compositores de la industria. Sin antes criticar a aquellos que dicen “extrañar cuando se rapeaba en el Hip-Hop” (Critics wanna mention that they miss when hip-hop was rappin’ / Motherfucker if you did then Killer Mike would be platinum). El propio Killer Mike respondió este halago y dijo: “Me sentí como cuando un jugador de básquet felicita a otro jugador de básquet. Eso es un cumplido; nadie puede entender lo realmente genial que es eso a menos que seas un jugador de básquet”.

“How Much A Dollar Cost” es esa canción que tenés que mostrarle a alguien que no conoce a Kendrick. Acá podemos disfrutar en su máximo esplendor la habilidad narrativa del Rey, el detalle en la descripción de las situaciones y cómo nos sumergimos lentamente en la historia, como si estuviésemos ahí con él.

La historia que cuenta es la de un encuentro inesperado con el Todopoderoso. Después de negarse a darle un dólar a un vagabundo (creyendo que lo gastaría en crack), el hombre se revela ante K-Dot como Dios. Al parecer, este encuentro realmente sucedió durante su viaje a Sudáfrica, en una estación de servicio.

Kendrick habló con MTV en su momento y explicó que esta era una historia real. “Estos son momentos de mi vida más profundos que sólo darle a alguien un dólar”, dijo. “Estos son verdaderos momentos de integridad, ser capaz de hablar con alguien. Hablar con él fue simplemente un agradecimiento de Dios. Y sentí a Dios hablando a través de él para llegar a mí”, añadió. En otra entrevista, le preguntaron sobre el significado o el mensaje que quería transmitir con esta canción, a lo que Kendrick respondió: “Ayudar a la mayor cantidad de personas que puedas, si querés vivir para siempre”.

La cuestión racial entra de lleno en “Complexion (A Zulu Love)”, el 12º track de TPAB. Esta canción nos muestra a Kendrick rapeando sobre problemas de autoestima relacionados con el color de la piel y la importancia de amar todas las formas de negro, sin importar cuán claro u oscuro sea. El coro se refiere a la cruel discriminación que sufrió la tribu negra Zulu en Sudáfrica por el color de su piel, durante las políticas racistas del apartheid del país africano.

El track cuenta con la colaboración de Rapsody, rapera de Carolina del Norte. La cantante reconoció que se suponía que Prince iba a aparecer en la canción. “Lo que me enloqueció es que Kendrick originalmente dijo que no quería hacer un verso allí. Él quería que yo hiciera dos versos y que Prince hiciera el gancho”, afirmó. K-Dot rápidamente confirmó que esta potencial colaboración era cierta. “Prince escuchó el disco, le encantó el disco y el concepto del disco nos hizo hablar”, dijo. “Llegamos a un punto en el que estábamos hablando en el estudio y cuanto más tiempo pasaba nos dábamos cuenta de que no estábamos grabando nada. Se nos acabó el tiempo, así de simple”.

“The Blacker The Berry” fue el segundo single del disco y es sin dudas una de las canciones más destacadas del disco. Kendrick sigue abordando cuestiones raciales, esta vez con un tono mucho más crudo y violento. Esta apasionada y racialmente cargada canción presenta letras que celebran su herencia afroamericana, mientras aborda temas sociales y de odio. El rapero de Compton concluye refiriéndose a su propia hipocresía de estar indignado por el asesinato en 2012 del adolescente afroamericano Trayvon Martin mientras la violencia de las pandillas sigue asolando los vecindarios.

El título de la canción proviene de la novela del mismo nombre de Wallace Thurman de 1929, que explora el colorismo y la discriminación racial dentro de la comunidad negra.

Este track desnuda cómo la estructura de la sociedad estadounidense sigue oprimiendo a los afroamericanos. “You hate me don’t you? / You hate my people, your plan is to terminate my culture / You’re fuckin’ evil I want you to recognize that I’m a proud monkey”, reza con orgullo.

