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Pet Shop Boys se burlan del Brexit en su nueva canción

Sin previo aviso, la mítica dupla de synth pop londinense estrenó “Give Stupidity a Chance”, single que formará parte de su nuevo EP Agenda.

|Por Tomás Vidal|


La banda conformada por Neil Tennant y Chris Lowe y que supo tener su punto máximo de exposición en la década del 80, sorprendió a propios y extraños con el lanzamiento de su nuevo material. En palabras de Tennant, este nuevo sencillo es “una canción satírica sobre la mala calidad del liderazgo político en el mundo moderno”. Si bien dio una descripción bastante general, sin dudas que el principal objetivo fue ironizar sobre su propio gobierno y, especialmente, sobre las consecuencias que trajo el acuerdo denominado Brexit que significó la salida del Reino Unido de la Unión Europea.

Dos años y medio después del referendum en el que Reino Unido decidió abandonar la Unión Europea , todavía no está claro qué pasara con el Brexit. El gobierno británico pasó buena parte de ese tiempo negociando un acuerdo de salida que el Parlamento británico rechazó a mediados de enero por una contundente mayoría. Es por ello que los Pet Shop Boys mostraron su descontento con esta situación. Frases como “No quiero pensar en el mundo, quiero pensar en mí mismo” o “vos lo llamas ‘corrupción’, yo digo ‘recompensa justificada'” son algunos de los ejemplos que pueden leerse en este nuevo material.

Give Stupidity a Chance” es el primer lanzamiento de varios que ocurrirán a lo largo de esta semana. Desde sus redes sociales, los ingleses anunciaron que publicarán una canción por día hasta completar su nuevo EP llamado Agenda, el cual estará conformado por cuatro tracks.

Pet Shop Boys are releasing a digital four-track EP called “Agenda” this week, produced by Tim Powell and PSB. The first…

Publicado por Pet Shop Boys en Martes, 5 de febrero de 2019

Acerca del concepto del EP, Tennant afirmó: “Contiene tres canciones satíricas y una canción bastante triste. Creo que es por los tiempos que estamos viviendo”. Las cuatro canciones fueron producidas por Tim PowellPet Shop Boys y fueron grabadas a fines del año pasado. A su vez, no serán incluidas en el próximo álbum del dúo, que será producido por Stuart Price y saldrá a la venta en primavera.

Los “Fetiches” de Río Pardo

Río Pardo lanzó el pasado viernes su segundo LP “Fetiches”. El pop y el ritmo ascienden de manera vertiginosa a través del disco, y el dúo compuesto por Nacho Bellusci y Lio Quiroga habló al respecto.

|Por Marcos Gabarain|


El Disco

“AlgoRitmo” es un seudo trap melancólico con una melosa voz de Quiroga. Obnubilados sintetizadores elevan el aire en la secuencia pre baile, donde la vorágine de sonidos te lleva a otro lado, para que la sorpresa disco sea más eficiente. Para el genial videoclip, colaboraron estos amigos de la banda: Aruki, Diego Montoya, Belén Marón, Carla Saldutti, Synergy Benton, Emi Mendez, Juan Goñi, Juan Manuel Hernando, Juan Pablo Battista, Manuel Donamaria, Martina Marcos, Muriel Arroyo, Victoria Giovachini y Ezequiel Parodi.

“F.L.A” comienza con la voz de Nacho Bellusci al frente en un pop muy cuidado que depende mucho de su marcado ritmo. La sensación que dan los “sintes” en esta pieza es que estamos en un remake de Blade Runner, pero acá por la zona. El estribillo adquiere proporciones intergalácticas con armonías finas y una reverberación que los coloca en el espacio exterior (“Ya sabés tu flash te dice que es igual/La verdad del mar se puede desarmar”). Sin lugar a dudas, es uno de los fuertes de “Fetiches”.

“Simular Singular” es un proto funk lineal que no pierde pisada y se vuelve una aventura animada cargada de guitarras y coros implícitos. La belleza reside en la unión de ésta con “Viento Amigo”, una ópera de meditación anti ficción (“Un espejo que cree poder copiar/ ese brillo en tus ojos que parece universal”) que bien podría formar parte de los últimos dos trabajos de Arcade Fire.

Como requiem final, “Fetiches” se despide con el instrumental de 6 minutos “Gruva”, una incursión al House introspectivo que suelen proponer los franceses de Daft Punk. Aquí caben las comparaciones y las similitudes porque el lenguaje musical es uno, y además Rio Pardo también es un dúo (¿Casualidad o Causalidad?).

Laburar sin fronteras ni limitaciones, en cualquier rubro o hobbie, es algo incomparable. He aqui el tándem Quiroga/Bellusci, Bellusci/Quiroga, en estado de gracia con sus pretensiones y sus no pretensiones, dejando soltar su amalgama de lisergia y pop, de flash y baile. El retorno de Río Pardo es gratificante y su ausencia en los escenarios está cerca del final.

“Fetiches” es un disco auto producido que contó con la participación de Federico Barreto en mezcla y producción. La nueva gráfica de la banda y el arte de tapa fueron realizados por Juan Pablo Battista. El larga duración fue lanzado bajo el sello Desde El Mar Discos.

La Entrevista

-“Fetiches”¿Por qué?-

LQ:-Y, cuando algo te gusta mucho y te tira algo que no se puede explicar, eso es un fetiche. La música es un fetiche.-

NB:-Nos cerró por ese lado, y segundo por que es una palabra que usamos bastante. Si te pones a analizar, Rio Pardo desde siempre fue un conglomerado de distintos prismas. Siempre sentí que hay muchas cosas que me gustan metidas acá.-

-¿Cómo fue la química de trabajo ahora que son un dúo?¿Cambió la manera de componer las canciones ahora que son un dúo?-

NB:-Antes trabajábamos más desde la zapada. Ahora es totalmente diferente. Tuvimos que aprender a usar los programas, por ejemplo-

LQ: -Para este disco trabajamos desde cero la canción. Elaborábamos un marco y le íbamos añadiendo colores. Anteriormente nos concentrábamos en el instrumento de cada uno. Este disco se habló muchísimo. Antes de armar un concepto, se trataba de sintonizar para estar en la misma. A partir de eso, la canción te pide cosas.-

-¿En qué instrumento se concentra “Fetiches”?-

LQ:-Quisimos que el bajo sea muy protagonista y que haya menos guitarras. El sinte además nos daba la posibilidad de sumar matices.-

NB:-El disco anterior tiene más guitarras, pero también tiene sus momentos de capas y colchones. Eso sigue estando. Río Pardo no cambió tanto, tal vez un poco el sonido. Hay menos guitarras pero siguen presentes.-

En épocas de inmediatez e instantaneidad, los Pardo plantearon al disco como para ser escuchado entero, aunque según las palabras de Nacho, “se puede escuchar de ambas maneras”. Lio también se expresó al respecto, argumentando que consideraron que “con el orden de canciones, la intensidad iba a ir subiendo hasta terminar con “Gruva”, que es un House”.

-¿Cómo fue incursionar en ese género?-

LQ:-Estuvo buenisimo. Fue buscar el groove y una buena línea de bajo. Es más, me parece que los mejores bajos del disco se dan en ese tema. Fue el tema que hicimos con Fede Barretto de una. Veníamos con la dinámica nuestra y se sumo él a tirar la suya. fue bastante interesante.-

-Me imagino que con esta adrenalina del lanzamiento nuevo estarán ya pensando en presentarlo en vivo ¿No es cierto?¿Extrañan los escenarios?-

LQ:-Si, los vamos a presentar. El disco va a salir rodando por ahí. La idea es hacer dos o tres fechas este año, bien pensadas. La banda ya está armada, pero antes de tocar en vivo tenemos planeado grabar una sesión para captar el vivo-

-¿La unión entre “Simular Singular” y “Viento Amigo” fue intencional?