“You Ain’t Gotta Lie (Momma Said)” es un mensaje podero sosobre el purgatorio en el que los artistas y raperos pueden entrar si no son estratosféricamente exitosos, pero no lo suficientemente anónimos como para regresar a su barrio sin recibir atención no deseada. Hay trasfondos raciales aquí, y el uso del imaginario negro estereotipado pinta a Kendrick como una figura del barrio; pero se puede aplicar a otros aspectos de la vida, donde se siente la presión de actuar de cierta manera.

El lado racional de Kendrick está advirtiendo al oyente que no mienta por respeto o beneficio personal. Esto refuerza el mensaje del álbum, tal y como se refleja en temas como “For Sale?” y “For Free?” donde critíca a aquellos que piensan que el rap es solo dinero y poder.

“i” fue el primer single que pudimos escuchar de Kendrick después de Good Kid, M.A.A.D City. En una entrevista con el programa radial Hot 97, reconoció que esta fue la mejor canción que escribió porque nunca pensó que tendría el estado mental correcto para hacer algo tan positivo después de estar rodeado de tanta negatividad en Compton.

El track rodea la idea de la necesidad de tener confianza en sí mismo para sobrevivir en este mundo. A pesar de este mensaje esperanzador, K-Dot reconoció que esta canción surgió durante un momento en el que estaba bastante abajo. “El track se siente genial; se siente bien”, afirmó. “Pero proviene de un lugar depresivo. Surge de un lugar de inseguridad. No sólo por los demás, sino por mí mismo. Tengo que lidiar con muchas cosas a nivel personal. Cosas con las que vos lidías, con las que todos lidiamos”, añadió.

“Entonces, toca tantas cosas diferentes, en cuanto a la igualdad dentro de nosotros como seres humanos, y la aceptación mutua”, continuó K-Dot. “Gente que quiere suicidarse; gente que simplemente no se respeta a sí misma o que no le gusta cómo se ve, siente, habla, viste y no acepta lo que es”.

Kendrick intenta recuperar la palabra “N” como fuente de orgullo negro explorando sus raíces en la versión extendida de la canción. En una entrevista con NMEen 2015, admitió que todavía no se siente preparado para omitir el uso de esa palabra en sus letras. “Lo más cercano a eso que puedo hacer es poner la palabra raíz, negus, en mi álbum. Pero no creo estar preparado mentalmente para dejar de usar la palabra N. No lo sé, tal vez algún día. Estos son 27 años practicando esa palabra, probablemente la estoy diciendo desde que tenía un año de edad”, se lamentó.

“Mortal Man” es el cierre perfecto para un disco perfecto. Inspirada por un viaje a la celda de Nelson Mandela en Robben Island em 2014, esta canción de 12 minutos encuentra al chico de Compton con la esperanza de continuar el legado del icono sudafricano. Kendrick explicó en MTV: “Estamos tan confinados con el odio y queremos señalar los defectos de la gente que no vemos la imagen general de lo que están haciendo. Y se ha hecho con líderes mucho antes de que yo llegara. Se lo hicieron a Jesucristo, el Señor y Salvador, ¿me entiendes? Entonces, ¿quién soy yo? Sólo soy un hombre, por eso lo llamamos ‘Mortal Man ‘”.

Lo maravilloso de este track final es la conversación imaginaria con su mentor e ídolo Tupac Shakur, haciéndole preguntas sobre cómo lidió con la fama y el éxito, hablando sobre la cultura negra, racismo, y también preguntándole sobre lo que le espera a su generación. Los fragmentos del fallecido rapero fueron extraídos de una entrevista radial de 1994 del show sueco P3 Soul. “Las respuestas que Pac me va dando son respuestas para el hoy. El mundo tiene que escuchar esto, y tiene que hacerlo en gran escala. Tengo esta oportunidad y quiero agradecerle a su madre por permitirme usar la voz de su hijo como una luz positiva”, dijo Kendrick al respecto.