LQ:-Era un sólo tema. Lo dividimos por una cuestión de “Capitulo 1 y Capítulo 2”. Nos planteamos: “Qué loco sería que entre un tema y otro se mantenga sólamente la batería”. Era como un concepto de los viejos medley de las bandas de antes. Es algo que no se escucha más.-

Una vez finalizado el trabajo de editar el disco, Quiroga describe a “Fetiches” como “un disco con mucha personalidad y sorprende al oyente. es sincero, no te quiere vender ninguna. Por ese lado, va a crecer como tenga que crecer”. Ese “que sea lo que tenga que ser” es una buena manera de ver las cosas. La banda está contenta con el producto, la preocupación ya pasó. Ahora es tiempo de disfrutar.

Entrá al universo de Río Pardo con nuestra playlist de Spotify:

“Little Dark Age”: Locura necesaria

MGMT lanzó hoy su disco regreso, “Little Dark Age”. El cuarto trabajo de Andrew VanWyngarden y Ben Goldwasser es una obra de synth pop existencialista y tajante sobre los años pasados y los venideros de la humanidad.

|Por Marcos Gabarain|


MGMT no es el mismo MGMT del primer disco. ¿Eso es malo o bueno? Habrá que verlo. A lo largo de sus cuatro discos vimos una consagración radial sicodélica (“Kids” y “Time To Pretend”), la receta anti éxito llena de pasajes instrumentales (“Siberian Breaks” y “Congratulations”), un coqueteo sintético con la electrónica en su trabajo homónimo y una inmersión en el synth pop ochentoso surrealista que  llegó para quedarse en “Little Dark Age”.

“LDA” es una oda a la segunda mitad de la década, con un pesimismo fatalista disfrazado con teclados y reverbs que acompañan melodías precisas. La fórmula Goldwasser-VanWyngarden se reinventa pero mantiene su alocada concepción de las cosas, como lo son las consideraciones sobre la existencia misma y el “más allá”, si es que existe uno. “She Works Out Too Much” abre el disco con una parafernalia que bien podría encajar rítimicamente en un videojuego del Sega Genesis.

Arte de tapa de “Little Dark Age”

La canción que le da nombre al álbum se ubica segunda en la lista, con su cíclico sintetizador y un aura gótica que recuerda a The Cure (si ves el videoclip oficial, vas a entenderlo más). Los bajos marcan el pulso oscuro de una canción sobre arrepentimientos y ceguera a la hora de “ser uno”. Estamos en una época donde la individualidad está marcada a fuego por las redes sociales.

“When You Die” es una canción alegre desde el lado melódico, pero como sugiere el título, se refiere a qué pasa luego de morir (“It’s permanently night/And I won’t feel anything”) y una pequeña apología retorcida al suicidio. El “Go Fuck Yourself” del estribillo va a ser coreado  en la inminente gira de la banda.

En “Me and Michael”, la amistad es algo inquebrantable en medio del apocalípsis mental (“Imaginary bombs raining down from the clouds”). También, VanWyngarden advierte que “el cambio ya llegó” en la humanidad.Ese teclado del comienzo es la envidia de los New Order y hasta Simple Minds. Es una de las mejores canciones del disco, llena de nostalgia azucarada. El videoclip, lanzado ayer, relata cómo Ben y Andrew le roban la canción a la banda filipina True Faith.

Lo que sigue es “Time spent looking at my phone”, o simplemente “TSLAMP”. Un sample de Michael Jackson (“Stranger In Moscow”) se deja entrever de fondo en una canción que muestra un odio a las personas imantadas al celu (“I’m wondering where the hours went/As I’m losing consciousness”).

James Richardson, guitarrista en vivo y amigo personal de la banda, es homenajeado con su propia canción “James(“If you need a friend/Come right over”). Es más, el encargado de tocar los vientos en esta canción de ritmo incesante es el propio Richardson, que participa en la grabación de varias canciones del álbum. Andrew canta  bastante bajito en ésta.

“Days That Got Away” es un instrumental necesario. Si que lo es, ya que MGMT también se destaca por sus instrumentales alocados y llenos de sonidos. Este no es la excepción. Por momentos parece una chacarera cósmica orquestada por el órgano de Ben Goldwasser. La frase “days that got away” se repite casi susurrada pasando la mitad del tema.

Las cuestiones filosóficas de la vida y la muerte vuelven a plantearse en “One Thing Left to Try”, una canción acelerada donde vuelven a predominar los sintetizadores (“Over and over, you die just to feel alive”). El frenesí desvanece minutos antes del final, donde el ritmo vuelve a surgir progresivamente, acompañado por una batería electrónica llena de efectos.

La anteúltima canción, “When You’re Small”, es siniestra y acústica. Tal vez el viejo MGMT reflota en esta retorcida obra plagada de coros como un soft rock surrealista. Un aura pacífico lleva a que nos vayamos con “Hand It Over”, tema armonioso que, al igual que “Congratulations”, marca el final tranquilo y comprensivo que los pone a ellos mismos en tela de juicio (“If we lose our touch, it won’t mean much”) y al mismísimo Donald Trump (“The joke’s worn thin, the king stepped in”).

Así, MGMT regresa a las canchas, con un álbum diferente y similar, tajante y existencialista, con una estética medieval y al mismo tiempo inmersa en la época donde todo explotó, los 80. Tenerlos nuevamente en movimiento es un placer, y además lograron hacer buena música.

Arcade Fire sigue adelantando su nuevo disco con “Electric Blue”

Arcade Fire lanzó el video de “Electric Blue”, nuevo adelanto del inminente disco “Everything Now” que se espera para fines de julio.

|Por Marcos Gabarain|


“Electric Blue” se suma a los anteriores lanzamientos “Everything Now“,”Creature Comfort” y “Signs Of Life“, ambos con sus respectivos videoclips. La filmación fue dirigida por Cousin Club y producida por Julia Simpson. El nuevo disco de los formados en Montreal, Canadá saldrá el próximo 28 de julio.

Recordemos  también que los Arcade Fire llegarán al Festival BUE el próximo 15 de diciembre, donde compartirán grilla con Stone Giant, Gorillaz y Major Lazer, entre otros.

Usted Señalemelo avanza con caños y cuerdas

Usted Señalemelo acaba de lanzar su segundo disco “II”, en el que se puede ver un enorme avance en el sonido y en el arte del disco como un total.  El baterista  Lucca Beguerie Petrich respondió varias preguntas sobre el presente y futuro de la banda.

|Por Marcos Gabarain|


Grabado durante el año 2016 entre Mendoza y Brooklyn, su mezcla y masterización fue hecha en su mayoría en Mastering Boutique  por Carli Beguerie. El arte de tapa, en el que se aprecian dos placas de hormigón siendo presionadas hasta el quiebre por una soga, fue realizado por Foak Studio.Los mendocinos, que se subieron al escenario del reciente Lollapalooza, supieron mezclar un synth-pop con arreglos más finos de cuerdas y vientos sumados a una impronta rockera y sicodélica que cierra todo el espectro melódico de la agrupación.

Aguetas” rompe el hielo con un funk que recuerda al gran Cerati, adornado por el violin de Javier Casalla que agrega teatralidad a la canción. El estribillo inquieta y acompaña suave y movedizo.“Laser 420” comienza con un eco oscuro hacia el sensual falsete de Juan Saieg (“Coqueteo,atracciones,invitaciones”), antes del boom de la guitarra. Final furioso con un latente pulso de la batería de Lucca Beguerie Petrich. Pablo Cafici agrega un Moog espectacular a la ecuación.

El serpenteo rítmico de “Big Bang” (primer adelanto del disco) es grandioso. Una métrica vintage te tira a los 80 y te vuelve a traer. “Venimos de explotar, y vamos a ello”, canta Saieg en una historia carnal de una noche fervorosa. Sólido solo de guitarra de Gabi Orozco antes del final. Ese final con palmas y vientos emociona, con la ayuda de “La Skandalosa Tripulación”. Uno de los temazos.