“Creo que terminó la canción en una hora, más o menos”, declaró el co productor Sounwave. “Simplemente fluía de él. Probablemente lo tenía todo guardado desde que volvió de África. Salió tan natural que se sintió como que estaba esperando por este track”.

Al concluir la canción, Kendrick finaliza el poema que llevaba recitando de forma fragmentada a lo largo del álbum. Un poema que trata sobre el racismo, la violencia de las pandillas y las dificultades personales. Cada parte se relaciona con el tema que sigue. En “Mortal Man”, cierra el círculo recitándolo de manera completa.

Un viaje maravilloso, una obra de arte por donde se la mire. Sin lugar a dudas, Kendrick está un escalón arriba de todos los raperos de nuestra era. Muestra de un carácter fortalecido y de una enorme madurez, To Pimp a Butterfly es el disco correcto por el artista correcto en el momento correcto. Sarcástico, teatral, caótico, irónico y triste, a veces todo a la vez. Todo el repertorio en 16 tracks que son una locura. Eso sí, no es para nada complejo. No es uno de esos álbumes en donde se necesitan un par de escuchadas y nada más. Tiene mucha información, mucho consejo, mucho testimonio. Con tanto qué procesar, este proyecto es digno de repetir una y otra vez, hasta que el mensaje cale hondo en uno. ¿Estamos ante el mejor trabajo de Kendrick hasta la fecha? Absolutamente. 

Al Green lanza su primera canción en diez años

Al Green volvió a los estudios luego de diez años sin grabar música. La novedad es una versión de la canción de Freddie Fender, “Before the Next Teardrop Falls”.

|Por Marcos Gabarain|


La canción fue grabada en los Sam Phillips Studios de Memphis, Tennessee (donde artistas como Elvis Presley y Johnny Cash comenzaron su carrera musical) con el productor e ingeniero de sonido Matt Ross-Spang.

Entre todos los sesionistas que participaron en el single, el nombre de Charles Hodges resalta por sobre el resto. Hodges ha sido el tecladista que más tiempo ha tocado con Al Green, y particularmente no hacían música juntos desde la década de los 80.

Actualmente, esta nueva obra de Al Green está disponible pura y exclusivamente en la nueva sección de Amazon Music, “Produced By”. Esta categoría incluye trabajos de productores renombrados de la industria musical. La voz de Al Green siempre es necesaria para este mundo. Que sigan cayendo, reverendo.

Artista nuevo: Palta & the mood

Desde el norte de Buenos Aires se viene un conjunto que derrama groove y elegancia. Degustaremos a continuación un delicioso Guacamole.


Corría el año 2015 cuando se oyeron las primeras dos canciones de Palta, banda que irrumpió en la escena con un funk prolijo y anglohablante: Living soul y Clockwise fueron dos interesantes cartas de presentación que dejaban entrever sin timidez alguna su potencial.

Tuvimos que esperar un año más, sin embargo, para empezar a conocerlos mejor. La culpa – el mérito – fue de Sebastián Cadorín, tecladista marplatense que se incorporó al proyecto y los trajo de visita a la ciudad. La alineación se completa con Axel Mark, en voz; Baltazar Clusellas, en saxo alto; Rodrigo Balbin, en saxo tenor; Tomas Seigelshifer, en guitarra; Juani Farias, en bajo, y Pablo Ramos, en batería. Los siete, ya como Palta & the mood, se pondrían como objetivo laburar en lo que sería el primer disco de estudio de la banda.

En septiembre de 2017 lanzaron GuacamoleComo en la receta original de la salsa de origen mexicano, el disco resulta un aderezo exquisito a partir de la manipulación y el condimento de la materia prima: la palta.