Mañana” es una concientización natural a cargo de un muy presente bajo y grandes teclados del estilo de Tame Impala (“Allí la montaña me atraviesa de energía”). Uno no quiere que se acabe el estribillo de la canción que le gusta. Bueno, ahí está. “FT” se pone tierno y bailarín entre colchones de cuerdas (Arreglos de cuerdas por Joaquin Guevara) y una letra sicodélica que intenta y logra llevar el tema a una escala épica (“En las profundidades tocaré el volcán”).

Rhodulo” se pone bastante Acid Jazz y recuerda al Phoenix de “Emboscade”, en gran parte gracias a la flauta de Romulo Herrera (la canción es un homenaje a su nombre y al famoso teclado). Casi sin saberlo, “Siento” explota con su guitarra furiosa. Los cambios rítmicos dominan una canción que marca tal vez una sensación generacional (“No me vuelvo a animar”). Un bello intervalo acústico que emerge desde un lago termina en un renacer furioso a puro caño (Los “Chico Trujillo” la detonan y se turnan los solos).

Arte de tapa de “II”

La dulzura regresa con la acústica “La Bestia”, lisérgica y lunática con grandes armonías. Saieg se convierte en un crooner hippie y rescata el espíritu de Miguel Abuelo, Almendra y La Cofradía de la Flor Solar. “Pana” sigue el bajo de Orozco y el Rhodes de Cafici, hasta volverse super funky a fuerza de chorus y pequeños y perfectos licks de viola (“Tal vez yo no quiera estar acá, despertame”).

Se acabó lo que se daba y los dos últimos temas del disco, “Tu Salto” y “Puedo Morir, Puedo Caer” son una polenta brit-rock con mucha viola. La faceta más rockera se asoma y da el presente sobre el final del disco, con grandes rulos de bata de Lucca Beguerie Petrich y un Orozco al re palo. Si, una flauta puede entrar en un tema de bigüala tan furiosa. Los últimos segundos parecen la decodificación de un ataque alienígena.

Y los cuyanos se van con instrospección y aliento, en una tremenda producción que ubica a su segunda placa como joven banda en los altos escalones musicales de 2017. Son sin lugar a dudas miembros de la nueva guardia musical argentina y acaban de reafirmarlo con una auto superación ejemplar y envidiable.

Entrevista al baterista  Lucca Beguerie Petrich

Lucca Beguerie Petrich, baterista del trío mendocino, habló sobre la composición y producción del nuevo disco, la experiencia con Gustavo Santaolalla y de qué se tratan las canciones de la banda: “las letras hablan de las cosas que nos pasan como amigos”.

  • ¿Qué diferencia hubo en el proceso de composición y grabación del nuevo disco comparado con la placa debut?

-Cuando hicimos el primer disco eramos mucho mas chicos, no sabíamos tanto sobre cómo grabar y producir un disco. Fue grabar las canciones tal cual nacían en la sala de ensayo y nada mas. Lo co-produjeron nuestros viejos y eso nos enseñó un montón de cosas. En cambio, el nuevo disco lo grabamos solos los 3 en el estudio y fue probar mil cosas,  grabar y regrabar. Teníamos mas posibilidades de experimentar. Todas las canciones surgieron en el estudio, hay algunas canciones que ni si quiera las hemos ensayado, están todas compuestas y producidas por separado.-

  • ¿Cómo se tomó la decisión de hacer parte del trabajo en Estados Unidos y qué ventajas y desventajas trajo?

– Mi papá (Carli Beguerie) fue quien grabó el primer disco y  uno de los encargados de la mezcla del disco nuevo también. Cuando empezamos el proceso de mezclar se tornó muy difícil interpretar el concepto que nosotros teníamos y transmitirlo sin estar ahí con él en persona mezclando el disco. Entonces surgió la posibilidad de viajar a terminarlo allá, regrabar algunas baterías y mezclarlo en varios estudios. La ventaja clara fue que llegamos a lo que queríamos.-

El baterista de Usted Señalemelo, en el pasado Lollapalooza. foto por Jimena Savelli

  • ¿Cómo es el método de trabajo del trío?¿Quedaron canciones afuera?

– No hay una forma de componer, por lo general hacemos todo los 3. Alguno viene con una idea y la agarramos entre todos y hacemos algo nuevo. Se da de forma natural. Últimamente hacemos más cosas en el estudio que en la sala de ensayo.Si, quedaron un par de canciones afuera que por ahí eran muy “Lado B” o que no encajaban con lo que hacíamos, probablemente  algún dia las terminemos igual y las puedan escuchar.-

  • ¿Hay algún concepto o alguna idea que predomina y sobrevuela las canciones del álbum?¿Intentan lanzar un mensaje a su generación y a la sociedad misma con sus letras?

– La mayoría de las letras hablan de las cosas que nos pasan como amigos, y probablemente mucha gente se pueda sentir identificado pero cada uno lo interpreta como quiere y esa es la idea también.

  • ¿Cuál fue el rol de Gustavo Santaolalla en todo esto?

– El año pasado yo viaje a Los Ángeles y estuve parando en su casa. Escuchamos las maquetas de lo que iba a ser el disco y quedó impactado. Nosotros en ese momento estábamos empezando a experimentar cosas nuevas a la hora de componer y producir y por ahí era medio raro. El nos dio un empujón a que siguiéramos por ahí e hiciéramos lo que quisieramos. No podía creer la evolución de la banda del primer disco al segundo.

  • ¿Venían presentando las canciones en vivo?¿Como las recibía la audiencia?

– En general a la gente le gustaban, pero mucho no entendían por que no las conocían y cuando las tocábamos al lado de las del primer disco era muy contrastante. Pero ahora que la gente escuchó el disco es completamente diferente. De a poco se van a acostumbrar a este nuevo show en vivo que tenemos.

El Cantante Saieg en vivo. Foto por Jimena Savelli

  • ¿Están sorprendidos por la rápida respuesta que tuvo el disco, tanto en Youtube como en Bandcamp?

– La verdad que si, no esperábamos que tanta gente lo escuchara en tan poco tiempo. Sabíamos que había expectativa por todo lo que nos venia pasando pero la verdad que esto fue mas de lo que imaginábamos.-

  • ¿Qué quieren plasmar con el arte de tapa y cómo fue el trabajo hasta llegar a la imagen y concepto ideales?

– La tapa estuvo a cargo de Foak Studio, básicamente es mostrar una evolución, un crecimiento, un quiebre con lo que veníamos haciendo y con lo que hacemos ahora.-

  • ¿Por qué eligieron “Big Bang” como primer adelanto?¿A qué se refiere la canción?

– Habla justamente de esto que nos paso en el ultimo tiempo, en el aprendizaje y las cosas que hemos vivido los 3 hasta llegar al disco este. Fue el corte porque representaba al disco en varios aspectos, el principal creo que es que funciona como puente entre el disco anterior y este.

El trio mendocino. foto por Joaquin Brito

  • ¿Qué fue lo que le agregaron el conjunto de cuerdas,La Skandalosa Tripulación y Chico Trujillo a la intención de las canciones?

Agregaron todo lo que nosotros no podíamos tocar y queríamos que sonara en la canción. Habían arreglos que estaban hechos por nosotros y directamente los tocaron, y otros que no sabíamos como hacerlos pero si sabíamos que queríamos una orquesta en la canción entonces ahí delegamos los arreglos a gente que nos parecía que iba a interpretar tal cual lo que buscábamos.

  • ¿La escena mendocina propone una movida musical interesante?¿Cómo se diferencia de los otros polos fuertes como lo son Córdoba, La Plata y Buenos Aires?

– Definitivamente para mi la escena de Mendoza es de las mas interesantes e innovadoras que tiene el país hoy. Hay una sinergia entre las bandas y un profesionalismo que no se ve en otros lugares, es una escena muy variada. Todas las bandas somos amigas pero todas las bandas hacemos música diferente. Es un poco parecida a la escena de La Plata en el aspecto de que es chica, pero muy distinta a la de Buenos aires y Córdoba.