El eje central pasa por el funk y el soul. A partir de ahí podemos encontrar diversos matices, en gran parte gracias a la multifacética voz de Axel Mark. Su carácter e interpretaciones le permiten coquetear con el hip hop, el R&B y el rock and roll.

El resultado es impecable. Cada uno de los músicos se destaca en su instrumento y la química entre ellos puede palparse en el groove sabrosísimo que consiguen. Créame que bailará cuando le dé al play.

Volvieron a la ciudad en enero para presentarse en Mingus. Las expectativas por ver de qué manera ejecutaban lo que ya todos habíamos oído eran grandes: en el pequeño bar no podías llevarte el vaso a la boca sin codearte con quienes tenías adelante, atrás y a los costados. Estaba lleno. La misma lógica corría en el diminuto escenario. Sin embargo, el show fue un éxito: sonaron bien, la interacción con el público fue divertida y se fueron aplaudidos.

Palta & the mood no se quedan quietos, se encuentran en plena actividad: hace cuestión de días estrenaron 334, un sencillo en formato live session que deja abierta la puerta a recibir más material nuevo de la banda. Habrá que estar atentos, mientras sigamos disfrutando. Esto sabe rico, rico.

La salud de Aretha Franklin

La cantante estadounidense de 76 años está con cuidados paliativos en su casa en Detroit. Su familia la acompaña y pide que la gente “envíe amor y oraciones”.

|Por Tomás Vidal|


Si hablamos de íconos de la música, tenemos que mencionar a Aretha Franklin. La oriunda de Memphis, Tennessee es sinónimo de talento, con esa voz tan característica que la llevó al estrellato. Sólo por mencionar algunos de sus principales hitos musicales, en 1987 se convirtió en la primera mujer en ingresar en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Además, tiene en su haber 18 premios Grammy, incluido uno a su carrera artística.

Según informaron fuentes cercanas, Aretha se encuentra en su residencia en Detroit rodeada de su familia. A lo largo de los años, se ha reportado sobre los problemas de salud de la artista, quien en fotografías recientes parecía frágil. Sin embargo, ella siempre mantuvo privadas sus luchas. La última novedad es que está recibiendo cuidados paliativos en su hogar. El objetivo de estos cuidados es ayudar a las personas con una enfermedad grave a sentirse mejor. Estos previenen o tratan los síntomas y efectos secundarios de la enfermedad y los tratamientos.

Su última presentación en vivo fue en noviembre de 2017 en la gala anual de la Fundación de Elton John. A comienzos de este año, Franklin reveló que se retiraría de las giras, aunque esperaba poder actuar en vivo ocasionalmente en el club que posee en Detroit.

La carrera de Franklin se extiende por seis décadas. Comenzó a cantar música gospel en una iglesia de Detroit, donde su padre era el ministro. En 1956, con tan sólo 14 años, hizo su primera grabación para el sello JVB/Battle Records, luego reeditado por Checker, The gospel soul of Aretha Franklin. Cuando parecía que la joven prodigio firmaría con Motown, en 1960 firmó con su primer sello discográfico importante, Columbia Records. Para 1968, Franklin ya era una talentosa artista con éxitos que encabezaban las listas como “Respect”, “Chain of Fools” y “(You Make Me Feel Like) A Natural Woman”.

Ese mismo año fue elegida para cantar en el funeral de Martin Luther King Jr., donde interpretó Precious Lord, Take My Hand.

Como mencionamos, Franklin fue la primera mujer en ser incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll, hazaña que logró en 1987, un año antes de que los Beatles alcanzaran este reconocimiento. También dijimos que es poseedora de 18 premios Grammy, uno de ellos fue gracias a un dueto que cantó junto al fallecido cantante británico George Michael“I Knew You Were Waiting for Me” (1987).

Otro hito importante de su carrera musical fue haber sido elegida por Rolling Stone como la mejor cantante de todos los tiempos. A continuación, un video de su última presentación en vivo durante la gala anual de la Fundación de Elton John.